Literatur mit mArtinus

John Steinbeck: Früchte des Zorns

2012-02-16T10:30:00.001Z

Steinbeck hat einen natürlichen, lockeren Stil. Man hat den Eindruck, ihm fliegen die Sätze einfach so aus dem Mund. Er beschreibt die Landschaft, und zeichnet die Dialoge, absolut realistisch. Allerdings wirkte dieser Stil trotzdem sehr trocken auf mich, so trocken wie die Dürre zu Beginn des Romans. Die Landschaftsbeschreibungen in dem Roman allerdings großartig sind. Vielleicht liegt es an den tristen Geschehnissen, dass mir die Lektüre sehr mühsam wurde. Es wird eben knallhart realistisch erzählt, wie eine Familie aus Oklahoma ihr Hab und Gut verlassen muss, die Hoffnung auf ein neues schönes Leben sie nach Kalifornien führt. Eine Art von Exodus, der allerdings nicht in das Gelobte Land führt, sondern in noch bitterer Armut, in rigide Formen unbarmherziger Ausbeutung. Der Roman spielt in den dreißiger Jahren des zwanzigsten Jahrhunderts.

Der Roman beginnt mit der großen Dürre, die über Oklahoma liegt. Der Protagonist der ersten Seiten ist der Staub. Vom Staub aus gleitet Steinbeck ganz sacht über in die Welt der Menschen, die ja in diesem Lande in der Dürre leben. Der Staub hängt in der Luft, die Menschen müssen ihre Fenster schließen. Das ist der Übergang zur Zivilisation. Solche sanften Übergänge mag ich. Tom Joad kommt nach vier Jahren aus dem Gefängnis. Auch hier ist der Staub und das getrocknete Gras das Thema. Und dann widmet sich Steinbeck einer Schildkröte auf, die Tom auf der Straße findet. Beim Gehen wirbelt Tom Staub auf. Toms Begegnung mit dem Prediger, der inzwischen kein Prediger mehr ist, sondern ein einfacher natürlicher Mensch, der seine eigenen Gedanken zum Heiligen Geist entwickelt hat, ist eine sympathische Figur. Er macht seine eigenen Gedanken über Gott und die Welt. Bezeichnend ist doch auch, dass Tom Joads Beschreibung seiner Mordtat beim Prediger ziemlich gelassen ankommt. In diesem Land scheint man sich mehr über die Dürre sorgen zu machen, als über einen Mord, der eben auch mal leider passiert. Diese Art der Mentalität hat schon was. Das Abfallen des Predigers vom regulären christlichen Glauben, ist ein deutliches Merkmal dafür, dass an den Fundamenten der USA gerüttelt wird, und auf dem Weg ins Gelobte Kalifornien die Familie Joad immer mehr auseinanderbricht. Die älteste Generation, Großvater und Großmutter, Kalifornien erst gar nicht erreichen, sondern dahinsterben. Mit dem neuen Leben können sie nichts mehr anfangen, ihre Heimat, mit der sich sich indentifiziert hatten, ist verloren, darum auch sie verloren sind und sterben. Ein anonymes Grab am Straßenrand, ein Armengrab. Das zeigt noch mal deutlich, dass alte Totengebräuche auch nicht mehr aufrechterhalten werden können, dass alles zu Bruch geht.

Es ist nicht nur die Dürre allein, warum hunderttausende damals nach Kalifornien auswandern.

Zitat von Steinbeck
Die Bank - das Ungeheuer muß die ganze Zeit Profite haben. Sie kann nicht warten. Sonst stirbt sie.
........
Die Bank ist mehr, als Menschen sind, das sage ich dir. Sie ist ein Ungeheuer. Menschen haben sie zwar gemacht, aber sie können sie nun nicht mehr kontrollieren. (Kap. 5)

Die Produktivität soll durch Traktoren gesteigert werden.

„Ein Mann auf einem Traktor kann zwölf oder vierzehn Familien ersetzen.“ Da die Pächter verschuldet sind, gehört das Land der Bank und die Pächter müssen mit ihren Familien von dannen ziehen. Es ist ganz klar, dass John Steinbeck gegen den Raubtierkapitalismus schreibt, der leider heute immer noch wütet. Die Banken müssen gerettet werden, die Bevölkerung hat nichts davon (siehe Griechenland). Warum die Landbesitzer den Pächtern Kalifornien schmackhaft machen, ist unklar. Denn so paradiesisch wird es dort ja nicht werden, wie sie behaupten:

Zitat von Steinbeck

Ihr braucht bloß die Hand auszustrecken und könnt überall eine Orange pflücken

.

Für die Großgrundbesitzer und Ausbeuter mag das stimmen, aber nicht für die Arbeiter, die sich für einen Elendslohn kaputtschuften – heute heißt das Lohndumping. Bevor die Joads überhaupt in Kalifornien ankommen, werden im Roman dreimal Zweifel eingestreut, dass in Kalifornien das Leben besser sei als in Oklahoma. Kommen wir noch mal zu den Orangenplantagen zurück. Kurz bevor die Joads Kaliforinien erreichen, werden sie von einem alten Mann aufgeklärt, wie furchtbar es in Kalifornien ist. Nur die Großgrundbesitzter haben das sagen. Nur ihnen gehören die Orangen. Sie hassen die Einwanderer, weil sie wissen, sie haben Hunger und könnten sich an einer Orange vergreifen. Wenn man eine anrührt, muss man damit rechnen, erschossen zu werden. Die Einwanderer nennen sie Oki. Das ist jemand, der aus Oklahoma kommt und ein Schwein ist.

Zitat von Steinbeck
Es sollen jetzt dreihunderttausend Leute da unten sein – und sie leben wie die Schweine, weil alles in Kalifornien jemanden gehört. Ist nichts mehr übrig. Und die Leute, denen's gehört, klammern sich daran – und wenn sie dabei die ganze Menschheit umbringen müssten...Ihr müsst jeden Tag eure paar Kröten fürs Essen zusammenkratzen. (Kap. 18).

Wie in „Tortilla Flat“ vetritt John Steinbeck die wunderbare Lebenseinstellung, und das hat er mit Henry Miller gemeinsam, dass materieller Reichtum eben nicht glücklich macht, dabei Steinbeck auf die Großgrundbesitzer schielt. Über den Herrn, der einen Millionen Hektar großen Wald besitzt, der jeden erschießt, der eine Orange klaut, legt Steinbeck dem Prediger Casy folgende Worte in den Mund:

Zitat von Steinbeck
Wenn er 'ne Million Hektar braucht, um sich reich zu fühlen, so scheint's mir, er braucht sie, weil er in seinem Innern schrecklich arm ist.... (Kap. 18)

John Steinbecks Roman ist knallhart, sodass er in diesem Roman sogar jeden Humor verloren hat, den er in „Tortilla Flat“ noch hatte. Das ist auch ein Grund, dass ich den Roman so zögerlich, manchmal auch mit Widerwillen gelesen habe. Aber Steinbecks Bitternis gegen den unsäglichen Kapitalismus, der Menschen brutal versklavt und erniedrigt, ist gerechtfertigt. Humor hat hier nichts verloren. Steinbecks Klage ist sehr zornig und erbarmungslos und darum humorlos. In dem er den Romanleser am Schluss in tiefer Hoffnungslosigkeit zurücklässt, verdeutlicht er nur, wie brutal und erbarmungslos der Raubtierkapitalismus ist. Steinbecks Roman ist gerade heute wieder besonders aktuell.

Blaise Cendrars: Gold - Der Lebensroman General Suters

2012-01-21T14:51:00.003Z

Gold – und Geldgier zerstört Leben.

Es scheint, die Menschheit ist seit Jahrtausenden nicht klüger geworden. Ägyptische Grabräuber raubten die Gräber ihrer Pharaonen aus und begingen damit religiösen Frevel, gefährdeten das Leben ihrer Pharaonen im Jenseits. König Midas ist beinahe verhungert, weil alles zu Gold wurde, was er angefasst hat. Spanier waren hinter dem Gold der Inkas her und hinterließen gewaltige Blutspuren. Mark Twain berichtet, wie Arbeiter in Goldminen für einen erbärmlichen Lohn ausgebeutet wurden und trotzdem kein Gold gefunden haben. Heute geht die Ausbeutung in Deutschland weiter, weil viele Menschen für einen schäbigen Hungerlohn arbeiten müssen, dafür andere sich gierig ihre Taschen voll stopfen. Als Bänker nicht so sehr ans Gold dachten, sondern eher an das Geld, wurde 2008 die Weltwirtschaftskrise verursacht. Der Turbokapitalismus bringt regelrecht Menschen um. Spekulanten treiben Nahrungsmittel in die Höhe, sodass arme Menschen ihre Nahrungsmittel nicht mehr kaufen können. Das Menschen für Goldklumpen, in die man nicht hinein beißen kann, in der Lage sind, fruchtbares Land zu zerstören, davon erzählt die Lebensgeschichte des Generals Johann August Suter, der im Jahre 1834 in die USA kam, in Kalifornien fruchtbaren Boden schuf. Nachdem in einer seiner Sägereien Gold gefunden worden war, wurde sein Besitz, die fruchtbaren Böden, sein "Klein-Helvetien" gänzlich zerstört, weil ein jeder aus aller Welt daherkam, und nach Gold buddelte. Auf diese Weise wurde General Suter, der der reichste Mann in Amerika gewesen war, zum Ärmsten seiner Landsleute. Der französische Autor Blaise Cendrars hat die Lebensgeschichte dieses Schweizer Generals im Jahre 1925 aufgeschrieben, diese Lebensgeschichte mit „Gold“ betitelt. Für Stefan Zweig war die Tragik des General Suter sogar eine Sternstunde der Menschheit wert. Eigentlich war es doch eine der düstersten Stunden, die nackte elende Wahrheit, das Gold und Geld vielen Menschen den Verstand kostet.

Umberto Eco: Der Friedhof in Prag

2011-11-22T19:01:00.001Z

Umberto Eco ist Autor von Sachbüchern, Essays und Romanen. Sein neuster Roman „Der Friedhof im Park“ handelt von fiktionalen Quellen, die eine Weltverschwörung der Juden belegen sollen. Dieses Pamphlet, eine Fälschung, entstand wenige Jahre nach 1897, dem zeitlichen Ende des Romans, in diesem Jahr der Protagonist des Romans, der Antisemit, Vielfraß und Frauenhasser Simone Simonini, in Paris sein Tagebuch schreibt, in dem er die Vorgeschichte dieser Fälschung darlegt, Die Protokolle der Weisen von Zion. Dieses Lügenwerk war den Nazis willkommen, einige Unverbesserliche halten diese Protokolle für wahr, wie der Holocaustleugner und Bischof der Piusbruderschaft Richard Williamson, der diesen Unsinn als „gottgesandt“ einstuft.

Der in Paris lebende Simone Simonini ist die einzige Figur des Romans, die Umberto Eco der Fantasie entsprungen ist, alle anderen Personen sind historisch belegt. Trotzdem ist Simonini auch nur eine Collage von mehreren Personen, die es im neunzehnten Jahrhundert gegeben hat. Ich gehe davon aus, und vieles spricht dafür, dass der Roman größtenteils aus Textcollagen besteht. Das ist eine Kunst, deren Thomas Mann sich auch gerne bedient hat. Schwierigkeiten, die bei der Lektüre vorkommen können, kann zu einem Teil einer historischen Unkenntnnis des Lesers ursächlich sein. Das schreibe ich mal so provokant hin, als ob man dem Leser Vorwürfe machen könnte. Das ist natürlich Unsinn. Es liegt immer noch in der Verantwortung eines Schriftstellers, wie er einen Roman konzipiert. Um es kurz zu machen: In den Kapiteln um Garibaldi und Napoleon III. begann es schon, dass ich inhaltlich den Faden verlor, vieles verständnislos wurde, weil meine Bildung (oder Unbildung) versagte. Nach der Lektüre ist man gescheit: Ach, hätte ich vor dem Schinken die Geschichte Italiens und Frankreichs studiert, dann hätte ich mehr vom Roman gehabt. Eine große Hilfestellung während der Lektüre war der wikipedia-Artikel „Protokolle der Weisen von Zion.“ Momentmal. Erstmals ist es mir passiert, dass ich einen Roman in etwa nur folgen konnte, weil ich einen bestimmten wikipedia- artikel zur Verfügung hatte. Das kann ich gar nicht gutheißen. Sicher, Eco hat recherchiert bis in die letzten Winkel. Sogar die Theosophin Madame Blavatzky findet Erwähnung, wir erfahren auch nebenbei, Simonini sei mit Alphonse Daudet befreundet, dieses aber hätte gar nicht erwähnt werden müssen, denn Daudet taucht im Roman niemals auf, Victor Hugo wird zweimal erwähnt, George Sand und Chopin dürfen natürlich auch nicht fehlen, natürlich auch nicht Charcot, Freud, Hysterieforschung, Mesmerismus. Was ich sagen will, Umberto Eco packt alles in dem Roman hinein, als ob er das ganze Paris in den Roman packen wolle, obwohl niemandem aufgefallen wäre, wenn Simonini mit Daudet nicht befreundet gewesen wäre. Das mag eine Liebelei von Umberto Eco sein, der aus Freude an seiner überaus großen Bildung alles in den Roman hineinfließen lassen wollte.. Unbedingt nötig ist das nicht, eher eine Überfrachtung, allerdings das herrliche wunderbare Kapitel um Freud, Charcot und Hysterie für den Roman unverzichtbar ist. Ja, naturlich. wunderbare literarisch gut ausgeformte Passagen gibt es natürlich wie auch der einführende Monolog Simoninis, auch wenn dieser Monolog an Gehässigkeit wohl kaum zu überbieten ist. Dass sogar Dostojewskij (seltsamerweise?) für eine Weltverschwörung herhalten muss, hätte wohl niemand erwartet. Dostojewskij sei ein guter Rhetoriker heißt es. Erst zeige er Verständnis für die Juden und drücke seine Hochachtung aus,

Zitat von Eco
dass alles, was Humanität und Gerechtigkeit erfordere, alles was Menschlichkeit und das christliche Gesetz erfordere, für die Juden getan werden muss...

und dann wird gesagt, Dostojewskij hätte ausführlich beschrieben,

Zitat von Eco

wie diese unglückliche Rasse darauf abziehlt, die christliche Welt zu zerstören.

Natürlich hätte ich gerne gewusst, wo diese Ausführungen Dostojewskijs im Werk dieses Schriftstelles zu finden ist, Eco allerdings in einem Roman nicht zu Quellenverweisen verpflichtet ist. Allerdings, wenn ich mir die zweite Hälfte des Romans anschaue, hätte ich mir gewünscht, Umberto Eco hätte sich für die Form eines Sachbuches entschieden. In der zweiten Hälfte des Romans verarbeitet Eco fast nur abstruse fiktive Ideen aus der Literatur, z,B. Hermann Goedsche, der in seinem Roman „Biarritz“ höchst seltsames über Juden verfasste und LéoTaxil, der abstruses über satanische Riten und Freimaurerei veröffentlicht hat, was nun ein gefundenes Fressen für den bösartigen Simonini ist. Allerdings ebbt dies bischen Romanhandlung im Roman ziemlich ab, dass ich mich wirklich fragen muss, warum dieses Buch nicht ein erstklassiges Sachbuch geworden ist, jetzt aber einen unausgegorener Roman vor uns liegt, dabei aber nicht vergessen werden darf, Umberto Eco den wunderbaren großartigen Roman „Der Name der Rose“ geschrieben hat. Ein Roman mit Historie, Theologie, Philosophie; dieses Werk aber ein großartiger Roman geworden ist, den ich ohne Sekundärliteratur inhaliert habe. Ein großes Vergnügen. Trotzdem hatte der Verlag eine „Nachschrift“ veröffentlicht.. Für „Der Friedhof im Park“ halte ich einen Kommentar mit Quellen für notwendig. Ein paar wikipedia-artikel als Sekundarmaßnahme ist mir einfach zu bleich.

David Benioff: Stadt der Diebe

2011-10-24T17:19:00.000+01:00

Dieser Roman ist eine große Überraschung. Es wird nicht einfach nur ein tragisches Schicksal im Zweiten Weltkrieg erzählt, sondern David Benioff verbindet in einzigartiger Weise Kriegsgeschehen, Geschichte einer Jugendfreundschaft und Abenteuerroman. Einzigartig, weil mir in der deutschsprachigen Literatur in dieser Art noch nichts vor die Augen gekommen ist, in Deutschland solch ein Roman auch sicher nicht hätte geschrieben werden können. Humor, Witz, Ernsthaftigkeit, die absolute Bitternis und Unmenschlichkeit des Krieges, Brutalität, Sex und Überlebenskampf – alles das ist in diesem Roman in gekonnter Ausgewogenheit enthalten, der Autor außerdem einen Roman vorgelegt hat, der auf keiner einzigen Seite Langeweile aufkommen lässt. Spannung bis zum Schluss, ein rasanter Drive mit überraschenden Wendungen.

Brian Moore konnte auch spannungsgeladen schreiben, aber ich denke, dieser Benioff hat noch einen Tick mehr, zumal außerdem das Kolorit Leningrad im Jahre 1942 zur Zeit der Belagerung der Nazis für den deutschen Leser schon etwas besonderes ist ,und der Aufhänger des Romans ist einfach genial bemerkenswert, wie wir gleich sehen werden. Verdanken haben wir diese Lokalität Benioffs Großvater, der in Leningrad geboren ward und mit siebzehn Jahren ins berüchtigte Kresty- Gefängnis gesteckt wird, weil er einem deutschen Fallschirmspringer, der tot vom Himmel fiel, ein Messer klaute. Von diesem Großvater, der Lew heißt, handelt dieser Roman. Allerdings ist das schon Fiktion. Im Deutschlandfunk hat Benioff offenbart, sein Großvater sei nie in Leningrad gewesen. Trotzdem, im Roman sitzt Lew im Dunkel seiner Gefängniszelle:

Zitat von Benioff
Die Nacht würde niemals enden. Die Deutschen hatten die verdammte Sonne abgeschossen, die konnten das, klar doch, ihre Wissenschaftler waren die besten der Welt, die konnten das austüfteln. Die hatten herausgefunden, wie man die Zeit anhält. Ich war blind und taub. Nur die Kälte und mein Durst sagten mir, dass ich noch lebte. Mit der Zeit wirst du so einsam, dass du dich nach den Wärtern sehnst, nur um ihre Schritte zu hören, ihre Wodkafahne zu riechen.

Im Gefängnis begegnet er den etwas älteren und lebenserfahrenen Kolja, Angehöriger der Roten Armee, der einsitzt, weil er desertiert ist. Sie glauben, am nächsten Tag umgebracht zu werden, werden aber einem Oberst des Geheimdienstes vorgeführt, der ihnen Gnade verspricht, wenn sie für die Hochzeitstorte seiner Tochter in Leningrad zwölf Eier besorgen können. Ein Ding der Unmöglichkeit, denn in Leningrad werden die letzten Hühner zu Suppen verkocht.

Benioff hat für seinen Roman recherchiert. So las er, wie er am Ende des Romans in den "Danksagungen" schildert "900 Tage. Die Belagerung von Leningrad" von Harrison E. Salisbury und das Buch "Kaputt" von Curzio Malapartes, in dem die Taktik der Deutschen mit den Partisanen geschildert wird. Einmal hören die Freunde Klaviermusik aus irgendeinem Fenster, und es wird bemerkt, Schostakowitsch wohne hier in der Nähe. Allerdings ist es die dichterische Freiheit des Autors, diese Szene in das Jahr 1942 zu verlegen. Historisch korrekt ist, Schostakowitsch befand sich im Jahre 1941 noch in Leningrad und spielte damals bei einer Gelegenheit aus der Leningrader Symphony vor. 1941 verließ er aber auch die Stadt und wohnte dann in Moskau. Roman ist eben Fiktion. Mir haben auch die Dialoge der Jungens gefallen. Natürlich geht es darin hauptsächlich um Frauen, Kolja in diesen Dingen überlegen ist. Diese Dialoge tragen Witz, Charme und sind so unverkrampft, dass es einfach herrlich zu lesen ist. David Benioff, der, wenn er nicht gerade an einem Roman sitzt, Drehbücher schreibt, ist ein begabter Dialogeschreiber. Aus den Dialogen und ihrem Verhalten bilden sich die Charaktere der Protagonisten. Dostojewskij hat auf diese Weise ebenso Charaktere geformt.
Und weil es so schön war, lese ich gleich noch den Romanerstling "25 Stunden" hinterher.

Tomas Tranströmer: Der Mond und die Eiszeit

2011-10-14T12:17:00.005+01:00

Tomas Tranströmer stand schon lange auf der Liste der Favoriten für den Literaturnobelpreis. Warum ich aber erst jetzt seine Gedichte lese, nachdem es durch die Welt ging, er bekomme diese Auszeichnung, weiß ich nicht. Immerhin habe ich den inzwischen vergriffenen Gedichtband „Der Mond und die Eiszeit“ aus der Reihe „Serie Piper“ zwei Tage vor der Bekanntgabe des Nobelpreises antiquarisch geordert. Also, gelesen hätte ich diese Gedichte sowieso, und jetzt lese ich sie und bin froh, obwohl, bange hätte ich werden können, denn da gibt es ein Gedicht über Schreibhemmung. Überdrüssig aller Wörter, denn sie können nicht eins zu eins die reale Welt darstellen, von der der Schreibende in dem Gedicht doch erzählen will, und weil er keine Worte findet, zeichnet Tranströmer in Bildern, erzählt, wie das literarische Ich auf eine schneebedeckte Insel fährt. „Das Wilde hat keine Wörter.“, heißt es, ja, diese Insel ist von natürlicher Wildnis, aber sie vom Schnee umhüllt ist, bleibt verborgen. Der Schreiber findet keine Worte. Nur die Sprache ist da, Rehhufen im Schnee – eines ist hier entlanggelaufen erzählt die Sprache der Natur.

Mein erster Eindruck der Gedichte des Frischgekürten: Er erzählt in eindrucksvollen Bildern, die gedeutet werden müssen. Lyrik muss man sich selbst erarbeiten, ich kann hier nur meine subjektiven nicht allgemeingültigen Eindrücke schildern. Ein Gedicht habe ich auf Anhieb lieb gewonnen: „Skizze im Oktober“. Ein klappriger rostiger Schleppdampfer, schrottreif, ist wie „eine schwere erloschene Lampe in der Kälte.“ Er nähert sich der Erde, dem Land, indem er vom Meer in einen Fluss einfährt. Die wilden Farben der Blätter künden den Tod an. In der zweiten Strophe kommt der Mensch ins Spiel. Tintenpilze, die durch Grasnarben schießen, sind wie hilfesuchende Finger von jemanden, der nun unter der Erde liegt. Wir werden eins mit der Erde, will das Gedicht uns sagen. Mich haben diese Bilder, wie Tranströmer sie lakonisch, aber trotzdem wuchtig malt, sehr beeindruckt. Dieses Gedicht zählt von Anbeginn schon zu meinen liebsten. In einem anderen Gedicht heißt es über den Tod: „ Doch im stillen wird der Anzug genäht.“

Ein jeder kennt das Gedicht „Ein Gleiches“: „Über allen Gipfeln / Ist Ruh.“ In diesem Gedicht geht der Spannungsbogen vom Himmel bis unter die Erde: „Warte nur, balde / Ruhest du auch“. In dem Gedicht „Atempause Juli“ von Tomas Tranströmer liegt jemand unter hohen Bäumen und schaut in die hohen Zweige. Er fühlt, er sitze „ in einem Schleudersitz, der in Zeitlupentempo wegfliegt.“ In der zweiten Strophe ist das Gedicht inhaltlich zur Erde geschwenkt, auf einem Bootssteg, der schneller altert als der Mensch. Und dann, man merkt vielleicht, dass Tranströmer Schwede ist, immer wieder Wasser, das Meer, die Kälte, in der dritten Strophe also die Vorstellung, wenn jemand mit einem Boot „über die glitzernden Buchten fährt“, dann wird derjenige „in einer blauen Lampe einschlummern“, und, im letzten Vers so eine typische bildhafte Fantasie Tranströmers: “..während die Inseln über das Glas kriechen wie große Nachtfalter.“ Geniales Bild. Wie sollen wir das aber entschlüsseln? Es geht hier wohl auch um den Tod. Die blaue Lampe könnte der kalte Tod sein, das Meer der Sarg unter den Schwingen des Nachtfalters. Alles muss man nicht verstehen, dass Entscheidende ist, Tranströmers Bilder bringen unsere Fantasie in Bewegung. Wir begegnen auch den Blick von ganz unten bis in die weiten des Kosmos: „Wir blicken nach oben: der Sternenhimmel durch das Abflussgitter.“

In diesem Band sind auch einige kurze Prosastücke enthalten, die wie seine Lyrik ebenso von knapper Verdichtung und assoziativwirkenden Bildern geprägt sind. Es sind wunderbare Bilder. Oder wundersame? In einem Gedicht schauen „Satelitenaugen“ auf den rauhen Boden der Erde, der kein Spiegelbild zulässt. „Nur die gröbsten Geister“, so heißt es, „spiegeln sich drauf: der Mond und die Eiszeit.“

Angelika Klüssendorf: Das Mädchen

2011-09-30T13:06:00.010+01:00

In unserer Familie bin ich manchmal schief angesehen worden, wenn ich es wagte, das Wort „Scheiße“ in den Mund zu nehmen. Entschuldigt diesen einleitenden Satz, aber ich komme gleich zum Roman. Für mich hat es nie einen Grund gegeben, dieses Wort nicht zu benutzen, wenn es einen Grund dafür gegeben hatte. Wenn der Roman von Angelika Klüssendorf mit dem Euphemismus Scheibenkleister“ begonnen hätte, wäre es ein derber Fehlstart gewesen, denn nur das Wort „Scheiße“, mit dem der Roman beginnt, kann aussagen was gemeint ist. Die Kindheit des Mädchens, das unter Verwahrlosung und Gewalt aufwächst ist „Scheiße“, und im übertragenden Sinn ist auch der Unrechtsstaat DDR gemeint ist, auch wenn es Verwahrlosung in Westdeutschland und in anderen Ländern genauso gegeben hat und heute noch gibt.

Zu Beginn des Romans fliegen wirklich Exkremente „durch die Luft“ und all das „landet auf dem Strohhut einer jungen Frau, klatscht auf den Bürgersteig.“

Seit Tagen sind das 12 jährige Mädchen und der sechsjährigen Bruder Alex in der Wohnung eingeschlossen. Da die Toiletten in diesen DDR-Mietshäusern immer ein halbes Stockwerk tiefer sind, müssen sie ihre Ausscheidungen in einem Eimer sammeln. Die Wohnung verdreckt, ein halbe Müllhalde, in der offenbar noch ein Fernseher funktioniert, denn aus dem Fernseher weiß das Mädchen, wie sich Frauen vor den Männern zeigen, wie sie sich halbnackig zeigen, um ihnen zu gefallen. Mit Büstenhalter, rotem Spitzenhöschen und knallrotem Lippenstiftmund bewegt sie sich vor dem Fenster und weiß, dass die Arbeiter aus der Werkzeugfabrik, die gleich Pause haben, zu ihr hinaufschauen werden. Dieses erste Kapitel schon zeigt in bitterer Realität die Verwahrlosung unmittelbarer Umgebung des geschlossenen Raumes und die geistige Verwahrlosung, fehlgeleitete Vorstellung ihrer Identität als künftige Frau durch die sexualisierte Präsentation des weiblichen Geschlechts unkontrolliert aus der Flimmerkiste eingetrichtert (dass sie dauernd vor dem Fernseher hängt, ist nur ganz herrlich fein angedeutet). Der Vater, betrunken, meist gar nicht zu Hause schlägt seine Frau, die Mutter prügelt mit einem Ledergürtel auf das Mädchen ein, die Schwester gibt Watschen an ihren Bruder weiter. Hier ist wirklich gar nichts mehr übrig, was wir als sozial bezeichnen würden. Man mag so etwas wie soziales Chaos bezeichnen. Alles, wirklich alles, gerät aus den Fugen. Der blondgelockte Bruder ist ein Liebling der Mutter und wird in den Augen der Mutter zum bösen Bastard, wenn sie ihre brutale Gewalt an ihm auslässt. Der Verwahrlosung dieser Menschen wird der ramponierte Zustand des Hauses gegenübergestellt, meines Erachtens ein deutlicher Hinweis dafür, dass hier Verwahrlosung als Metapher für die ganze desolate DDR-Diktatur steht. Insuffizient, brüchig, kurz und gut so, wie das erste Wort des Romans. Der Text um das brüchige Haus ist ein sehr schönes Beispiel für die Lakonie des Romantextes.

Zitat von Klüsendorf
Das Haus unterscheidet sich nicht von den anderen Häusern in der Straße, Rußflecke, Einschusslöcher aus dem Krieg, abblätternder Putz.

Lest nach dem ersten Kapitel weiter, wenn ihr noch Nerven dazu habt, denn der Roman ist in seiner lakonischen Art wirklich gut geschrieben. Direkt bezieht sich auf die realistische, ehrliche Darstellung der Misere und vergessen wir jeden Anflug von illusionärer DDR-Romantik. Diese Diktatur war ein Graus damals, nichts anderes. Als das Mädchen ins Heim kommt, erzählen ihr die anderen Mädchen von ihren grausamen Erlebnissen zu Hause. Wenn sie das hört, „erscheint ihr das eigene Schicksal weniger schlimm, die erlebten Demütigungen fast bedeutungslos.“

Es ist schon ein Wunder, dass das Mädchen in dieser Düsternis Strategien entwickelt, um der Hölle zu entkommen. Sie wird von der Mutter geschlagen, und aus Brehms Tierleben kennt sie den Goliathkäfer.

Zitat von Klüssendorf
„Sie stellt sich vor, sie hätte seine Flügel und könnte weit weg fliegen.“

Arno Geiger: Der alte König in seinem Exil

2011-09-01T14:02:00.002+01:00

Arno Geiger hat ein literarisch formloses Buch über seinen Vater geschrieben. Es ist kein Roman, keine Fiktion. Der Vater leidet an Alzheimer Demenz, die Krankheit hier aber nur sekundär auftritt, in erster Linie es aber um das Verhältnis zwischen Vater und Sohn geht. Eine subtile Annäherung an den Vater, dessen Herkunft auch beleuchtet wird. Als die Krankheit einsetzt, der Vater seine ersten Aussetzer hatte, wird falsch reagiert. Der Vater wird für ein Fehlverhalten kritisiert, was durch seine Erkrankung verschuldet ist. So wird es in vielen Familien sich zugetragen haben, bis irgendwann die Erkenntnis einsetzt, der Vater ist krank. August Geiger geht immer mehr in sein Exil, in seine Krankheit, sodass er wie ein heimatloser sich nach Hause sehnt, obwohl er ja physisch zu Hause ist. Aber der Geist zerfällt, die ganze Persönlichkeit, und das ist die Fremde, die dieser Vater fühlt. Arno Geiger hat diesen Vorgang an sich sehr schön erzählt, warum er aber die Alzheimer Erkrankung zur Metapher erklärt, ist seltsam. Alzheimer als

Zitat von Arno Geiger
..ein Sinnbild für den Zustand unserer Gesellschaft. Der Überblick ist verlorengegangen, das verfügbare Wissen nicht mehr überschaubar, pausenlose Neuerungen erzeugen o
Orientierungsprobleme und Zukunftsängste.

(Seite 58).

Ich habe den Eindruck, mit diesem Gesellschaftsbezug soll der Text literarisch erhöht werden, denke ich bei diesem Zitat doch an Kafka. In meiner Rezension zu „Der Verschollene" schrieb ich:

Zitat von mArtinus
„...dass Kafka zu Beginn des 20 Jahrhunderts erschreckend in eine hochtechnisierte Welt sah, die den einzelnen Menschen, das Individium, unbedeutend erscheinen ließ.“

Ich gehe davon aus, Arno Geiger habe sich bewusst auf Kafka bezogen, ihn nur variiert, an einer anderen Stelle Kafka sogar wörtlich erwähnt wie auch andere Größen. An sich besteht aber kein Grund seine Bildung vorzuzeigen, wenn es um den eigenen Vater geht, der übrigens schon immer „einen Hang zum Eigenbrötlerischen hatte“, aus dem Dorf kaum herausgekommen sei. Einerseits Verständnis für die Situation des Vaters gezeigt wird, andererseits auf Grenzen gestoßen wird, wenn der Autor sich ärgert, wie überlegt doch manche Antworten seines Vaters erscheinen, außerdem am Rande schwelende Aggression brodelt, auf Seite 23 folgendes zugegeben wird:

Zitat von Arno Geiger
Hätte ich damals nicht mehrere Monate im Jahr zu Hause verbringen müssen, damit ich als Ton-und Videotechniker auf der Bregenzer Seebühne das Geld verdiente, das das Schreiben nicht abwarf, hätte ich einen weiten Bogen um das Elternhaus gemacht.

All das, obwohl auf Seite 11 noch zuversichtlich verkündet wird:

Zitat
Da mein Vater nicht mehr über die Brücke in meine Welt gelangen kann, muss ich hinüber zu ihm.

Ein redlicher Vorsatz, der sich nur teilweise erfüllt. Das Buch hat gute Ansätze, die dem Leser die Situation nahebringen kann, wie es sein kann, wenn ein Familienmitglied einer dementiellen Entwicklung ausgesetzt ist und irgendwann doch der Punkt erreicht wird, dass die Inanspruchnahme eines Pflegeheimes irgendwann nicht mehr abzuwenden ist. Aber, wie oben ausgeführt, auch ein Buch, was Fragen aufwirft, warum nur Arno Geiger dieses Buch geschrieben habe. Um seinetwillen oder zum Andenken an seinen Vater?

Zitat von Arno Geiger
Meine ganze Kindheit lang war ich stolz gewesen, sein Sohn zu sein. Jetzt hielt ich ihn zunehmend für einen Schwachkopf.
Es wird wohl stimmen, was Jacques Derrida gesagt hat: dass man stets um Vergebung bittet, wenn man schreibt.

(Seite 23)

Johannes Willms: Stendhal (Biografie) Teil II

2011-08-18T16:15:00.006+01:00

Nach Teil I folgt Teil II

Nach der Ära Napoleons I. geht es darum, wie Stendhal nach Bonaparte finanziell überleben kann, es folgen einige unerfüllte Liebesbeziehungen, die Stendhal in seine schlimmste Krise stürzten: Selbstmordgedanken, vier Jahre Keuschheit. Es erfolgt auch der Aufstieg zum angesehenen Schriftsteller, mit dem Schreiben er so manches Liebesleid überwinden konnte. Weiterhin die unerfüllte Liebe zur Mailänderin Métilde Dembowski. Die Folgen waren besonders tragisch. Dieses war wirklich Liebe, die völlig unerwartet in Stendhals Leben fiel, keine Liebelei, keine Abenteuerei wie in seinen jungen Jahren, Métildes Abweisung Stendhal in eine bisher nie dagewesene Sinnkrise führte. Vielleicht sah Stendhal in Métilde seine letzte Chance, die große Liebe zu begegnen. Métilde, damals 28 Jahr alt, hatte zwei Kinder und war geschieden. Einmal reiste er ihr durch mehrere italienische Städte hinterher, nur um sie zu sehen. Doch das hatte furchtbare Folgen. Stendhal wurde, Johannes Willms vermutet, von Métildes ehemaligem Gatten, dem General Dembowski, denunziert. Er wurde verdächtigt, ein Spion der französischen Regierung zu sein, ein gefährlicher Liberaler. Sogar Fürst Metternich soll seine Hand im Spiel gehabt haben, sodass er Mailand für immer verlassen musste, dem Metternich Jahre später noch seinen Tod wünschte. Noch zehn Jahre später, klagte er über den Verlust, Mailand den Rücken gekehrt haben zu müssen. Als Stendhal aus Mailand floh, er ging schon auf die vierzig zu, hatte er, so darf ich wohl sagen, sein Leben fast verloren. „Mehr und mehr versank er in einer Depression die ihn, bezeichnend für sein Empfinden des Versagens, davon abhielt, frühere Kontakte in Paris neu zu knüpfen“, so Johannes Willms auf Seite 191.

Trotzdem fällt doch auf, Stendhal ist schon um die vierzig. Was ist denn nun mit dem Schriftsteller Stendhal? Er hat sehr spät angefangen. Ursprünglich wollte er Dramen schreiben. Im Nachhall der Liebe zu Métilde veröffentlichte er 1822 sein Buch „Über die Liebe“, darin es mehr oder weniger um seine Liebesleiden geht, zum Romandebut „Armance“ dauerte es noch fünf Jahre. Wie für Balzac war auch für Stendhal der Journalismus eine Fingerübung, die schließlich zu den Romanen führte. Ein wenig unrühmlich begann Stendhals Weg als Schriftsteller mit Plagiaten. An seinem ersten erfolgreichen Roman „Rot und Schwarz“ wurde u.a. der völlig neuartige Stil gelobt.

Zum Ende hin, schwenken wir den Blick auf die Biografie an sich. Merkwürdig, Willms klammert Stendhals Interesse für die Archäologie gänzlich aus und der aufmerksame Leser darf sich fragen, was aus seinem Interesse an der Mathematik geworden ist, die ihm ja von Jugend her begeistert hat. Ich sonst von dieser Biografie sehr angetan bin, die in den Anmerkungen auf 793 Quellen, meist Primärquellen, verweist, beim Lesen dieser Biografie ich aber nie den Eindruck hatte, der Autor zitiere zu viel und schreibe zu wenig. Nein. In dieser Hinsicht ist das Buch sehr ausgewogen, und Johannes Willms zeichnet das Leben eines Liebenden und eines Schriftstellers sehr detailliert nach, der als Beamter große Karriere machen wollte, aber nur Konsul in einem kleinen langweiligen italienischen Städtchen wurde. Selbstverständlich fällt es auf, Johannes Willms schreibe nursehr wenig über die Romane, dabei aber zu bedenken ist, es handelt sich um eine Biografie und nicht um eine Werkanalyse. Klar geworden allerdings ist, Stendhal verewigte einige Frauen seines Lebens in den Romanen. Über "Die Kartause von Parma“ heißt es, der Roman sei „...die Summe all seiner Leidens – und Glückserfahrung in der Liebe...“. Die Chartreuse sei „insofern recht eigentlich das >Buch Stendhal<.“ (Willms, Seite 281).

Johannes Willms: Stendhal (Biografie) Teil I

2011-08-16T16:35:00.005+01:00

Knapp über die Hälfte der Biografie hinausgekommen mausert sich diese Biografie zu einem Zeugnis eines Menschen, der von einer Frau zur nächsten geht, ähnlich wie Fabrizio in der Kartause. In der ersten Hälfte der Biografie sich noch nicht abzeichnet, dass Stendhal ein großer Schriftsteller werden wird, er nur ein Frauenjäger, ein Mensch, dem sein übermäßiger Geschlechtstrieb eigentlich schon zur Last geworden sein muss, der seinen Trieb sofort befriedigen muss, sich gleich verlieben muss, wenn ihm eine schöne Frau unter die Augen kommt, ich mich schon ernsthaft fragen muss, ob das nicht einfach nur Sexsucht ist. Es ist wahrlich nicht übertrieben, wenn ich sage, auf (fast) jeder Buchseite gehe es um Frauen in Stendhals Leben. Korrektur: Nach der Lektüre wird es dem Leser so erscheinen, als ob....

Unter anderem in den Œuvres intimes, seinen Tagebüchern, schrieb Stendhal über seine Frauengeschichten. Was Stendhal dort loslässt geht teilweise an jugendfrei vorbei. Was mir tatsächlich in den Kopf schoss war, Stendhal hätte ein gehobener pornographischer Schriftsteller werden können. Was soll ein Biograf wie Johannes Willms schon machen, wenn so ein Tagebuch (offensichtlich) voll von Liebeleien ist. Er schreibt darüber, natürlich, und was Willms gut hinbekommen hat, ist, Stendhals Psyche in Bezug auf den Eros zu durchleuchten. Das ist eine wesentliche Leistung dieser Biografie.

Ein wenig pausiert das Frauenthema, wenn Stendhal mit Napoleon gen Russland zieht (logisch). Stendhal ist ein Beispiel dafür, wie ein Mann vom Geschlechtstrieb geknebelt werden kann, seine große Liebe aber niemals finden wird. Stendhal war niemals verheiratet. Eine Frau war erobert, und schon verlor er wieder Interesse. Fabrizio erging es auch so. Nur eine Frau liebte er über Jahre hinweg: Victorine Mounier (na,ja, in Mailand gab es auch eine langjährige unerfüllte Liebe, davon später). Sie zeigte ihm nur die kalte Schulter, er bekam sie nie. Sie war Stendhals Dulcinea, die ewige Liebe, der er nachträumte, die unerreichbar blieb.

Zitat von Stendhal
Ich habe sie sehr geliebt, auch wenn ich ihr nur siebenmal in meinem Leben begegnet bin. Alle anderen Leidenschaften waren nur ein Wiederschein von dieser.

(Correspondance générale I,60; in Willms Seite 60/61)

„Es ist“, so formuliert Johannes Willms treffend

Zitat von Johannes Willms
völlig gleichgültig, dass Victorine vermutlich nicht entfernt jenem Idealbild entsprach, das er sich machte. Sie diente ihm wie andere Frauen lediglich als Projektionsfläche, als beliebiges Gefäß seiner Träume von vollkommener Liebe, von wunschlosem Glück. Stendhals enttäuschte, nicht erhörte Passion für Victorine Mounier liefert das Grundmuster für das Leiden an der Liebe, das seinem Leben den eigentümlichen Sinn geben sollte.

(Willms, Seite 68)

Stendhal war ein Träumer, zumindest in seinen jungen Jahren. Er verschlang viele Bücher, auch solche, die der Jugend nicht zugänglich sein sollten und erlag dem Wahn, die Literatur mit der Realität zu verwechseln. Als er erstmals in Paris war, glaubte er allen Ernstes, er könne die Pariser Szene „als ein Valmont aus den >Liaisions dangereuses<...betreten." (Willms, Seite 40)

Zitat von Stendhal
Ich kenne die Menschen nur aus den Büchern und es gibt Leidenschaften, von denen ich nirgendwo sonst Kenntnis erhalten habe.

(Pensées, Filosofia nova, in Willms, Seite 59; )

In den Œuvres intimes I 180, bekennt Stendhal, er habe, bevor er Victorine nach drei Jahren erstmals wiedersah, genau vorgestellt wie seine Erwartungen von Glück sein werden, die er sich während der drei Jahre ausgemalt hatte, und als er sie sah, realisierten sich seine Erwartungen. Johannes Willms schreibt (Seite 65/67), er sei noch von dem ihn verehrten Rosseau beeinflusst gewesen, der in Les Confessiones seine Begegnung mit Madame d' Houdetot ähnlich geschildert hat.

Als ich las, Stendhal habe in Romanen das reale Leben erblicken wollen, musste ich daran denken, wie der Franzose aus Renaissance-Geschichten seinen letzten großen Roman gestaltete. Er schrieb Die Kartause von Parma mit einem Fuß in der Renaissance weilend, obwohl die Handlung des Romans zu Anfang des 19. Jahrhunderts zu setzen ist. Hier mag sich Stendhals Träumerei in wunderbarer Weise in einem Roman gespiegelt haben, oder die Romantik. Als im Jahre 1800 Napoleon den St. Bernhard Pass in Richtung Oberitalien überschritt, war Stendhal als Hilfsarbeiter im Truppenverwaltungsdienst dabei und „träumte sich wieder in die Rolle eines strahlenden Helden von Ariost“(Willms, Seite 45), genauso wie es Fabrizio in der Kartause bei Waterloo getan hatte. In Italien lernte Stendhal die Musik Cimarosas kennen und lieben. Julien Sorel bricht im Roman „Rot und Schwarz“ in Tränen aus, als er eine Arie Cimarosas vernimmt, und in der Kartause verliebt sich Fabrizio bei Cimarosas Klängen in Clelia (vgl. Willms, Seite 48) Es macht mir Spaß zu entdecken, was die Romane über Stendhal selbst erzählen.

Stendhal war sehr ehrgeizig und wollte unter Napoleon zum Kriegskommissar aufsteigen, war aber auf seiner Reise nach Deutschland im Jahre 1806 dem Kriegskommissar nur als Stellvertreter zugeteilt. Die Bürokratie langweilte ihm schließlich dann doch, er wollte in die Schlacht. Stendhal schien aber nicht wirklich der Typ eines heldenhaften Soldaten zu sein, waren doch diese Ziele dadurch vergällt worden, weil er den Auftrag bekam, Pferde-und andere Tierkadaver von den Straßen zu befreien. Auf einer Reise durch Süddeutschland sah er grausame Restbestände des Krieges: Tierkadaver, Uniformstücke und Helme bei Landshut. Der Anblick übel zugerichteter Soldatenleichen gaben ihm den Rest. In Wien ging es ihm besser, er begegnete wieder schönen Frauen (vgl. Wilms Seite 102/103). Den Russlandfeldzug 1812 hatte er allerdings noch vor sich.

Stendhals große Liebe war selbstverständlich Italien, vielleicht letzendlich doch besser so. Was sollte er als Kriegsminister? Ich frage mich, ob die Liebe zu Italien ihm diesen Ehrgeiz doch genommen hat, als Beamter des Krieges Schlachten zu verwalten (was immer so einer mit so einem Job auch tun muss). Die Œuvres intimes legen auch Zeugnis von seiner großen Liebe zu Italien ab. Italien bedeutete ihm alles, es habe seinen Charakter geprägt, er verbrachte dort seine süßen Jugendjahre,usw schrieb er (vgl. Willms, Seite 134) und wird dort etwa ein Drittel seines Lebens verbringen. Was für ein Gegensatz zum Krieg, dem er sich mal mit Leib und Seele verschreiben wollte.

Aus dem Russlandfeldzug schrieb er:

Zitat von Stendhal
Kannst du dir vorstellen (….), dass ich kurz davor bin, loszuheulen? In diesem Ozean der Barberei ist kein Ton zu vernehmen, der mir zum Herzen klingt. Alles hier erscheint der Physis wie der Moral als grobschlächtig und stinkend.

(Correspondance générale II, 352, Willms, Seite 149)

Bleibe er lieber in Italien, wo sein Herz erklingt.

(der Zweite Teil der Buchvorstellung folgt).

Stendhal: Die Kartause von Parma

2011-08-13T11:40:00.000+01:00

Die Kartause ist ein spannender Actionroman. Die ersten Kapitel handeln von Napoleonischen Kriegen, vom Einmarsch der Franzosen in Mailand (1796), zu dieser Zeit der Protagonist unseres Romans, Fabricio del Dongo, noch ein sehr kleines Kind ist und von Napoleons letzter Schlacht bei Waterloo, an deren Fabricio freiwillig teilnimmt. Dieses Waterloo hat Stendhal literarisch gut gestaltet. Besonders im ersten Kapitel hatte ich doch den Eindruck, historische Begebenheiten werden dem Leser einfach so vor die Nase gesetzt, weiterhin verwirrten mich die vielen Namen. Erst mit dem aktiven Auftreten Fabrizios gewinnt der Roman an Fahrt.

Der Erste Teil des Romans ist von einem rapiden Szenenwechsel gezeichnet, er wirkt gehetzt wie Fabrizio selbst, der innerhalb von etwa zwei Stendhalsätzen die Entfernung von Italien nach Paris zurücklegt, nur um Napoleon vor die Augen zu treten, was ihm allerdings nicht gelingt. Übrigens verpasst Fabrizio Napoleon dreimal, zuletzt in der Schlacht bei Waterloo, da er, als der Kaiser vorüberzieht, total betrunken ist. Vielleicht ist dieses Verpassen ein Stendahl'scher Fußtriitt gen Napoleon, Stendhal schon zu Beginn des Romans auf den Größenwahn Napoleons hinweist, Stendhal allerdings selbst mit Napoleon nach Moskau gezogen ist. Natürlich ich mich frage, warum ein Siebzehnjähriger kriegsbegeistert ist, auch noch, als so ziemlich neben ihm zwei Husaren zu Tode stürzen, ein Pferd sich in einer Blutlache quält. Fabrizio kommt erst zur Besinnung, als er soviel Blut verliert, dass ihm die französische Sprache hops geht Merkwürdig, gibt es so etwas oder hat Stendhal ein wenig fantasiert? Vielleicht war es einfach ein Volumenmangelschock.
Nach der Schlacht beginnt die Hetzjagd. Von seinem Bruder wird er denunziert, „weil er Napoleon Vorschläge einer weitverzweigten, im ehemaligen Königreich Italien organisierten Verschwörung hinterbracht habe.“ Natürlich stimmt das nicht. Der zweite Grund, warum Fabrizio im Ersten Teil des Romans gejagt wird, liegt darin, er hat einen Nebenbuhler ermordert. Dass es Notwehr war, interessiert seine Gegner am Hofe Ernestos IV. zu Parma nicht. Der Hof des Fürsten ist ein Nest von Intriganten.

Wie Fabrizio überhaupt an den Hof zu Parma gelangt ist, dazu muss ich weiter ausholen, meine Buchvorstellung aber, keine Bange, nicht zur zur Inhaltsangabe ausartet, aber durchaus interessant zu wissen, die Gräfin Signora Pietranera, Fabrizios Tante, für ihren Neffen geschwärmt, fast verliebt, aber wohl mehr platonisch, ach, er doch noch so jung, und, da Fabrizio nun in die Schlacht zog, die Grafin arg gelangweilt war, deswegen sie sich in den Graf Mosca verliebte, der in Parma Minister war. Meine Überlegung natürlich dahin geht, ob sich feine Damen heute auch noch aus Langeweile verlieben. Da die Liebe in Stendhals Werk wie auch in seinem Leben eine große Rolle spielt, muss Herr Stendhal das doch wissen. Ich drohe vom Strang abzudriften, aber , da wir bei der Liebe sind, bleiben wir vorerst bei der Liebe, denn Fabrizio gehetzt, wirkt auch gehetzt in der Liebe, er geht von Frau zu Frau, dass mir im wahrsten Sinne des Wortes schwindelig wird, ein Libertin, der nach einer Eroberung Ausschau nach der nächsten Eroberung hält, eine bedauernswerte Gestalt, von Einsamkeit geprägt, ähnlich wie Stendhal selbst kein Kostverächter war. Der abrupte Szenenwechsel im Ersten Buchteil sicher nicht der Unruhe Fabrizios geschuldet, sondern wohl eher darin, weil Stendhal den Roman innerhalb von 52 Tagen diktierte. Trotz berechtigter Kritik, Stendhal habe hier und dort geschluhrt, ist der Roman so spannend, dass ich gerne leichtfüßig über solche Fehler hinweggehe. Da studiert Fabrizio in Neapel Theologie, er soll Erzbischof in Parma werden, damit er nicht mehr wegen Spionageverdacht verfolgt werde, vom Studium der Leser aber gar nichts mitbekommt, wir bekommen auch gar nicht mit, ob er irgendwann ein Keuschheitsgelübde oder ähnliches ablegen muss, wir bekommen nur mit, Fabrizio beschäftige sich mit Frauen. Liebe Leser, ob sich Stendhal selbst in diesen Frauengeschichten spiegelt, das wird noch geklärt. Ich lese gerade die Biografie von Johannes Willms. Allerdings, und das verriet mir das Nachwort, Stendhal war archäologisch sehr interessiert und kaufte im Jahre 1832 in Misenum eine Büste des Tiberius, im Roman entdeckt Fabrizio, der sich der Archäologie widmet, eine Tiberius-Büste.

Interessant ist die Entstehungsgeschichte des Romans, auf der im Nachwort eingegangen wird (unbedingt die Übersetzung von Elisabeth Edl mit dem ausführlichen Anhang lesen). Im Frühjahr 1835 entdeckte Stendhal alte Handschriften aus dem 16. und 17. Jahrhundert, Geschichten von Liebe, Tod, Ehebruch, Inzest, Rache, Leidenschaft. Stendhal ließ sie kopieren. Aus diesem Fundus plante er diverse Erzählungen zu gestalten. Eine Geschichte ist darunter, die von der Jugend des Papstes Paul III. (Alessandro Farnese) handelt. Eine Geschichte handelt vom „Ursprung der Größe der Familie Farnese“, die diverse moralische Verfehlungen auflistet: krumme Wege auf dem Weg zum Reichtum und zur Macht usw. In dieser Geschichte finden sich viele Elemente, die der Leser in der Karthause von Parma, allerdings stark verfremdet, wiederfindet.

Im Roman wird immer wieder auf die Historie verwiesen, die offenbar in ehrwürdiger Erinnerung gepflegt wird:

„Dieser Turm, von den Farnese, den Enkeln Pauls III., nach dem Vorbild des Hadrian-Grabmals in Rom zu Beginn des 16. Jahrhunderts errichtet...,“
(der Turm gehört zum Gefängnis zu Parma)

Die Idee, Fabrizio soll Erzbischof zu Parma werden, gründet sich darauf, Fabrizio habe Vorfahren gehabt, die dieses Amt schon bekleidet hatten.

Für viele Herrscher, auch für Ernesto IV. zu Parma, galt Ludwig XIV., der Sonnenkönig, zum Vorbild.

„Die Herzogin fand, daß beim Fürsten die Nachahmung Ludwigs XIV. In manchen Augenblicken etwas zu auffällig war; zum Beispiel, wenn er gütig lächelte und dabei den Kopf zurückwarf...“

An dieser Stelle Stendhal natürlich herrlich ironisiert. Köstlich insgesamt, wie Stendhal die Sitten am Hofe Ernestos umschreibt, und wir erfahren nebenbei, warum sich die Untergebenen gepudert haben:

„...er hätte noch gut ausgesehen, wäre er nicht durch eine Schrulle seines Fürsten gezwungen gewesen, sich die Haare zu pudern, als Beweis aufrechter politischer Gesinnung.“

Wenn Fabrizio im Zweiten Teil im Gefängnis harrt, die Liebesgeschichte zwischen ihm und Clelia sich entfaltet, meiner Meinung, der Höhepunkt des Romans (man lese selbst) so assoziiere ich das gerne mit alten Ritterromanen, Clelia auch so etwas wie eine Märchenprinzessin, die viele Männer abweist, der Vater, der sie verheiraten will, deswegen sehr aufgebracht ist, allerdings Stendhal Clelias Weg in die Liebe ganz anders als im Märchen zu Ende bringen lässt , das Romanende mich in vieler Hinsicht enttäuscht hat, Stendhal, seinen doch lesenswerten Roman zum Ende hin einfach nur abwürgt. Offenbar hatte Stendhal keine Lust mehr, wie Tolstoi am Ende von „Auferstehung“. Trotz einiger Schwächen, mir der Roman im Gedächtnis bleiben wird. Stendhal fasziniert irgendwie doch.

Martin Heidegger: Der Feldweg

2011-07-25T17:29:00.001+01:00

„Er läuft aus dem Hofgartentor zum Ehnried.“

So beginnt Martin Heideggers philosophische Erzählung „Der Feldweg“. Ein Text, der Ruhe ausstrahlt, die Natur in ihrer Einfachheit und innerer Stärke. Die Eiche wächst in fast zeitloser Langsamkeit. Nur die Turmuhr und der Glockenschlag, geschaffen von Menschen, versuchen die Zeit einzufangen. Das bedächtige Wachsen der Eiche steht außerhalb dieser Versuche, die Zeit an einem Konstrukt zu ketten. Nur der Wechsel der Jahreszeiten scheint der Natur ihr Zeitmesser zu sein, die Eiche selbst in zeitloser Bedächtigkeit diesen Zyklus an sich vorüberziehen lässt. In der Langsamkeit des Wachsens gründet sich das „was dauert und fruchtet“.

Hier kommt nun der Mensch ins Spiel.

„Was um den Weg sein Wesen hat, sammelt er ein, und trägt jedem, der auf ihm geht, das Seine zu.“

Spätestens jetzt wird man erkennen, das der Feldweg eine Metapher ist. Der Mensch wurzelt in der Erde und kann sich in die Weite des Himmels, der Ideen, öffnen. Heidegger erzählt von der Bank, die unter der Eiche steht, darauf eine junge Unbeholfenheit die Schrift eines großen Denkers zu entziffern versuchte, um die Rätsel des Daseins zu erfassenn. Wenn der suchende Mensch, der nach Lebensfragen giert, in eine Sackgasse gerät, dann hilft der Feldweg.

„Denn er geleitet den Fuß auf wendigem Pfad still durch die Weite des kargen Landes.“

Der Feldweg verkündet den Vorbeiziehenden „Das Einfache“, „spricht nur so lange, als Menschen da sind, die in seiner Luft geboren,...“ Der Feldweg braucht Höhrer, nicht aber Hörige, die schwerhörig im „Lärm der Apparate, die sie fast für die Stimme Gottes halten", untergehen, dieser Lärm der modernen Gesellschaft den Menschen „zerstreut und weglos“ macht. Heidegger plädiert für eine Welt, in der der Mensch nicht zum Opfer von Maschinen wird. – auf unsere gegenwärtige Zeit bezogen sind das Autos, Computer, Handys und allerlei anderes, was wir gerne gebrauchen, oder auch Lärm am Arbeitsplatz. Heidegger spricht aber auch von wenigen Menschen, die in der modernen Welt noch ein Ohr zum Inneren bewahrt haben.

„Der Zuspruch des Feldweges erweckt einen Sinn, der das Freie liebt und auch die Trübsal noch an der günstigen Stelle überspringt in eine letzte Heiterkeit.“

Heidegger lässt offen, woher dieser Zuspruch kommt: Seele, Welt, Gott? „Der Zuspruch macht heimisch“, heißt es.

Ein wunderbarer bedächtiger Text, der Ruhe auf den Leser ausstrahlt, sich erst mir auf eine vielleicht ganz persönliche Art erschlossen hat, nachdem ich mehrmals über diese sieben Buchseiten gewandelt bin. Für diesen Text unterwerfe sich der Leser die Langsamkeit einer wachsenden Eiche. Nur mit Langsamkeit können wir, so glaube ich, Früchte dieses herrlichen Textes erhaschen. Ein Text für die Stille der Nacht.

„Die Stille wird mit seinem letzten Schlag noch stiller.“

Franz Kafka: Der Verschollene

2011-07-18T20:21:00.006+01:00

Der fünfzehnjährige Karl Roßmann wird von seinen Eltern nach Amerika geschickt, weil er von einem Dienstmädchen vergewaltigt worden ist, die nun geschwängert war. Nicht nur geschickt, nein, er soll verbannt werden, von seinen Eltern auf immer und ewig getrennt, nicht weil Karl die Schuld der Vergewaltigung trägt, sondern um die Schande an sich von der Familie fernzuhalten. Der Verlust des Reisekoffers mit Erinnerungen an Vater und Mutter, Speise für unterwegs und Kleidung unterstreicht symbolisch die Trennung von seiner Familie. Auch wenn der Koffer später wieder auftaucht, das Foto seiner Eltern bleibt verloren.

Jetzt ist er verschollen in Amerika. Verschollen in dieser Hinsicht, dass er es nicht mehr zustande bringt, sich Personen zugehörig zu fühlen. Er ist allein, ein Getriebener, er irrt umher. Dieses Umherirren wird sehr bildhaft erzählt, als er sich in den Gängen des Schiffes verläuft, später im Hause des Herrn Pollunder herumirrt:

"...Es war ein langsames Vorwärtskommen und der Weg schien dadurch doppelt lang. Karl war schon an großen Strecken der Wände vorübergekommen, die gänzlich ohne Türen waren, man konnte sich nicht vorstellen, was dahinter war...Plötzlich hörte die Wand an der einen Gangseite auf und ein eiskaltes mamornes Geländer trat an ihre Stelle. Karl stellte die Kerze neben sich und beugte sich vorsichtig hinüber. Dunkle Leere wehte ihm entgegen...."

Alptraumhaft, was für ein Schauder. Ich gerate leicht in Versuchung, diese Traumbilder freudianisch zu deuten. Sigmund Freud sagt:

"Türe und Tor werden wiederum zu Symbolen der Genitalöffnung."

(Vorlesungen zur Einführung in die Psychoanalyse, X. Die Symbolik im Traum).

Klara erklärt Karl, wo ihre Tür zu finden ist.

"Ich werde nicht gerade auf Dich warten, aber wenn du kommen willst so komm."

Diese Aussage hat ohne Zweifel etwas erotisches, auch wenn im Text (nur) gesagt wird, Karl habe ihr versprochen, auf dem Klavier vorzuspielen. Nur Klavier spielen, und das nachts?

Die Türe, sind im Kafkazitat alle verschlossen. Karl sagt sogar:

"Ich werde nicht mehr in mein Zimmer zurückgehn."

Der sexuelle Wunsch wird unterdrückt. Interessant ist aber, dass Herr Green Karl darum bittet, zu Klara zu gehen, und (bitter)ironisch bemerkt:

"Das dürfte Ihnen sicher Vergnügen machen."

Ist es ein Eingeständnis von Impotenz, wenn Karl Roßmann Klara eröffnet:

"Ich bin, wenn ich ehrlich sein soll, froh, daß für das Spiel schon zu spät ist, denn ich kann noch gar nichts..."

Zu guter Letzt entwirft Kafka ein fantastisches Traumbild, Karl öffnet eine Tür und erblickt Klaras Verlobten in einem Himmelbett. Wenn wir das im Zusammenhang meiner Interpretation sehen, vollzieht sich hier eine Demütigung gegenüber Roßmann. Zu Beginn, bevor Roßmann in den Gängen des Hauses herumirrt, lässt er seine Zimmertür offen, d.h. er hat sexuelle Wünsche, die aber, wie wir gesehen haben nicht erfüllt werden. Zwischen Klara und dem Dienstmädchen aus Prag, die Roßmann vergewaltigt hatte, gibt es eine Verbindung: Beide tun ihm Gewalt an.

Die Bedeutung dieses Romans liegt u.a. darin, dass Kafka zu Beginn des 20 Jahrhunderts erschreckend in eine hochtechnisierte Welt sah, die den einzelnen Menschen, das Individium, unbedeutend erscheinen ließ. Der einzelne Mensch wird entmenschlicht. Es wird aber erwartet, der Mensch müsse in der hochtechnisierten Welt funktionieren, eben nur funktionieren. Das verrät uns ein Blick in den Betrieb von Roßmanns Onkel:

"Der Onkel öffnete die nächste dieser Türen und man sah dort im sprühenden elektrischen Licht einen Angestellten gleichgültig gegen jedes Geräusch der Türe, den Kopf eingespannt in ein Stahlband, das ihm die Hörmuscheln an die Ohren drückte. Der rechte Arm lag auf einem Tischchen, als wäre er besonders schwer und nur die Finger, welche den Bleistift hielten, zuckten unmenschlich gleichmäßig und rasch...Mitten durch den Saal war ein beständiger Verkehr von hin und her gejagten Leuten. Keiner Grüßte, das Grüßen war abgeschafft, jeder schloß sich den Schritten des ihm vorübergehenden an, und sah auf den Boden auf dem er möglichst rasch vorwärtskommen wollte oder fing mit den Blicken wohl nur einzelne Worte oder Zahlen von Papieren ab, die er in der Hand hielt und die bei seinem Laufschritt flatterten."

Wie ein wohlfunktionierter Ameisenhaufen in dem gähnend gefühllos innere Leere haust.

Die Arbeit als Liftjunge im „Hotel occidental“ ist nichts anderes als Ausbeutung:

"Da ist unser kleiner Junge z.B., er ist auch erst vor einem halben Jahr mit seinen Eltern hier angekommen, er ist ein Italiener. Jetzt sieht es aus, als könne er die Arbeit unmöglich aushalten, hat schon kein Fleisch im Gesicht, schläft im Dienst ein...."

Überhaupt war es ein einförmiger Dienst und wegen der zwölfstundigen Arbeitszeit, abwechselnd bei Tag und Nacht, so anstrengend, daß er nach Giacomos Angaben überhaupt nicht auszuhalten war, wenn man nicht minutenweise im Stehen schlafen konnte. Karl sagte hierzu nichts, aber er begriff wohl, daß gerade diese Kunst Giacomo die Stelle gekostet hatte.

Das das Individium nichts zählt, zeigt auch das Verhalten von Karls Vorgesetzten, dem Oberkellner als Karl sich bei ihm erstmals vorstellen wollte:

"Er hatte keine Zeit sich auch nur auf das geringste Gespräch einzulassen und läutete bloß einen Liftjungen herbei, zufällig gerade jenen, den Karl gestern gesehen hatte."

Auch die Anschuldigungen, die zu Karls Rausschmiss führen, erweisen sich doch als ungerechtfertigt. Roßmann man wird zum Spielball autoritärer Gewalten. Die ungerechte Schikane, die ein fleißiger Arbeitnehmer ertragen muss, gipfelt meiner Ansicht nach in folgender Schilderung:

"Karl sah ein, daß er eigentlich seinen Posten schon verloren hatte, denn der Oberkellner hatte es bereits ausgesprochen, der Oberportier als fertige Tatsache wiederholt und wegen eines Liftjungen dürfte wohl die Bestätigung der Entlassung seitens der Hoteldirektion nicht nötig sein. Es war allerdings schneller gegangen, als er gedacht hatte, denn schließlich hatte er doch zwei Monate gedient so gut er konnte und gewiß besser als mancher andere Junge. Aber auf solche Dinge wird eben im entscheidenden Augenblick offenbar in keinem Weltteil, weder in Europa, noch in Amerika Rüchsicht genommen, sondern es wird so entschieden, wie einem in der ersten Wut das Urteil aus dem Munde fährt."

Karl Roßmann muss wieder eine Demütigung erfahren. Sein niederer Berufsstand wird gedemütigt, weil die Hoteldirektion wegen der Kündigung nicht hinzugezogen werden muss, zweitens wird Karls Fleiß nicht berücksichtigt. Schließlich wird er gezwungen, der fetten Brunelda ein Diener zu sein. Als er fliehen will, wird er brutal zusammengeschlagen.

„Der Verschollene“ weist in unsere Zeit. Wenn jemand im Getriebe des Arbeitslebens nicht funktioniert, verliert er seine Anstellung. Die Motivwiederholungen im Roman deute ich als ein großes Zahnradgetriebe, welches sich im Kreise dreht. Das Individium, Karl Roßmann“ ist ein kleines Zahnrädchen im großen Getriebe. Wenn das kleine Zahnrädchen verschleißt, wird es hinausgeworfen und ersetzt. Im letzten Kapitel, Fragment II, scheint sich alles zum Guten zu wenden. Im Theater von Oklahoma (Kafka schrieb: „Teater von Oklahama“) findet jeder Arbeit. Das mutet geradezu paradiesisch an, wird man doch von Engeln mit Flügeln empfangen, die auf Postamenten stehen, den Arbeitssuchenden mit Trompetenschall empfangen.

Wenn ich aus Mündern von Politikern Vollbeschäftigung höre, so wirft mir gerades dieses einen bitter ironischen Blick auf Kafkas letztes Romankapitel.

Boualem Sansal: Das Dorf des Deutschen

2011-06-23T12:54:00.003+01:00

Dass nach dem Zweiten Weltkrieg Südamerika zum Ziel von Naziverbrechern wurde, ist hinreichend bekannt. Dass auch Algerien als Zufluchtsort galt, hat mir der Roman von Boualem Sansal eröffnet. Der Deutsche, um den es hier geht, heißt Hans Schiller. In Algerien steigt er zu einer hochangesehenen Persönlichkeit im Befreiungskrieg auf, er wird ein Scheich, fällt gemeinsam mit seiner Frau am 24. April 1994 einem Gemetzel zum Opfer, welches Islamisten in seinem Dorf Ain Deb anrichten. Algerische Behörden verschleierten die deutsche Herkunft des Ehepaares, in dem sie ihnen arabische Namen gaben. Die Söhne der Schillers wachsen in Frankreich auf. Rachel, der Ältere, macht eine berufliche Karriere, Malrich, der wesentlich jüngere Bruder, wächst in der Pariser Vorstadt unter dem Einfluss eines islamistischen Imams auf, der außerdem ein Holoaustleugner ist. Nachdem seine Eltern umgekommen waren, macht sich Rachel nach Algerien auf, das Grab seiner Eltern zu besuchen und macht eine schaurige Entdeckung. Er findet einen Koffer mit Fotos und Dokumenten die beweisen, der Vater war bei der Waffen SS und tief verstrickt in die Verbrechen der Nazis. Er war in Dachau, Buchenwald, Majdanek, Auschwitz. Um der Justiz zu entkommen floh er über Istanbul, Syrien und Kairo nach Algerien, ins Dorf Ain Deb, das irgendwo im Niemansland von vier kahlen Hügeln umklammert ist, wohin garantiert keine deutsche Justiz ihre Arme ausstreckt.

„Wenn ein einziges Verbrechen auf der Erde ungesühnt bleibt, und wenn das Schweigen es über den Zorn hinwegführt, dann verdienen die Menschen nicht zu leben“, schreibt Rachel ins Tagebuch.

Rachel verfolgt die Spur seines Vaters durch Europa, verstrickt sich sehr tief in das ungesühnte Verbrechen seines Erzeugers und geht daran zugrunde. Wie verstrickt Rachel wirklich ist, ist leicht zu erkennen, wenn wir in seinem Tagebuch seitenlang über Zyklon B und Vergasung lesen. Exemplarisch für Rachels Charakter ist seine Begegnung mit einer alten Frau in Auschwitz. Er entschuldigt sich bei ihr, dass sie ein so schweres Leben gehabt habe, schließlich trage sein Vater eine Mitschuld. Da die Mitschuld des Vaters nicht gesühnt ist, muss der Sohn, also Rachel sühnen. Das ist Rachels Überzeugung, die ihn vernichtet.

Und was ist mit Malrich? Er wacht aus seiner jugendlichen Ünbekümmertheit auf und legt sich mit dem fundamentalistischen Imam an.

Boualem stellt die These auf, Islamisten sind genauso fürchterlich wie die Nazis. Geschichte wiederholt sich. Eine These mit der wir uns auseinanderzusetzen haben. Man stelle sich mal vor – reine Hirngespinstelei- Islamisten erobern Amerika, die würden alle Amerikaner umbringen, weil sie Amerika hassen und weil Allah gesagt hat, die Ungläubigen müssen getötet werden (Allah möge, wenn er irgendwo walten sollte, solch ein Vorhaben verhindern). Zu solchen Gespinsteleien kann der Leser des Romans leicht kommen und ich glaube, Boualem meint es bitter ernst. Religiöser Fanatismus gehört zu den fürchterlichsten Verblendungen, denen ein Mensch unterlegen sein kann. In Malchrichs Tagebuch heißt es:

„...wenn ich sehe, was die Islamisten bei uns und anderswo veranstalten, sage ich mir, dass sie die Nazis übertreffen werden, wenn sie eines Tages an der Macht sind...“

Der Roman erschien im Jahre 2008 in Frankreich. Der Roman besteht aus den Tagebüchern der Brüder Schiller. Der Autor hat sich bemüht, jedem Bruder seinen eigenen Sprachgestus zu geben. Vor allem beeindruckt aber die Verarbeitung des Holocaust-Themas, gespiegelt auf die Nachfolgegeneration. Verschiedene Sichtweisen werden vorgestellt, wie es sein konnte, dass der Vater zum Verbrecher wurde, dann die Verzweiflung, doch nicht nahe genug an den Vater heranzukommen, der längst, ganz weit weg, am Ende der Welt unter der Wüstensonne beerdigt liegt, dabei Boualem Sansal den Blick auf die Gegenwart nicht verliert. Was Sansal drei Jahre vor dem Befreiungsumbruch in der arabischen Welt über Ägypten geschrieben hat, gilt sicher in ähnlicher Weise auch für Algerien:

Zitat von Boualem Sansal
Man braucht nicht lange, um es zu konstatieren, wenn man die Augen ein wenig öffnet, das alte Ägypten, das glückliche Ägypten, das kosmopolitische, krakeelende und romantische Ägypten von Nagib Machfus existiert nicht mehr. Das moderne Ägypten...wird von zwei ebenso imposanten Riesen wie den großen Pyramiden zermalmt: der Polizei und der Religion. Dem freien Menschen bleibt nicht ein Quadratzentimeter, um den Fuß darauf zu setzen.

Dieser Roman ist ein Glücksfall. Vergleichbares kenne ich nicht. Das Buch gehört auf die Bestsellerlisten. Was soll ich noch predigen? Lest es einfach.

Hans Fallada: Der Trinker

2011-06-17T16:06:00.003+01:00

Zitat von Hans Fallada
„Schnaps ist etwas sehr Gutes – wie schade, daß ich so viele Jahre versäumt habe, in denen ich hätte Schnaps trinken können.“

Alles andere als beruhigend ist Hans Falladas Biografie, der Zeit seines Lebens drogensüchtig war und auch ein Alkoholiker. Sein posthum erschienener Roman „Der Trinker“, den Fallada 1944 in einer Entziehungsanstalt verfasste, ergreift die Tragik seines Lebens: Die Sucht nach der Flasche. Im Roman wird Erwin Sommer beschuldigt, seine Frau angedroht zu haben, sie zu erwürgen. Vor der Niederschrift des Romans wurde Fallada wegen versuchten Totschlags an seiner geschiedenen Ehefrau angeklagt.

Erwin Sommer ist Kaufmann, steht kurz vor der Pleite, er leidet auch unter seiner Frau Magda, die eine starke Persönlichkeit ist, er sich ihr gegenüber untergraben fühlt, Magda nun bemüht ist, die Firma Erwin Sommers wirtschaftlich wieder hochzupäppeln, währenddessen Herr Sommer aber immer öfter zur Flasche greift, zu Schnaps und Korn, Fallada den rasant schnellen Absturz des angesehenen Kaufmanns erzählt, der hoffnungslos seiner Sucht verfällt.

Hans Fallada hat die Suchtkrankheit selbst durchschaut, sonst hätte er den Roman, so wie er uns vorliegt, nie schreiben können. Er kennt die Tricks, wie man Alkoholika versteckt und erzählt, wie man als Trinker den Blick für die Realität verliert bis hin zu wahnhaften Zügen. Im Film versteckt Harald Juhnke Flaschen im Spühlsystem der Toilette. Was für ein Einfall, wer sieht dort schon nach? Heimlich zu trinken in unmittelbarer Nähe anderer, vor allem in unmittelbarer Nähe seiner Frau, stellt für Herrn Sommer einen besonderen Reiz dar und führt zu grotesken Szenerien:

Zitat von Hans Fallada
Einmal als mir gar nichts anderes einfiel, ging ich sogar soweit, daß ich heimlich in ihrer Gegenwart – der Schreibtisch deckte mich gegen Sicht – die Flasche entkorkt auf den Boden stellte, dann den Radiergummi zu Boden fallen ließ und ihn mir umständlich suchte., zuletzt auf allen vieren, wobei ich unter der Wölbung des Schreibtisches, sehr vergnügt über meine List, beträchtlichen Kognak in mich hineingluckern ließ.

Erwin Sommers Aufenthalt im Gefängnis und in der psychiatrischen Heilanstalt fand ich nicht mehr so interessant. Der Roman wird immer aktuell bleiben, weil Hans Fallada sehr realistisch die Auswirkungen der Alkoholsucht darstellt, und am Beispiel des Herrn Sommers aufzeigt, wie Trinker agieren, wie tief sie fallen können. Was man in Fachbüchern trocken nachlesen kann, wird hier lebendig. Wenn ich an die Heilanstalt zurückdenke, macht mich nur eines stutzig und erinnert mich daran, dass der Roman im Jahre 1944 entstand. Die Insassen der Anstalt sind unterernährt, unsauber. Es grassiert Furunkulose, Tuberkulose. „Irgendwelche Gefühle wurden an einem Erkrankten oder Sterbenden nicht verschwendet.“, heißt es. Dem Oberpfleger schienen Kranke unnütz. Fallada lässt Erwin Sommer betätigen, der Oberpfleger habe damit nicht einmal unrecht. Was für eine vergiftete Zeit.

Luise Rinser: Mitte des Lebens

2011-06-06T15:24:00.003+01:00

Dieses Buch verfrachte ich nicht in die Welt der schönen Bücher. Der Roman erschien 1950 und soll ein Welterfolg gewesen sein. Natürlich kann man mir vorwerfen, ich habe den Roman ja nur bis zum Satz "- Ich habe Nina für immer verloren -", (also noch nicht mal ganz die Hälfte) gelesen, darauf ich entgegne, diese Rezension soll auch nur eine Rezension von dem sein, was ich gelesen habe, im Übrigen glaube ich, mag es durchaus auch mal interessant sein, warum ein Buch abgebrochen wird.

Der Inhalt sei nur grob angerissen: Im Jahre 1929 verliebt sich Herr Dr. Stein in die neunzehnjährige Nina Buschmann. Sie ist seine Patientin, 20 Jahre jünger. Nina will aber keine feste Bindung eingehen, naja, sie ist noch nicht mal zwanzig. 18 Jahre später schickt Dr. Stein, immer noch allein gelassen, der Nina sein Tagebuch, daraus auch der Leser erfährt, wie der Mediziner unter dieser unerfüllten Beziehung sein Leben lang gelitten hat und setzt seinem Leben ein Ende. Der Roman hat autobiografische Züge, so war Nina Buschmann wie die Autorin während des Krieges eine Zeit lang im Gefängnis und Nina wird nach dem Krieg eine erfolgreiche Autorin.

Dr. Stein kommt von seinen illusionshaften Träumereien nicht los, mit Nina vielleicht doch noch eine Liebesbeziehung aufbauen zu können. Obwohl er die Sinnlosigkeit seiner Träumereien erkennt, kommt er von der Frau nicht los und leidet. Das Gefühl arbeitet gegen den Verstand. Aus dieser Falle kommt er nicht heraus.

Zitat von Tagebucheintrag des Dr. Stein, 18. 01.1933
- Meine verzweifelte Torheit ist so weit fortgeschritten, daß ich diesen Unsinn wirklich glaube. Ich hoffe allen Ernstes darauf, Nina heiraten zu können.

Abgesehen davon, dass ich über solch verschrobenen Liebesneurotiker nichts mehr lesen mag, enttäuscht mich das sprachliche Potential der Autorin, die einfach so banal hinschreibt, wie banal tragisch und seelenkrank das Schicksal des armen Dr. Stein ist. Kein Satz der bewegt, kein Anreiz für Überlegungen. Selbst das geflügelte Wort

Zitat von Luise Rinser

Leidenschaft vergeht, und Liebe ist dauerhaft

ist keine neue Erkenntnis. In einem ganz anderen Zusammenhang schnappte ich folgendes auf: Leidenschaft schafft Leiden - das ist so weil in der Leidenschaft die Gier des Besitzenwollens drin steckt. Wenn ich am Wegesrand eine schöne Blume sehe, muss ich diese auch nicht gleich herausrupfen, sondern ich berachte sie, nehme ihren wunderbaren Geruch war und gehe weiter meines Weges. Dr. Stein klemmt in der Leidenschaft fest, darum leidet er.

Dem Leser wird gewährt, eine Kostprobe von Nina Buschmanns literarischem Können zu kosten, eine Erzählung aus dem Krieg. Es wäre ja interessant gewesen, wenn Luise Rinser für NIna einen anderen Stil erfunden hätte, der sich vom Luise Rinser-Stil abhebt. Doch wir lesen hier keinen Stilbruch, der hätte gewollt sein können. Nina schreibt wie Luise Rinser. Vergleichen wir Ninas literarische Ergüsse mit dem frühen Heinrich Böll, dann bleiben wir lieber bei Böll. Allerdings muss gesagt werden, dass Luise Rinser sich in späteren Werken sprachlich gesteigert hat.

Ich frage mich, warum dieses Buch mal so erfolgreich war, doch bei manchen Büchern, die heute so erscheinen, frage ich mich das auch.

Max Frisch: Bin oder Die Reise nach Peking

2011-05-16T15:29:00.002+01:00

Der Ich-Erzähler, dessen Name sich erst am Schluss der Erzählung lüftet, wohnt mit seiner Frau Rapunzel in einem Haus mit Garten. Sie erwarten ein Baby. Eigentlich könnte er ja zufrieden sein, aber er wird von einer unbändigen inneren Sehnsucht getrieben. Er sinniert in seiner Fantasie eine Stadt, die er Peking nennt, aber es sich hier nicht um die Hauptstadt Pekings handeln kann, da diese Stadt am Meer liegen soll. Dorthin treibt treibt es ihn. Peking steht hier wohl auch für ein friedvolles Land, da in dem Land, in dem der Erzähler wohnt, sich im Krieg befindet. Diese Erzählung entstand 1944. Er bricht also auf, wandert durch Landschaft und erreicht die Chinesische Mauer. Dort wartet schon Bin auf ihn, an der Mauer gelehnt, eine Zigarre rauchend. Bin ist ein Geist, es scheint ein Doppelgänger des Protagonisten zu sein, mit dem dieser kommuniziert, ihn auf seiner Reise begleitet.

Es handelt sich hier um eine Fantasiereise, die sich nur im Kopf des Erzählers abspielt, sie dauert Monate, Jahre, dabei fällt es auf, die Erzählung teilt sich in drei Jahreszeiten auf: Frühling , Sommer und Herbst. Ob diese Fantasiereise wirklich Jahre dauert ist zweifelhaft. Es heißt:

Zitat von Max Frisch

Die Zeit ist ein sonderbar Ding, es gibt sie und gibt sie auch wieder nicht.

Auf seiner Traumreise begegnet er Menschen, denen er in der Vergangenheit schon einmal begegnet war. Eine wichtige Begegnung ist Maja, die ihn in seiner Jugend, im Frühling seines Lebens, verlassen hatte. Im Traum tanzt er noch mal mit ihr.

Zitat von Max Frisch
Maja, hieß sie, ein liebes Mädchen. Lange ist's her! Aber es hört nicht auf, daß ich sie verloren habe.

Er kann sich von seiner Vergangenheit nicht lösen, er schleppt die Lasten seines Lebens bis in den Herbst seines Lebens hinein. Er kann sich nicht befreien, auch nicht von seiner Rolle, die er auf seiner Reise nach Peking mitschleppt, auf dieser Rolle offenbar sein bisheriges Leben verzeichnet ist. Erinnerungen sind Gegenwart, heißt es, es verwirre, denn die Zeit wird ausgehebelt, und der Erzähler wissen dann auch nicht, wo er sich gerade in seinem Leben befinde. Hier sind wohl auch die Wurzeln der Sehnsucht zu suchen, von der der Erzähler getrieben wird. So halte ich folgenden Satz für den Höhepunkt der Geschichte:

Zitat von Max Frisch
Unsere Seele gleicht einem Schneeschaufler, sie schiebt einen immer wachsenden, immer größeren und mühsameren Haufen von ungestilltem Leben vor sich her, macht sich müde und alt, das Ergebnis besteht darin, daß man dagewesen ist, und dennoch setzen wir alles daran, daß wir möglichst lange nicht sterben.

Als ich die Lektüre zu lesen begann, erschien mir der Text befremdend. Eine Traum- und Fantasiereise habe ich auch nicht erwartet. Übrigens habe ich die Geschichte zweimal gelesen. Beim zweiten Mal machte ich noch schöne Entdeckungen. Der Text verlangt sorgfältiges Lesen, auf diese Weise hat er sich mir eröffnet. Ganz spontan gefiel mir die Prosa, die mit besonders schönen Naturbeschreibungen aufwartet.

Zitat von Max Frisch

Wie liebe ich den Herbst! Eines Morgens hängt er wie Rauch vor den Bäumen,...

Cees Nooteboom: Die folgende Geschichte

2011-05-10T15:58:00.002+01:00

Hermann Mussert hat vor vielen Jahren als Altphilologe in einer Schule gelehrt. Ein etwas seltsamer Mann, der zu Hause zwischen Büchern sitzt und die „Charaktere“ des Theophrast liest. Wenn er so was in seiner Kneipe in Amsterdam erzählt, lassen sie ihn in Ruhe, denn mit diesen antiken Autoren können die da nichts anfangen. So wirkt er „wie ein englischer Stubengelehrter aus dem vorigen Jahrhundert.“ Dieser Altphilologe, der auch noch eine physiognomische Ähnlichkeit mit Sokrates hat und besonders gerne sich den Metamorphosen des Ovid hingibt, seine eigene Übersetzung des römischen Dichters er selbt,für gescheitert hält, weil in der Übersetzung das Versmaß nicht stimmt.

Zitat von Nooteboom

Nie wird es wieder eine Sprache wie Latein geben, nie mehr werden Präzision und Schönheit und Ausdruck eine solche Einheit bilden.

Er arbeitet längst nicht mehr als Lehrer und ist Autor der Buchreihe „Dr. Strabo's Reiseführer“. Cees Nooteboom, selber ein Weltreisender, er schrieb ein Buch über Spanien und über andere Gegenden dieser Erde. In Romanen hat er das Reisen oft thematisiert, doch was hier in seiner Amsterdamer Wohnung passiert ist fantastisch. Mussert legt sich schlafen und wacht in einem Zimmer in Lissabon wieder auf. Als Leser wird man unweigerlich zum Nachdenken aufgefordert, wieso Nooteboom solch Fantastereien mit seinem Protagonisten durchspielt. So stoße ich in dieser Novelle auf Zeittheorien, und versuche darin eine Lösung zu finden. Zeit ist, so lesen wir,

Zitat von Nooteboom

ein Rätsel, ein zügelloses maßloses Phänomen, das sich dem Verständnis entzieht und dem wir, mangels besserer Möglichkeiten, den Schein einer Ordnung gegeben haben.

Doch wir lesen weiter und stellen fest, die Zeit ist nicht das Hauptthema des Buches, vielmehr ist das zentrale Thema dieser Novelle der Tod. Als Hermann Mussert in Lissabon aufwacht, lag er totenstill da, er hatte tödliche Angst, denn er wusste nicht, ob er er selbst war oder ein anderer. Er kannte das Zimmer, in dem er aufgewacht war. In diesem Zimmer hatte er vor zwanzig Jahren mit der Biologielehrerin Maria Zeinstra geschlafen. Erinnert er sich, oder erlebt er es noch einmal, sie sahen damals einen Film über einen Käfer, den sog. Totengräber, an, dessen Lebensweise den Zusammenhang zwischen Töten, Paaren, Fressen, Sichverwandeln aufgezeigt, damit auch ein Bogen zu den Metamorphosen des Ovid geschlagen wird, gleichzeitig ein Übergang von Naturwissenschaft zur Geisteswissenschaft, aus dem Werk Ovids Mussert den Schülern den Mythos um Phaeton näher bringen will.

Zitat von Nooteboom

Was hatte mein Vater der Sonnengott gesagt? Nicht zu hoch, sonst verbrennst du den Himmel, nicht zu tief, sonst zerstörst du die Erde.

Phaeton in Phoibos' Wagen in der Schwebe zwischen Leben und Tod, doch er scheitert, und „die Erde steht in Flammen“ - es findet eine Metamorphose statt. Was das alles mit Hermann Mussert selbst zu tun hat, darauf bin ich erst nach Beendigung der Lektüre gekommen. Es ist großartig, wie lange Nooteboom mich im Dunklen tappen ließ.

Es wäre schade drum, noch mehr zu verraten, und ich mag noch soviel schreiben, erklären kann ich nicht, warum ich Nootebooms Sprache so toll finde. Hier sitzt einfach jedes Wort am richtigen Platz. Ein herausfordernder unterhaltsamer Text über Mythen, Philosophie, Liebe und Tod. Übrigens ein sehr bunter Text. Auf knapp 150 Seiten wird viel erzählt aber nichts geschwafelt. Ein sprachliches Meisterstück eben.

Christa Wolf: Leibhaftig

2011-05-07T15:01:00.004+01:00

Offenbar bin ich den Unsinn des Klappentextes erlegen gewesen, in dem es heißt, ihr Körper sei ein Seismograph des allgemeinen Zusammenbruchs der DDR. Darauf könnte man evtl. kommen, da man weiß, dass Christa Wolf zu DDR-Zeiten ihre bekanntesten Romane geschrieben hat, aber im Roman ist davon kaum etwas zu spüren. Die Protagonistin, die mit Tachykardie ins Krankenhaus eingeliefert wird, die mehrmals in die Röhre eines Computertomographen geschoben wird, mehrmals an einem Abszess operiert wird, der sich in der Bauhöhle befindet, diese Protagonistin, sterbenskrank an Überlebensschläuche einer Intensivstation gefesselt, erinnert sich gelegentlich an ihren Freund Urban, der eine Karriere in der DDR gemacht hat, aber freiwillig in den Tod ging.

Zitat von Christa Wolf

Urban war der geworden, der alles mitmachte und auch in Zukunft alles mitmachen würde. Bis es, überraschend für alle, eben doch eine Zumutung gegeben hatte, die er nicht mehr mitmachen konnte.

Um eigentliche Tatsachen wird herumgeredet, so erscheint Urban als blasse Figur im Roman. Auch die Erinnerungen der kranken Frau an die Nazi-Zeit und an anderen Erinnerungen aus der DDR bleiben blass. Einiges wird erzählt was anrühren könnte, z.B: die Zerstörung eines Nachbarhauses durch Bomben, doch es wird einfach zu steril und saftlos beschrieben, sodass nichts hängenbleibt. Es gibt Autoren, die erreichen gerade durch trockene Darstellung innere Bewegung des Lesers, aber Christa Wolf scheint nicht zu dieser Garde von Autoren zu gehören. Weiterhin hätte ich in den Fieberträumen mehr surrealistisches erwartet. Ich lese diese Träume und merke auf Anhieb nicht, dass es Träume sind, weil sie mir so realistisch vorkommen. Es gibt keine Stilabweichung oder wirklich traumhafte Gebilde.

In erster Linie zentriert sich die Erzählung um die Situation der Patientin in einem Krankenhaus in Ostberlin hinter der Mauer. Diese Schilderungen werden aus der Perspektive der Kranken erzählt und genau hier finden wir die Stärken des Buches, deshalb dieses Buch trotz einleitender negativer Kritik doch zu empfehlen ist: Kommunikation mit Ärzten und Pflegepersonal, verschachtelte Kellergänge, die auf die Patientin wie Gänge in der Unterwelt wirken. Es wird aufgezeigt, wie sich das Bewusstsein der Patientin aufgrund ihrer Situation verändert:

Zitat von Christa Wolf

Inzwischen münden einige Schläuche aus meinem Bauch in Behälter, die rechts neben meinem Bett stehen. Wie habe ich mich einmal erschrocken, als ich einen Freund so habe liegen sehen. Jetzt erschrecke ich nicht. Es stimmt also nicht, daß einen am meisten das erschreckt, was einen selbst betrifft.

Auch dass sie einmal beklagt, als sie es nicht rechtzeitig geschafft hat, das Radio auszuschalten, als eine Nachrichtensendung begann, zeigt wie realitätsnah Christa Wolf erzählt. Wenn man selbst schwerkrank ist, zeigt man für die Außenwelt kaum Interesse. Das Bewusstsein lotet sich nach unmittelbarer Erlebniswelt des Krankenzimmers aus.

Im Radio hört sie, ein Zwölfjähriger habe im Keller eines Berliner Hauses ein Baby, seinen Bruder umgebracht. Die Kranke träumt dann, sie müsse dieses Baby finden. Auf der Suche in der Kellergängen schwebt ihr ein Retortenglas mit einem Hommunkulus vor ihrem Gesicht- dann ja dann, erkennt man, dass es ein Traum ist! Raffiniert, dass sich dieser Traum mit Erlebnissen aus dem Weltkrieg mischt, gelangt sie doch schließlich in ein Luftschutzraum und liest eine blasse Schrift „MAUERDURCHBRUCH“. Da die Erzählung kurz vor dem Fall er Berliner Mauer spielt, könnte man ja sagen, die Protagonistin habe einen hellseherischen Traum gehabt, bzw. ahnte man wohl schon, dass es mit der DDR bald zu Ende geht. Dieses ist für mich der interessanteste Traum, wie schön verflochten die verschiedenen Zeitebenen sind. Kellergänge sind in Christa Wolfs Erzählung wichtig, weil damit auf den Hades verwiesen wird. Die Anästhesistin ist für die Kranke ein Führer in den Hades, in die Narkose. Sie könnte ja sterben. Über den Berg ist sie (noch) nicht.

Luise Rinser: Septembertag

2011-04-30T15:49:00.003+01:00

Eine Erzählung in Form eines Tagebucheintrags. Ein Herbsttag in Rom. Natürlich frage ich mich inwieweit diese Erzählung autobiografisch ist, inwieweit fiktiv. Wahrscheinlich trifft beides zu. Der Fischer Verlag kommentiert, "Septembertag" sei „ein Teil des wichtigen autobiografischen Werks der großen Nachkriegsautorin“. Natürlich könnte es sein, dass sie als Kind im Chiemsee wirklich beinahe ertrunken wäre, wie von der Ich-Erzählerin mitteilt wird, doch wissen können wir es nicht. Trotzdem, typisch ist doch, dass wir in diesem Büchlein nicht an der Theologie vorbeikommen, auch wenn sie hier nur zaghaft, und das zum Wohle dieser Erzählung, angetastet wird. Die Autorin schrieb Romane über Maria Magdalena, Petrus Abaelardus und eine Fiktion nach dem Leben des Heiligen Franziskus. In ihrem zweiten Nina-Roman „Abenteuer der Tugend“ soll man nachspüren können, dass die Autorin kurz davor zum Katholizismus übergetreten war. Dieser Roman war nicht so erfolgreich wie der erste Nina-Roman „Mitte des Lebens“. 1999 schrieb sie eine Legende über das Leben Jesu und Mirjam aus der Sicht eines Hundes (über diese Romanidee, als ich das gestern gelesen hatte, spontan geschmunzelt habe, – was sich Autoren nicht alles so ausdenken). Ihr letzter Roman „Aeterna“, gemeinsam geschrieben mit Hans Christian Meiser, ist sehr mystisch/spirituell. Wie man sieht, hat sich die Autorin ziemlich oft mit religiösen Themen auseinandergesetzt.

Ich weiß wirklich nicht, ob man die gerade genannten Bücher zur religiösen Erbauungsliteratur rechnen darf. Ein wenig Erbauung finden wir im Septembertag. In dieser Hinsicht gefiel mir ein spirituelles Zitat am besten, welches sich nicht an eine bestimmte Religion krallt:

Zitat von Luise Rinser
Und eines Tages vielleicht werde ich es können: schweigend trösten, schweigend das Tor auftun, durch das groß der echte Trost eintritt, der nicht von mir kommt, den sie begreift.

Dieser Satz ist weise, obwohl nichts neues unter der Sonne. Wenn das Leid eines Menschen sehr groß ist, helfen manchmal tröstende Worte kaum. Hand halten und schweigendes Mitgefühl kann sehr tröstend sein. „Septembertag“, das deutet an, die Hälfte des Lebens ist überschritten, die Tage werden kürzer. Die Ich-Erzählerin empfängt Briefe, in denen Menschen von ihrem Leid erzählen, Krankheit und Enttäuschungen. Sie begegnet Menschen in Rom, alte Bekannte und Fremde, die sich in einer Ehekrise befinden oder auch eine Familie, die den bevorstehenden erwartenden Tod des Vaters verdrängen möchte. Sie atmet Herbstluft ein: „dürres Geäst, welkes Laub; und es riecht nach dunkel geröstetem bitterem Kaffee.“

Luise Rinser ist auf jeden Fall keine Sprachästhetin. Der Text, in dem nichts spektakuläres, aufregendes passiert, schenkt dem Leser sicher beruhigende Lesestunden und manch angenehme Gedanken. Allerdings findet man kein Lokalkolorit der Stadt Rom – kein Autolärm, kein Café, keine Bettler, keine römische Gassenatmosphäre. Straßennamen helfen da wenig. Der Septembertag könnte genauso gut in London oder Paris spielen. Wenn in einem belletristischen Werk kaum Handlung zu finden ist, dann muss das insbesondere durch Atmosphäre oder tiefgreifend philosophische Gedankengänge ausgeglichen werden, damit wirklich Saft in die Erzählung kommt. Trotzdem wäre es meiner Ansicht nach unfair, dieses Büchlein unter Verrisse zu degradieren, weil sprachlich doch bemüht und das Lesen des Buches doch ein angenehmer Fluss ist. Der Schluss der Erzählung ist allerdings eine Katastrophe, die ich allerdings mit einem sympathischen Lächeln ertragen habe: Solch religiöse Passagen können nur gut wirken und gänzlich vom Verdacht des Kitsches befreit sein, wenn ein grandioser Sprachästhet am Werke ist.

Ivan S. Turgenev: Aufzeichnungen eines Jägers

2011-04-23T18:52:00.000+01:00

Ich weiß nicht, ob es wahr ist oder eine Legende. Zar Alexander I., nachdem er die „Aufzeichnungen eines Jägers“ gelesen hatte, schaffte er die Leibeigenschaft ab. Das war im Jahre 1861. In Deutschland war sie schon längst abgeschafft, als Turgenev an den Aufzeichnungen schrieb. Turgenev muss wohl gespürt haben, dass die Tage der Leibeigenschaft gezählt waren. Man lebte in einer Umbruchszeit.

Zitat von Turgenjev
Das Alte ist ausgestorben, und das Neue will nicht kommen.

Der Jäger geht auf Birkhuhnjagd, manchmal begleitet von seinem Freund Jermolai, der in den Geschichten gelegentlich am Rande auftaucht, oder auch allein. Er streift er durch die Wälder begegnet Gutsbesitzern, Bauern, einfachen Menschen vom Lande, lauscht den Menschen zu. Oft begegnen wir dem Schema Naturbeschreibung, Begegnung, Beschreibung der Charaktere, dann eine Handlung. Nicht alle Geschichten glänzen. In „Der Einhöfer Owsjanikow“ werden Menschn vorgestellt, die die ältere Zeit repräsentieren: Gutsbesitzer, Magnaten usw. Ein wenig langweilig drögt diese Erzählung schon, denn es spinnt sich keine Handlung daraus. Der Blick auf die Menschen soll dem Leser ein Bild damaliger Zeit geben, doch langweilt mich diese Geschichte, weil viel Hintergrundwissen des alten Russland von Nöten ist. So gibt es einige Geschichten, die wohl auch deswegen nicht ankommen. Bei Tolstoi ist das anders. Er erzählt so wunderbar, dass jeder es versteht. So gibt es in diesem Band der „Aufzeichnungen eines Jägers“, Geschichten, die mich unbeeindruckt lassen, andere Geschichten bringen mich zum Schwärmen. Angesichts dieser Perlen, in denen Turgenjev sich herrlichen Naturbeschreibungen hingibt, in denen Turgenjev sich auf die Seite der Unterdrückten stellt, in denen Turgenev in das Herz der russischen Seele schaut, in denen Turgenjev das Ende der Leibeigenschaft visioniert, sinde viele der Geschichten sehr lesenswert.

Anhand der fiktiven Gutsbesitzer „Tschertopchanow und Nedopjuskin“ erzählt Turgenjev den Niedergang der Gutsbesitzer in Russland. Die erste Geschichte beschäftigt sich mit der Herkunft der Herren, die ihren Niedergang schon andeutet, in der zweiten Geschichte, in deren das Ende dieser Herren erzählt wird konzentriert sich Turgenjev insbesondere auf das Elend Tschertopchanows : Seine innere Unruhe, Rastlosigkeit, Getriebenheit, seine schlechten Finanzen, die Misere eines Lebens, ein klägliches Ende,welches an sich erbärmlich zu nennen ist. Turgenev, kostet das Leid dieses Herren literarisch aus, ohne dabei kitschig zu werden. Eine tragische Geschichte aus dem alten Russland. Diese getriebene Unruhe des Armseligen deutet sich schon in der Begegnung mit dem Jäger in der ersten Geschichte an, sein Niedergang schon in seiner Herkunft: schon sein Vater " hatte das Gut in einem arg ruinierten Zustand geerbt." Nedopjuskis Voraussetzungen waren auch keine guten. Sein Vater wurde vom Unglück verfolgt - "das Schicksal hatte ihn wie einen Hasen auf der Treibjagd totgehetzt."

Die Geschichte um den Nachbarn, des verarmten Gutsbesitzers Radilow hat mir sehr gefallen, weil Turgenjev mit Andeutungen arbeitet. Radilow war todtraurig, seit seine Frau gestorben war. Als Radilow dieses dem Jäger erzählt zuckt Olga, die Schwägerin, aus Eifersucht,zusammen. Das sie aus Eifersucht zusammenzuckt, erfahren wir erst ganz am Schluss, toll wie Turgenjev diese Spannung hält. Das was ich erahne, worüber Turgenjev nicht schreibt, ist dies:

Olga war andauerend in Radilow verliebt, schon damals, als seine Frau noch lebte. Olga wollte, nachdem seine Frau gestorben, Radilow heiraten, doch er zögerte und war in seiner Trauer gefesselt. Darum konnte er für andere Dinge des Lebens keine Leidenschaft entfalten. Erst im Gespräch mit dem Jäger ist er zufällig ganz spontan darauf gekommen, dass er sich aus der schlimmen Lage befreien kann. Und so entstand sein Entschluss, mit Olga ein neues Leben zu beginnen. Die russische Melancholie, der Niedergang der Reichen, ist in der Figur des geigespielenden Fjodor enthalten, ein ehemaliger Gutsbesitzer, der Pleite geggangen ist, nun sehr zurückgezogen lebt, etwas seltsam geworden, nur hier und dort mal auf seiner elenden Geige kratzt, ein Wortlaut Turgenjews, welches die Lethargie dieses Menschen ausdrückt.

Die durchaus in einem humorvollen Unterton geschriebene Erzählung „Lgow“, zeigt deutlich, wie fremdbestimmt Leibeigene waren. Der alte Herr Sutchok hat unter vielen Herrschaften gedient. Wenn es die Herrschaft befahl, er ist ein Koch, dann war er einer, wenn eine andere Herrschaft befahl, er ist ein Kutscher, dann war einer usw. So konnte ein Leibeigener unter Umständen wie unser alter Herr Sutchok eine sehr farbige Berufskarriere hinlegen. Es hat auf niederwürfige Leibeigene gegebene, die ihren Herrn geachtet haben.

„Das Stelldichein“ gehört zu den schönsten Geschichten des Bandes, eingeleitet mit wunderbarster Naturbeschreibung führt die Erzählung tief in die Seelen der armen russischen Bevölkerung, wie die Menschen unter dämlich arroganten Reichheinis gelitten haben. Der Jäger lauscht in einem Wald einem Zwiegespräch zwischen einem seelenkranken Reichheini, der mit einem einfachen Mädchen, welches er für dumm hält, weil sie arm ist, Schluss machen will, weil sein Herr nach Moskau geht und er im Schlepptau. Viktor Alexandrytsch, der seelenkranke Arroganzler wird einem Mädchen gegenübergestellt, welches aufrichtig liebt, ihre Gefühle aber zertreten werden. Literaturtechnisch ist die Erzählung außerordentlich bewegend, weil es Turgenev hier offenbar erstmals versucht hat, den Charakter der Personen allein durch ihre Worte und ihr Handeln aufscheinen zu lassen. Das ist ihm hervorragend gelungen.

Turgenev dringt sehr tief in die russische Seele ein, bis hin zum Volksglauben an Waldgeistern, Nixen, Flüchen und anderen Schauergeschihten – umrahmt von russischer Landschaft. Turgenev hat der russischen Seele ein Denkmal verschafft, Leibeigenschaft dort nur als unseliger Femdkörper erscheinen muss.

Norman G. Finkelstein: Die Holocaust-Industrie

2011-04-20T20:54:00.004+01:00

Norman G. Finkelstein will in diesem Buch darlegen, daß "DER HOLOCAUST" eine von Ideologie geprägte Darstellung der Massenvernichtung der Juden durch die Nazis ist. Finkelstein benutzt hier den Begriff HOLOCAUST für die „Holocaust-Industrie“, die aus dem Andenken der Naziverbrechen Geld macht und für Israel und die Juden in Amerika Vorteile herausschlägt. Für Finkelstein ist Elie Wiesel „offizieller Interpret DES HOLOCAUST …, weil er unbeirrbar die Dogmen DES HOLOCAUST artikuliert, und so die Interessen stützt, die hinter diesem stehen". Die Dogmen der „Holocaust-Industrie“ lauten:

"(1)DER HOLOCAUST stellt ein absolut einzigartiges Ereignis der Geschichte dar; (2) DER HOLOCAUST steht für den Höhepunkt eines irrationalen ewigen Hasses der Nichtjuden gegenüber den Juden."

Wenn darauf gepocht wird, die „Massenvernichtung der Juden durch die Nazis“ sei einzigartig gewesen, dann fallen Israel und die amerikanischen Juden unweigerlich in einen Opferstatus, daraus die Betroffenen Vorteile ziehen: Sie sind gegenüber Kritik immun, und wenn man Kritik übt, läuft man in Gefahr, in die antisemitische Ecke gedrückt zu werden. Das dritte Dogma ist der ewige Judenhass von Nichtjuden. Darum müssen Juden sich schützen, deshalb der Staat Israel geschaffen wurde.

"Nachdem die Nichtjuden ständig darauf aus sind, Juden zu ermorden, haben die Juden das uneingeschränkte Recht, sich zu schützen, wie es ihnen beliebt. Auf welche Mittel die Juden auch immer zurückgreifen mögen, selbst Aggression und Folter, sie stellen eine legitime Selbstverteidigung dar."

Es ist eine Pauschalverurteilung zu sagen, Nichtjuden seien Judenhasser. Hier setzt auch Norman G. Finkelsteins Kritik zu Daniel Goldhagens „Hitlers willige Vollstrecker“ ein, darin behauptet wird, der Antisemitismus sei bei den Nichtjuden im „Kopf zu Hause“ gewesen. Das deutsche Volk sei vom pathologischen Judenhass gewesen, Hitler habe den Deutschen Gelegenheit gegeben, sich auf die Juden zu stürzen (eine ausführliche Kritik Finkelsteins zum Buch von Daniel Goldhagen findet man in bei Norman G. Finkelstein/ Ruth Bettina Birn „Eine Nation auf dem Prüfstand“).

Der Holocaust mag einzigartig sein. „Auf der allgemeinsten Stufe ist jedes geschichtliche Ereignis einzigartig, und sei es nur, weil es zeitlich und räumlich festgelegt ist“, sagt Finkelstein. Außerdem ist ein geschichtliches Ereignis nicht wiederholbar. Aufgrund dieser Überlegungen gibt es keinen Grund, den Holocaust als besonders einzigartig hervorzuheben, aber die Juden wollen natürlich nicht ihren besonderen Opferstatus verlieren. Elie Wiesel sagt, der Holocaust sei nicht erklärbar. Wie soll mir ein Mensch erklären, dass ich es auch wirklich begreifen kann, warum Blauhelme beim Massaker von Srebrenica zugeschaut haben, warum ein hochentwickeltes Land wie die USA Atombomben auf Japan geworfen hat? Elie Wiesel betont gerne den besonderen Opferstatus der Juden und hat mit Yehuda Bauer vom Yad Vashem während der Planungsphase des Holocaust-Museums in Washington dafür gesorgt, dass der Genozid an den Sinti und Roma in den Hintergrund verdrängt werden soll. Die jüdische Elite glaubt wirklich, die Juden allein seien schon besonders einzigartig. Übrigens verhinderten jüdische Lobbyisten im Kongreß einen Gedenktag für den armenischen Genozid. Die USA hat das Problem, sich intensiv um die Erinnerung an den Holocaust zu erinnern, aber die Aufarbeitung eigener Menschheitsverbrechen, begonnen bei den Indianern, zu verdrängen.

ES GEHT UM GELD

Kommen wir zum vielleicht moralisch verwerflichsten überhaupt. Wie kassiere ich doppelt ab? Der Einsatz von Erpressung als Druckmittel. Die Entschädigungen kommen nur sehr gering an die Überlebenden des Holocaust an. Wundersam erscheint die plötzliche Vermehrung der Überlebenden, um noch mehr Geld einzustreichen. Die Geldeintreibungsmaschinerie amerikanisch jüdischer Organisation kennt keine Skrupel und ist umso schäbiger, weil dieser Wahn nach Geld auf Kosten derer geht, die Konzentrationslager überlebt haben.

Der Jüdische Weltkongress (WJC) erpresste Schweizer Banken, die viele Millionen Dollars von Juden vor und während des Krieges auf Konten deponiert hatten. !995 startete der WJC unter seinem Präsidenten Edgar Bronfman eine „schamlose Diffamierungskampagne“ , die ziemlich schnell „zu einer Verleumdung der Schweizer“ verkam. Elan Steinberg, geschäftsführender Direktor des WJC war beauftragt Desinformationen in die Welt zu setzen, Banken unter Druck zu setzen, damit die dem Jüdischen Weltkongress die vielen Millionen Dollars herausrückten. Leo Bower, auf dessen Buch „Das Gold der Juden“ sich Finkelstein bezieht, schrieb, dass „sein Land, dessen Bürger...sich...vor ihren Nachbarn ihres beneidenswerten Wohlstands gerühmt haben, sich ganz bewußt am Gold der Juden bereichert hat...die stillen Bankiers...aus der schönen, sauberen und neutralen Schweiz...gewissenlose Profiteure“ gewesen sein usw. Solche und andere Gerüchte streute der Jüdische Weltkongress in die Schweiz, als Krönung den Schweizern „eine fünfzig Jahre dauernde Verschwörung von Schweizern und Nazis“ unterstellte, „um von den europäischen Juden und Überlebenden des Holocaust Milliarden zu stehlen.“ (Bower in Finkelstein, Seite 99). Noch steigerungsfähig in Sachen Unmoral, griff der Jüdische Weltkongress zur moralichen Erpessung , in dem er den Banken vorjammerte, die Zeit liefe davon, man gräme sich des Elends bedürftiger Überlebender, zahlt endlich...und so weiter und so fort. Eine üble Masche, die Finkelstein ausführlich weitererzählt, ich nur einen kleinen Vorgeschmack davon geben kann Doch was machte die Holocaust-Industrie mit dem erpressten Geld? I Es wurde für den Eigenbedarf jüdischen Lebens verwendet, und die meisten Überlebenden schauten ins leere Portemonnaie. Um noch mehr Geld abzwacken zu können wurde herumgetrickst. Es wurde neu definiert, was ein Holocaust-Überlebender ist, und schon gab es noch viel mehr Überlebende als vorher, für die man Entschädigungsgelder einkassierte.. Der Beutezug ging weiter nach Deutschland, Österreich, Osteuropa. Ein Geldraub, der seinesgleichen sucht.

Fazit:

Was in dem Buch von Finkelstein zu kurz gekommen ist, sind die inneren Verflechtungen zwischen USA und Israel. Finkelstein komprimiert:

"Die organisierten Juden Amerikas haben den Massenmord der Nazis ausgebeutet, um Kritik an Israel und an ihrer eigenen unhaltbaren Politik abzuwehren".

Die zweite Schwäche des Buches liegt in Finkelsteins Versuch darzulegen, dass die Holocaust-Industrie nach dem israelischen Krieg 1967 eingesetzte habe. Hier fehlt die Stringenz eines Historikers, der Finkelstein auch nicht ist, um dem Leser historische Vorgänge verständlich zu machen. Die Quellenlage ist in diesem ersten Kapitel auch nicht so doll. Danach, ab dem zweiten Kapitel, legt der Autor so richtig los und wird glaubwürdig. Alle Kritik, die für das erste Kapitel noch gegolten hat, löst sich auf, sodass das Buch zu einer lohnenswerten Lektüre wird.

Christa Wolf: Störfall

2011-03-27T13:27:00.001+01:00

„WIE HERRLICH LEUCHTET MIR DIE NATUR!“ (Goethe).

„Die Kirschbäume sind explodiert“
„Das Grün explodiert“
Was für ein schöner Frühling, und niemand hätte an diesem Tag an Warnungen gedacht, „die Früchte zu essen, deren Blüte in jede Tage fiel..“, schließlich ist keine Gefahr zu sehen. Wolken haben wir bisher immer sehen können, kondensierter Wasserdampf. Und nun, macht sich eine Wolke auf die Reise, unsichtbar. Von woher weht der Wind? Die Lust am Spinat ist genommen.

Die Erzählerin des Monologes fragt sich, an welchem Kreuzweg womöglich die Evolution bei uns Menschen fehl gelaufen sei, dass sie Lustbefriedigung am Zerstörungswut gekoppelt haben. Ratten drücken im Experiment „unaufhörlich die Lusttaste“, weil sie dann Futter bekommen. In Verbindung mit dem Ratten wird die Frage aufgeworfen, wo denn im Hirn eines Wissenschaftlers die Lust steckt, dadurch Christa Wolf unbändige Wissenschaftsgier kritisiert, die an jede Moral und Ethik vorbeigeht.

Zitat von Christa Wolf
Oder anders gefragt, welche Angst schottet jene jungen Männer so zuverlässig ab gegen das, was wir normalen Leute „Leben“ nennen. Eine Angst, die so immens sein muß, daß sie lieber das Atom „befreien“ als sich selbst.

Heute müssen wir aber ergänzend hinzufügen, mit der Atomspalterei, sprich Kernenergie, wird viel Geld macht, was Christa Wolf in der Erzählung übergeht. Oder, vielleicht war man sich dessen vor 25 Jahren noch nicht so bewusst? Auf jeden Fall gilt auch hier das Lustprinzip, die Gier. Wo sitzt die Lust im Hirn der Atomlobby und deren Verflechtung mit Hirnen von Politikern?? So können wir heute fragen. Das Gehirn sollte jedenfalls nicht abgeschaltet werden.

Nicht nur auf Gefahren der Wissenschaft zielt Wolfs Erzählung ab, auch Errungenschaften der Wissenschaft wird gewürdigt. Am gleichen Tag der Reaktorkatastrophe unterzieht sich der Bruder der Erzählerin einer Gehirnoperation. Ein Tumor, ein Störfall im Gehirn. Das Leben des Bruders liegt in der Hand eines Chirurgen.

Diese beiden Störfälle werden gegenübergestellt, verbunden mit Gesprächen in einem mecklenburgischen Dorf - die Schicksale aus dem zweiten Weltkrieg, die hier angesprochen werden, wirken auch wie Störfälle. In anderen Zeiten wären Schicksale anders verlaufen, in anderen Zeiten gäbe es keine unsichtbare Giftwolke.

Abschließendes Zitat spricht für sich:

Zitat von Christa Wolf
Die sind doch alle krank. Oder was noch passieren müsse, als daß die Milch weggekippt werde, tausendliterweis, und daß man fürchten müsse, mit den besonders gesunden Nahrungsmitteln die Kinder besonders schnell zu vergiften. Während auf der anderen Seite des Erdballs die Kinder zugrunde gingen, weil ihnen genau diese Nahrungsmittel fehlten.

Auf dem Plakat eines Atomkraftgegners:

"ICH MÖCHTE NUR MIT MEINEM GESICHT STRAHLEN."

Sylvia Plath: Die Glasglocke

2011-03-15T13:03:00.001Z

Die Lyrikerin Sylvia Plath schrieb diesen Roman einer Depression, bevor sie selbst ihr junges Leben nahm. Der Roman ist an ihrer Biografie orientiert und blickt zurück in das Jahr 1953, als die erfolgreiche Collegestudentin Esther Greenwood einen Literaturwettbewerb gewinnt und bei einer Modezeitschrift ein mehrwöchiges Volontariat beginnen kann. Viele Collegemädchen sind neidisch. Sie ist eine von zwölf, Esther, vom Lande kommend, ihr nun eine ereignisreiche Zeit bevorsteht. Doch ihr scheint der Aufenthalt in der großen Stadt, das lustige Partyleben, die Arbeit, nicht zubekommen. Schon zu Romanbeginn lesen wir:

Zitat von Sylvia Plath

Ich wußte, irgend etwas stimmte in diesem Sommer nicht mit mir, denn andauernd mußte ich an die Rosenbergs denken und daran, wie dumm es von mir gewesen war, all die unbequemen teuren Kleider zu kaufen,...

Zu Beginn sicherlich erfreut auf der Erfolgsschiene zu sein, kann sie mit dem New York-Glamour doch nichts anfangen, und die Rosenbergs kommen auf den elektrischen Stuhl. Ja, „es war ein verrückter, schwüler Sommer.“ Den Roman mit der Todesstrafe in schwülhitziger Atmosphäre zu beginnen ist sehr treffend, weil Esther im Zuge ihrer Depression von Selbstmordgedanken – und versuchen selbst geplagt wird, schießlich unter psychiatrischer Aufsicht landet. Doch bis dahin schreitet sie einen Weg der Teilnahmslosigkeit. Der Trubel mit ihren Freundinnen, geht an ihr vorbei. Bei einem Diner vergiftet sie sich an Krabben und erbricht bis zur Bewusstlosigkeit. Für mich eine Metapher, dass sie wirklich ihr Leben zum Kotzen findet. In ihrer Lebenssituation ist sie am falschen Ort. Zumal sie auch pendelt zwischen dem Wunsch einer Männerbeziehung und Ablehnung, Männer letzten Endes ohne hinterbliebenden Eindruck an ihr vorüberziehen. Sie fühlt sich sehr einsam unter vielen Menschen.

Sylvia Plath gelingt es sehr gut, darzustellen, wie sich die Depression allmählich in Esthers Leben einschleicht. Auch ich als Leser, habe es auch erst im Nachhinein gemerkt, dass sich dort irgendetwas mulmiges einschleicht. Lese man das Buch also behutsam, lasse man sich nicht durch Leichtlesbarkeit zum rasanten Lesetempo verleiten. Am Verhalten der Esther Greenwood merkt man, das mit ihr etwas nicht stimmt, sie in etwas hereinrutscht, was nicht aufzuhalten ist. Dieses hat Sylvia Plath wunderbar gezeichnet.

Die Ziellosigkeit, das Verlorensein im Leben wird in der Metapher des Feigenbaums erzählt.

Zitat von Sylvia Plath

Ich sah mich in der Gabel dieses Feigenbaumes sitzen und verhungern, bloß weil ich mich nicht entscheiden konnte, welche Feige ich nehmen sollte...

Eingezwängt wie ein totes Baby in der Glasglocke erscheint das Leben wie ein böser Traum (frei nach Seite 247, Bibliothek Suhrkamp).

Giovanni Bonalumi: Die Geiseln

2011-03-05T10:32:00.002Z

Im Jahre 2010 wurde erstmals ein Prosawerk des im Tessin geborenen Autors Giovanni Bonalumi ins Deutsche übertragen: „Die Geiseln“, sein Romanerstling, veröffentlicht im Jahre 1954, gilt als sein bestes Werk. Das andere Werk ist bisher dem deutschen Sprachraum verschlossen geblieben. „Die Geiseln“ sind die Geiseln Gottes in einem Priesterseminar. Dass dieser Roman autobiographisch gefärbt ist, können wir im ausführlichen Nachwort von Danielle Benzonelli lesen, darin wir wir auch einen Einblick in das Leben des Autors bekommern, mit zahlreichen Schwarzweißfotografien. Ein editorisch sehr gelungener Bücherschatz des Verlages Huber, der sich um „bemerkenswerte literarische Texte aus der mehrsprachigen Schweiz“ (so der Verlag) bemüht.

Erzählt wird die Geschichte Jungen, der nach dem Tod seines Vaters, mit elf Jahren in ein Priesterseminar eintritt, seine Mutter damit eigennütziges verbindet, kann sie doch später in das Haus eines Priesters einziehen, wenn Emilio Pfarrer geworden ist, damit ihre Zukunft gesichert ist. Die Fäden werden so gesponnen, dass Emilio ein Treffen mit seinem Pfarrer des Dorfes hat, der ihm ins Ohr legt, Gott suche

Zitat von Bonalumi

...von Zeit zu Zeit unter seinen Getreuen eine Seele aus und erhebt sie über alle anderen.

Es wird ihm nahe gelegt, ins Priesterseminar einzutreten, natürlich müsse er noch mit seiner Mutter sprechen, außerdem wurde er im Seminar eine höhere Schule besuchen, in der Freizeit könne er Fußballspielen. Hier sieht man doch schon, wie der Junge mehr oder weniger überrumpelt wird, Emilio keine Ahnung hat, was ihm im Priesterseminar erwartet, er schließlich Ja und Amen sagt, obwohl seine Gedanken ganz woanders sind. Ein spielerischer gesunder Junge wird in die Soutane gepresst und dem Priesterseminar ausgeliefert. Emilio sich immer wieder die Frage gegenwärtigt, warum er sich für diesen Weg entschieden hat.

Zitat von Bonalumi

Eine Präfektenstimme löcherte im Halbdunkel unsere Trommelfelle...

Zitat von Bonalumi
Der Präfekt stieg zwischendurch von seinem Podest, ging zwischen den Bänken auf und ab. Und schon hagelte es Ohrfeigen. Warum wußte eigentlich niemand.

Emilio bekommt die Diktatur im Priesterseminar zu spüren, erlebt Demütigungen, Ausgrenzung und Einsamkeit. Die Erziehung ist erschreckend Körperfeindlich, die Sexualunterdrückungsmaschinerie läuft, und man fragt sich immer wieder, warum Menschen so etwas durchmachen müssen (oder wollen?).

Zitat von Bonalumi

Warum soll ich das verdrängen, worauf ich verzichten muß.

Ein Roman wird meist lesbar erst durch seine Prosa. Bonalumi schreibt in kurzen Sätzen, dabei er verschiedene Vorkommnisse nur andeutet. Dazu möchte ich zwei Beispiele anführen: Dem Jungen wird nicht sofort gesagt, sein Vater sei gestorben. Der Leser ahnt das nur, und der Autor lässt eine Ungewissheit und gedrückte Stimmung über Emilio schwelen, die sich auf den Leser überträgt. Bonulimo schafft es in gleich gekonnter Art und Weise, eine homoerotische Beziehung zwischen Seminaristen anzudeuten. Dadurch wird Spannung erzeugt, Plattheiten werden verhindert und Bonalumi's erster Roman wird als eine gute Leseempfehlung durchgehen.

Fritz Zorn: Mars

2011-02-24T19:46:00.001Z

Fritz Zorn ist das Pseudonym eines Züricher Millionärssohnes und Gymnasiallehrers, der in einer konservativ geprägten bürgerlichen Familie aufwächst, an Depressionen erkrankt und mit 32 Jahren an Krebs stirbt. Aus verschiedenen Perspektiven erzählt Zorn von der gekünstelten Harmonie in seiner Kindheit. Vermeidung von Streitgeprächen, die Familie ist immer einer Meinung, d.h. es wird ausnahmslos der Meinung des Vaters gefolgt. Von einem Schulkamerad wird Zorn gefragt, ob er Autos mag. Zorn denkt, er mag Autos und sagt "Ja". Es stellt sich aber heraus, der Kamerad mag keine Autos. Zorn auch nicht, aber er hatte gelogen. Auf diese Weise die gekünstelte Harmonie der Einigkeit in praktischer Weise ins Absurdum geführt wird, aber Fritz Zorn aus dem Korsett der großbürgerlichen Starrheit nicht mehr herauskommt. Die Themen Religion und Sexualität waren tabu. Die Mentalität von Zorns Eltern kann man nur verlogen und unehrlich bezeichnen, belügen sie Sie sich doch selbst, wenn sie die Kirche für respektabel halten, von Gott aber nichts wissen wollen. Wahrscheinlich liegt dem ein Gesellschaftszwang zugrunde. Andere gehen in die Kirche, also wir dann auch.

„Mein Unglück besteht daraus, daß ich nicht das sein kann, was ich will“, sagt Zorn.

Zorn weiß wie wichtig Liebe und Sexualität ist und erkennt, dass dies sein größtes Defizit ist. Seine Neurose, die als Depression, und wie er sagt, als „emotionaler Idiotie“ ausbricht, manifestiert sich später in den Krebs. Mich nervt aber dieser pseudomedizinische Esoterikkram Zorns über den seelischen körperlichen Krebs, demnach man Krebs bekomme, wenn man sein Leid in sich hineinfrisst und, weil die Seele schon so sehr Krank ist, könne sie nicht mehr zum Widerstand gegen den Krebs behilflich sein. Diese Wüsteneien spitzen sich dahin zu, dass seine Eltern am Dilemma seines Lebens schuld sind. Seine Jugend im Eimer, weil er nie eine Freundin hatte, sein Erwachsenenalter ebenso geschlechtstrocken. Unfähig für zwischenmenschliche Beziehungen, Depression und Krebs. Die Schuldigen sind die Eltern:

Zitat von Zorn
Jeder neue Tumor, der sich als geballte Ausbuchtung aus meinem glatten Körper hervordrängt, scheint mir aus der Tiefe seines psychosomatischen Ursprungs heraus die ins Teuflische verzerrte Fratze meiner dämonischen „Eltern“ darzustellen,...

Natürlich weiß ich, er sucht Orientierung und Sinn in seinem ganzen Leid, trotzdem, diese Abstrusitäten immer wieder vorgekaut zu bekommen, ist anstrengend. Fantastereien eines Todkranken, verzweifelt einen Halt suchend.

Vermurkst ist sein Exkurs über Liebe, Sex und Freud als Einheitsmixtur und findet auch noch eine Verbindung zum Christentum, dort aber nicht Sex sondern Agapé gemeint ist, außerdem Freud in späteren Schriften eine viel erweiterte Auffassung vom Eros vertrat als Sex, Zorn dies aber nicht wusste, stattdessen er aber weiterhin dauernd sein Minderwertigkeitsgefühl beklagt, welches sich aus seiner Sexlosigkeit ergibt.

Das Buch ist keineswegs aufbauend. Diese scharfe Kritik an seine Eltern, einerseits verständlich, dass seine in gedämpften Niederungen schwelende Emotionen jetzt endlich mal aufbrechen, allerdings letzten Endes doch eine unreife Verarbeitung seines Hasses ist, alles auf seine krebsüblen Eltern zu beziehen. Allerdings ist Zorn durch seinen frühen Tod die Chance verwehrt worden, sein Schicksal sinnvoll verarbeiten zu können. Da er mit seinem Hass natürlich nicht weiterkommt, dreht er sich im Kreise herum, wurstelt in seinen Problemen herum, findet in dem gewurstele keinen Ausgang mehr. Auch wenn ich noch zwanzig Seiten zu lesen habe, kann ich schon jetzt dieses Buch niemanden weiterempfehlen, weil zumindest ich keinen Sinn daraus ziehen kann, einen Menschen zu belesen, der ständig nur im Irrgang seines Hasses verweilt. Natürlich blinkt Mitgefühl, schließlich möchte man so einem Menschen helfen, aber durch seine Imkreisedreherei treibt er mich als Leser nur in Abgründe der Hilfslosigkeit mit dem Wissen, das Leid war irgendwann doch mal vorbei. Am 2. November 1976. †

Charles Dickens: Oliver Twist

2011-02-07T12:04:00.004Z

Früher, das waren noch andere Zeiten, so sagt man leichtfertig, doch auch früher gab es böse Verbrecher, soziale Missstände. Bessere Zeiten waren das nicht. Wirklich nicht. Das Kinderarbeit im 19. Jahrhundert normal war, davon zeugt Charles Dickens' Roman „Oliver Twist“. Kinder wurden als kleine Erwachsene angesehen, natürlich konnten die arbeiten. Ganz schlimm war es, so lesen wir im Roman, wenn man als Waisenkind aufwachsen musste. Olivers Mutter stirbt bei der Geburt, der Vater nicht greifbar. Doch es ist nicht die soziale Schieflage, die Oliver Twist ins Verbrechermilieu schlittern lässt. Er wird ja nicht zum Verbrecher, sondern bleibt stets einer der Guten. Ein sensibler Junge, der das große Pech hat, in ungünstiger Umgebung aufzuwachen. Die Erzieher des Armenhauses wirtschaften in die eigene Tasche und lassen die Kinder am Hungertuch nagen. Der Kirchspieldiener Mr. Bumble, der die Verantwortung für die Erziehung Olivers trägt, will ihn für Geld an einen Arbeitgeber verhökern. Kinder waren damals völlig rechtlos. Das Verhältnis zwischen Erwachsenen und Kindern war damals ein völlig anderes als heute. Prügelstrafe, Erniedrigung ( na, ja, gibt's heute auch noch, ist aber nicht mehr Programm). Für Oliver ein großes Leid. Er formuliert das so:

"So einsam und verlassen, Sir, so schrecklich einsam", schluchzte der Kleine. "Niemand kann mich leiden. Bitte seien Sie nicht auch noch böse auf mich."

Von Verantwortlichkeit der Behörden ist nichts zu spüren. Dickens gehört sicher zu den ersten, die diese Verantwortungslosigkeit, die Unmenschlichkeit, kritisiert haben. Der strenge Mr. Bumble setzt den Jungen psychisch unter Druck, damit er mit diesem unheimlichen Schornsteinfeger mitgeht, der einige Kinder schon auf dem Kerbholz hat, Kinder, die im Schornstein erstickt sind. Oliver gelingt es, sich nicht in die Krallen des Schwarzen Mannes zu begeben. Doch als er flieht, seine schreckliche Vergangenheit hinter sich lassend, fällt er in London einen Bösewicht in die Hände, dem jüdischen Verbrecher Fagin, der junge Männer ausschickt, die für ihn stehlen. Der Roman teilt die Menschen in gut und böse. Das ist ein wenig trivial. Die guten Menschen helfen Oliver, die schlechten wollen ihm schlechtes antun. So einfach ist das. Der Jude Fagin ist so übel, dass er es geschafft hat, auf einer wikipedia-seite zu landen. Bewusst spielt Dickens mit jüdischen Klisches, ja, zu seiner Zeit war das nicht ungewöhnlich (vgl. Gustav Freytag, Soll und Haben). Fagin ist

"...ein uralter, vertrockneter Jude, sein schurkisches Gesicht mit den abstoßendsten Zügen von der Welt von rotem Kraushaar beschattet."

(Joseph Roth setzte in seinem Roman Tarabas dem heute wenig geläufigen Typus des rothaarigen russischen Juden ein Denkmal).

Herrlich ist wie Gustav Meyrink die Dialektsprache des Fagin ins Deutsche gesetzt hat. Ich kann es mir jetzt auch nicht verkneifen, einen reizvollen Verbrecherjargon aufzutischen:

"Draußen steht Bill Sikes, und du liegst da und schnarchst, als wenn du Laudanum gefressen hättst. Na also, was is? Bist du schon munter, oder soll ich dir noch nen eisernen Leuchter an den Schädel schmeißen?"

Wenn ich das so lese, wie Oliver Twist in unangenehme Situation stolpert, und andere Leute zwangsläufig denken müssen, er sei doch ein schlechter Junge, obwohl er es nicht ist, und wenn ich lese, wie viel bösen unmoralischen Leuten Oliver begegnet ist, so spukt in meinem Kopf, wie übel muss das 19. Jahrhundert doch gewesen sein. Die Menschen damals müssen abgrundtief geistesvergiftet gewesen sein, was immer man sich auch darunter vorstellen mag. Das Böse wütet um sich und will die Guten vergiften. So scheint es:

"..der alte schlaue Jude hielt Oliver geschickt in seinem Netz gefangen, nachdem er ihn vorher durch Einsamkeit soweit gebracht, daß er jede Gesellschaft den traurigen Gedanken in dem öden verlassenen Hause vorzog. So hoffte Fagin, seinem Herzen langsam das Gift einzuträufeln, das, wie er annahm, seine Seele mit der Zeit verderben."

Es hätte also sein können, auch aufgrund seiner schwierigen Vergangenheit, dass Oliver eine Verbrecherkarriere loslegt. Aber dem ist nicht so. Überraschenderweise bleibt er so, wie er ist. Nämlich gut, ich meine, es gibt doch andere, die wegen solch gravierender Lebenserfahrungen ganz woanders landen, nicht wahr? Ok, ein wenig Glück hat Oliver eben doch und trifft auf Menschen, die ihm helfen.

Fast gleitet dem Charles Dickens Oliver Twist in der zweiten Romanhälfte. Er taucht immer seltener auf, dafür werden andere Personen in den Vordergrund gerückt. Mir hat das nicht gefallen, weil der Protagonist durchlässig wird. In der ersten Romanhälfte könnte ich dem Schicksal des kleinen Helden nachfühlen, später dann, wurde er mir aus den o.g. Gründen so ziemlich egal. Ich hatte zeitweilig sogar den Eindruck, der Roman gerät mittendrin in einen Stillstand. Es taucht aber noch ein großer Charakter auf, die Prostituierte Nancy, die im Verbrecherdunst ihr Leben fristet, bei der ich wirklich mitfühlen konnte, wie groß ihr Herz wirklich ist und das nicht nur gegenüber Oliver. Ich hüte mich an dieser Stelle, Romaninhalte preiszugeben, aber Nancy ist für mich ein entscheidender Grund, warum ich diesem Roman mit seinen Schwächen doch meinen Lesesegen gebe. „Oliver Twist“ ist ein unterhaltsamer Actionroman, der von Action lebt. Heute gedenken wir den 199. Geburtstag von Charles Dickens.

Nikolai Leskow: Am Ende der Welt

2011-01-26T16:19:00.002Z

An das Ende der Welt, nach Sibirien, dort wo es wimmelt von Schamanen und Buddhisten , dorthin in die heidnische Ecke des sonst so orthodoxen Russlands, muss das christliche Licht noch hingetragen werden. Dunkle Seelen müssen erhellt werden. Missionieren, koste es was es wolle, schließlich müssen alles Seelen errettet weden. Gerade erst, am 25 11. meldetet die katholische internationale Preseagentur: „Mission bleibt zentrale Aufgabe der Kirche“ (Benedikt XVI) und dann der Hinweis, es gäbe ja noch immer Völker, die die christliche Botschaft noch nicht empfangen hätten (vgl. hier). Da die kath. Kirche dem Missionsauftrag der Bibel folgt - „Wer da glaubt und getauft wird, wird errettet werden; wer aber nicht glaubt, wird verdammt werden" (Mk 16,15.16) - wird die Kirche erst zufrieden sein, wenn sie alle Seelen aus der Verdammung geholt hat. Nikolai Leskow, der seine Stellung im Kultusministerium wegen Kritik an Staat und Kirche verlor, kritisiert in seiner Erzählung „Am Ende der Welt“ den unbeugsamen Missionsdrang der orthodoxen Kirche.

Ein junger Geistlicher, der zum Bischof einer fernen sibirischen Eparchie ernannt worden ist, beklagt sich über die missliche Lage der Missionsarbeit. Ein großer Teil der Bekehrungen ist nur auf dem Papier. Viele Getaufte, die dem Lamaismus und Schamanismus angehörten, kehrten wieder zu ihrer Religion zurück. Es entfaltete sich auch ein „grotesker Mischmasch“:

Zitat von Leskow

Sie beteten zu Christus und zu den Aposteln, zu Buddha mit seinen Bodhisattvas und Dämonen sowie den Filzbeuteln mit den Schamanenfetischen.

Es ist zwar so, dass Buddhisten nicht beten (sondern meditieren), aber in der Religionsgeschichte sind Religionsvermischungen durchaus bekannt. In der Spätantike verwechselten viele gläubige Christen ihren Christus mit dem römischen Sonnengott Jupiter.

Der frisch ernannte Bischof in unserer Erzählung will in einem Kloster eine Schule für Fremdstämmige gründen und trifft dort auf den Pater Kiriak an, der als einziger Mönch dort die jakutische Sprache, eine der nördöstlichen (sibirischen) Turksprachen, beherrscht, die in der Ortschaft gesprochen wird. Dieser Mönch weigert sich, die Fremdstämmigen zu misionieren.

Zitat von Leskow
Eines Tages hat er irgendein Erlebnis gehabt; da ist er aus der Steppe zurückgekehrt, hat Myrrenbehälter und Hostiengefäß zum Altar gebracht und gesagt: „Ich stelle sie weg und nehme sie nicht wieder, als bis die Stunde gekommen ist.

Niemand wusste, was ihn dazu bewog, niemand wusste, welche Stunde er gemeint hat.

Bemerkenswert ist, seine Eminenz der Bischof, ist in dieser Erzählung derjenige, der lernen muss, oder sagen wir anders, der nicht von Weisheit beschlagen ist. Pater Kiriak versucht dem Bischof klar zu machen, die Taufe bringe nichts, wenn die Getauften nicht vom Geiste Christi erfüllt werden. Anhand einer Heiligenlegende lehrt er, dass Missionseifer Unfrieden bringen kann, die Sprache der Jakuten nicht geeignet ist, komplizierte theologische Sachverhalte auszudrücken, die Gegenüberstellung von Gläubigen und Ungläubigen sowieso kränkelt, weil Gott, so Kiriak, alle erschaffen habe. Es ist schon toll, wie der Bischof hier zum Adepten wird, seine Eminenz natürlich für die ganze Kirche steht. Missionierung aller Ungläubigen ist von vorneherein zum Scheitern verurteilt. Das muss dann schließlich selbst von dem Bischof erkannt werden, der von einem heidnischen Wilden aus einem Schneesturm gerettet wird und eine innere Wandlung erfährt.

Anhand des Bischofs wird die orthodoxe Kirche Russlands ziemlich geschwächt dargestellt, ja, ziemlich hilflos und verloren. Die schönste Figur der Erzählung bleibt für mich der weise Pater Kiriak, der als Verkörperung von Weisheit die Austrahlung eines Heiligen verfügt. Vielleicht eine Ausdünstung meiner Fantasie oder es entspricht der Wahrheit, dass dieser Pater eine Wunschvorstellung Leskows war, wie er sich die Vertreter der orthodoxen Kirche erträumte. Wie krass ist doch der Unterschied zwischen dem aus Herzen agierenden Kiriak und dem von theologischen Dogmen gebeutelten Bischof. Die Botschaft von Leskows Erzählung ist eindeutig. Die Fremdstämmigen, die sog. „Wilden“, haben eine großartige Kultur, dorthin Kleriker mit dem Herzen („Liebe deinen Nächsten wie dich selbst“) schauen mögen. Mit Respekt.

William Trevor: Felicias Reise

2011-01-15T14:50:00.000Z

In einem Dorf in Irland wird Felicias in ihrer ersten Liebesnacht geschwängert, der Mann, Johnny Lysaght, verschwindet aber nach England. Angeblich soll er in einer Rasenmäherfabrik arbeiten. Die schwangere Felicias reist nach England, um Johnny aufzuspüren, doch diese Reise führt nicht zum Ziel, eine Reise durchs Kneipen- und Obdachlosenmilieu, durch Industrieanlagen und auch eine heilige Missionssekte wird von Felicias' Reise berührt. Anstatt auf Johnny zu treffen, macht Felicias die Bekanntschaft des Kantinenbesitzers Mr. Hilditch, der immer mehr Einfluss auf Felicias' Suche gewinnt, dem es gelingt, immer tiefere Bande mit Felicias zu knüpfen. Mit Mr. Hilditch betritt das Böse den Roman, erst auf leichten Fußsohlen kaum wahrnehmbar, und dann, das ist die Raffinesse des Romans, wird es immer bedrohlicher für Felicias, obwohl der Leser immer noch nicht weiß, was dieser Mittvierziger mit der jungen Frau vorhat. Er schleicht sich in ihr Leben ein und der Leser fragt sich irgendwann, hoffentlich passiert Felicias nichts schlimmes. Trevor gelingt es in hervorragender Weise, den Leser im Ungewissen zu lassen. Es werden Andeutungen gemacht, der Leser wird auf falsche Fährten gelockt. Man bangt bis zum Schluss, immerhin hat Mr. Hilditch schon mit diversen Frauen ein böses Spiel getrieben.

Dieses Art des Unheimlichen in der Literatur ähnelt ein wenig einigen Romanen von Amélie Nothomb („Kosmetik des Bösen“, „Der Professor“), wobei ich aber mehr für Trevors Roman favorisiere. Amélie Nothomb unterhält gut, ist auch spannend, aber ich habe das Gefühl, eine einmalige Lektüre reicht. Bei William Trevor ist das anders. Hier ist einer, der handwerklich wirklich gut arbeitet. Wenn er von Felicias Reise erzählt, wirft er Rückblenden ein, und wir erfahren von ihrer Vorgeschichte, von ihrem Vater, der über Johnny Lysaght schimpft, weil dieser, so glaubt er zu wissen, heimlich zur britischen Armee gegangen ist, usw. Es ist typisch für Trevor, dass er sich in Romanen mit den kriegerischen Auseinandersetzungen zwischen Iren und Briten auseinandersetzt. Welcher irischer Vater möchte da schon einen britischen Soldaten zum Schwiegersohn haben. Ich mag gute Milieuschilderungen. In diesem Buch haben mir Schilderungen aus der Welt Obdachloser sehr gefallen.

Zitat von William Trevor
In ihren Verstecken sinken die Leute von der Straße in einen Schlaf, der vom Alkohol herbeigeführt und von Verzweiflung aufgeschreckt wird, in Träume, die sie in das Leben zurückversetzen, das einmal ihres war. Die Bettelschilder noch neben sich und die Zigarettenstummel vom Bürgersteig griffbereit, liegen sie da, noch genug in der Flasche, um sich den Augenblick des Erwachens zu erleichtern. Hungrig und obdachlos lautet ihr Appell auf einem Stück Pappe, gedankenlos hingekritzelt, wobei einer vom anderen abgeschrieben hat: Nur das Geld zählt.

Man mag von Elke Heidenreichs ehemaliger Fernsehsendung „Lesen“ halten, was man mag, aber darin wurde William Trevors Erzählband „Tod des Professors“ besprochen. So bin ich auf diesen Autor gestoßen und bereue es nicht.

Ferdinand von Schirach: Verbrechen

2011-01-02T13:40:00.002Z

Ein Berliner Anwalt schreibt Krimistories. Schreibt er nun über seine eigenen Fälle? Das darf er nicht, weil auch ein Anwalt an dem Paragraphen der Schweigepflicht gebunden ist. Ähnlich, wenn Psychologen über ihre Klienten schreiben, Personen u.a. verfremden müssen, um nicht straffällig zu werden. Außerdem, hier geht es um stories. Eine eins zu eins Übertragung von Realem zur Literatur gibt es nicht. Die stories mögen auf realen Fälle basieren, genug Spielraum für Fiktion bleibt aber bestehen. Dass Fiktion am Werke ist, sieht man auch daran, dass einige stories nach gleichem Schema ablaufen: Das Verbrechen, wie ist es dazu gekommen, die Justiz, oft auch ein überraschendes Ende, ein verblüffender Plot.

Der Leser wird mit unheimlich brutalen Morden konfrontiert, die ohne weiteres aus einem billigen Horrorfilm stammen könnten, aber auch hier bewahrt von Schirach seine stringente lakonische Erzählweise, die mich sprachlos zurücklässt. Vielleicht pervers ausgedrückt, aber so ein Glanzstück von Brutalität in der Literatur ist die Szene auf dem U-Bahnhof in der Geschichte „Notwehr“. Diese story ist sowieso sehr interessant, weil hier nichts nach Schema F abläuft. Wir erinnern uns an eine Nachrichtenmeldung über zwei U-Bahn-Schläger, die einen alten Mann krankenhausreif geschlagen haben. Schirachs Erzählung läuft völlig anders ab, am Schluss ich den Verdacht habe, Schirach könne zwei Fälle zu einer story gemixt haben. Wie anders die Geschichte um den Äthiopier, der eine Bank ausraubt, eine Bankangestellte mit dem Räuber Mitgefühl hat.

Aus der Form einer story fällt Schirach allerdings völlig heraus, wenn er in seinen Geschichten selbst als Fachjustitiar auftritt, entweder als Mitbeteiligter oder als Überbringer von Juristenfachwissen an den Leser. Dieser Fakt schmälert. Das Buch ist ein Pageturner. Die stories sind auf momentanen Unterhaltungswert aufgebaut. Um mich an einige Geschichten wieder zu erinnern, musste ich nach der Lektüre noch mal zurückblättern.

Ngũgĩ wa Thiong’o : Matigari

2010-12-29T17:42:00.000Z

Was für ein Roman – seltsam, weil ein schwarzer Kämpfer, der gegen weiße Kolonisten gekämpft und gesiegt hat, seine Waffen vergräbt und nun um seine Lenden ein Band des Friedens trägt, in der zivilisierten Welt Kenias, und das ist das Seltsame, als ein Mensch erscheint, der an Jesus Christus erinnert. Er befreundet sich mit den Ärmsten der Armen, einem Jungen, der wie andere Jungen in einem Autowrack sein Hause gefunden hat, stolz darauf ist, dass es ein Mercedes Benz ist, und auch mit einer Prostituierten sich befreundet, die, um ihre Geschwister zu ernähren, sich verkaufen musste. Matigari, so heißt der kenianische Christus, vollbringt mutige Taten, ihm werden Wunder nachgesagt, niemand weiß, wer er wirklich ist, niemand weiß, ob er wirklich der wiedergeborene Christus ist, oder einfach nur ein mythischer Hoffnungsträger, der die Menschen aus ihrer Armut treiben könnte, ihm zugetraut wird, er könne Frieden und Gerechtigkeit ins Land bringen, das Volk darum hinter ihm steht. Eines der Großartigkeiten des Romans ist, dass der Schleier des Geheimnisvollen dem Matigari nie entrissen wird.

Weitaus gefehlt an einen frömmelnden Roman zu denken, an einem Jesus, der nun endlich gekommen ist um Kenia aus dem Sumpf von Korruption, Machtgier, verlogener Politik, Ungerechtigkeit und Bevölkerungsarmut zu ziehen. Himmel sei Dank. Trivialitäten sind aber keine Werkzeuge des Autors. Ngũgĩ wa Thiong’o verwendet die Figur des Matigari um auf die Missstände seiner Heimat aufmerksam zu machen, nicht zu warten auf das Neue Jerusalem, wo alles schöner sein soll als auf der versündigten Erde, sondern aufstehen, handlungsbereit und keine Angst zeigen, denn Angst lähmt.

Pazifisten werden aufmucken, weil nicht ganz eindeutig gezeigt wird, inwieweit Matigari wirklich zu Gewalt schreiten würde, um normale Rechte zu verteidigen. Die Kolonialisten, die ihm sein Haus geraubt haben, bringt er jedenfalls um. Das hätte Jesus nicht bewerkstelligt. Nun ist Matigari drauf und dran, die Söhne der Kolonisten zu vertreiben, weil sich inzwischen diese Halunken sich seines Hauses bemächtigt haben. Der Kampf geht also weiter.

„Der Baumeister baut ein Haus.
Jener, der beim bauen zugeschaut hat, zieht ein.
Der Baumeister schläft draußen,
ohne Dach über dem Kopf........
….......
Der Arbeiter stellt Waren her.
Ausländer und Schmarotzer verfügen darüber.
Der Arbeiter steht mit leeren Händen da.“

Allein Wahrheit und Gerechtigkeit suchen und darüber reden hilft nicht, darum will Matigari wieder zu den Waffen greifen. Das ist die wichtige Konsequenz die Matigari zieht, und damit kritisiert der Autor meines Erachtens auch das Friedensgerede von Kirchenleuten, die nur reden können aber keinen Frieden, Gerechtigkeit o.ä. schaffen können. Auf der Erde muss man was dafür tun, im Himmel, möge es ihn geben, ist sowieso Frieden (über diese Thematik gibt es ein Gespräch zwischen Matigari und einem Pfarrer).

Glanzvoll dargestellt ist, wie ein totalitär fieser Staatsapparat funktioniert, der dann auch noch von den USA und von der Europäischen Gemeinschaft mit Waffen und Finanzspritzen versorgt wird. Das ist so gut erzählt, dass es jeder versteht. Wenn wir lesen, einige unbequeme Bürger werden als geisteskrank ins Irrenhaus gesperrt, so dürfen wir gerne an die DDR denken, auch wenn der Roman in Kenia spielt.

Ein politischer Roman mit einer Prise Abenteuer. Im Oktober 1986 erschien der Roman in Kenia. Sehr abenteuerlich mutet es an, als im Januar 1987 Berichte der Geheimpolizei erzählten, dass von Bauern in Zentralkenia ein Gerücht ausging, ein gewisser Matigari wandere durch das Land und fordere Wahrheit und Gerechtigkeit. Die Polizei wurde beauftragt, diesen Matigari festzunehmen, bis sie darauf kamen, er sei nur eine Romanfigur. Buchhandlungen wurden durchsucht, der Roman wurde beschlagnahmt.

Mario Vargas Llosa: Der Geschichtenerzähler

2010-12-16T15:29:00.001Z

Mit diesem Roman hat Mario Vargas Llosa den Indios im Amazonasgebiet ein Denkmal geschaffen Erzählt wird von den Machiguenga, einem Naturvolk, welches abseits der zivilisierten Welt im peruanischen Urwald lebt.

Der Ich- Erzähler befindet sich in Florenz, will sich einige Monate Dante und Machiavelli widmen, und der Renaissancemalerei. Doch sein Vorhaben gerät ins Schleudern, weil er in einer Galerie Fotografien entdeckt, die ihn geistig in den heimatlichen Urwald zurückwerfen. Fotos halbnackter Menschen, Kanus, auf Pfählen erbaute Hütten. Was für ein Zufall, dass er hier in Florenz Fotografien über die Machiguenga entdeckt, diesen Indios, für die er sich schon sehr lange interessiert, seitdem er sich mit seinem Studienfreund, einen angehenden Ethnologen, über diese ausgetauscht hat. Das war 1958. Inzwischen gilt der Studienfreund Saúl Zuratas als verschollen. 1981 begibt sich der Erzähler des Romans auf Reisen in den peruanischen Urwald, dem Geheimnis des machiguengischen Geschichtenerzählers auf der Spur zu kommen.

Mario Vargas Llosa lässt lange auf sich warten, bis er dem Geschichtenerzähler der Machiguenga auf der Spur kommt. Und das ist gut so. In dem Roman wird er zu einer geheimnisumwitternden Gestalt, der Leser sich ständig fragen muss, ob er überhaupt existent oder vielleicht eine Gestalt indianischer Mythen ist. Für mich als Leser bleibt übrigens offen, ob der Geschichtenerzähler an sich eine Erfindung von Mario Vargas Llosa ist. Sicher ist nur, die Machiguenga haben eine Sprache entwickelt und haben ihre eigenen Mythen, von denen der Roman reichlich Zeugnis ablegt. Der Autor hat Mythen und Lieder der Machiguenga gelesen, die Padre Joaquin Barriales gesammelt hat. So wird dem Leser die Möglichkeit gegeben, in die Gedankenwelt und Vorstellungen dieses Volkes einzutauchen. Selbstverständlich ist das ziemlich ungewohnt, wenn wir zivilisierte Leser Mythen primitiver Völker lesen, da unser Denken mit diesen ureinwohnern nicht zu vergleichen ist, doch können wir hier mal ethnologisch schnuppern. Vom Autor raffiniert gemacht ist, wenn er einer Mythe christlichen Einfluss gibt, haben doch eifrige Christen der Mühen nicht gescheut, im Urwald zu missionieren. „Es war die Wahrheit, Sohn von Trasurinchi ist er, der Atemhauch von Trasurunchi wird er sein, er ist Trasurinchi selbst. Alle drei Dinge zusammen, also.“
Das große Thema des Romans ist der Aufprall der Zivilisation auf die Naturvölker im Amazonasgebiet. Die Zivilisation bedroht die Primitiven. Sollte man diese Völker nicht einfach so leben lassen, wie sie immer gelebt haben, oder sollte man ihnen den Segen, bzw. den Fluch und Segen der Zivilisation bringen, d.h., sie aus der Natur herausholen? Dieses große Thema Perus wird zwischen Saúl Zuratas und dem Ich-Erzähler durchdiskutiert.

Zitat von Mario Vargas Llosa
Sollten sechzehn Millionen Peruaner auf die natürlichen Ressourcen von drei Vierteln ihres Territoriums verzichten, damit die sechzig- oder achzigtausend Amazonas-Indianer einander seelenruhig weiterhin mit Pfeilen abschießen, Schrumpfköpfe herstellen und die Boa constrictor anbeten konnten.?

Schon dieses Zitat macht deutlich, wie tief dieses Thema auf den Nerv von Peruanern trifft. Dieser Roman gilt als der peruanischste von Varguritas' Romanen. Wir, die wir schon immer in der Zivilisation weit weg vom Urwald leben, tragen solche Problematiken nicht im Bewusstsein. Für mich war es sehr faszinierend, in die Welt der Machiguenga einzutauchen. Dieser Roman schärft das Bewusstsein für fremde Kulturen.

Leo N. Tolstoi: Auferstehung

2010-12-06T16:35:00.002Z

In einem Interview in der Süddeutschen Zeiten im Juni 2010 äußerte sich Tolstojs Ur-Urenkel Wladimir Iljitsch zu Leo N. Tolstois religiöser Position:

„Man kann Tolstoi in keine der heutigen Religionen hineinzwängen. Er war im Grunde viel weiter...Er hat nach Möglichkeiten gesucht, die konfessionellen Barrieren zu überwinden..“ (vgl. Seite 27, Nummer 3/2010 der HEFTE zu Ausstellungen im Literaturhaus München, „Ein Licht mir aufgegangen“ - Lev Tolstoj und Deutschland). Schon zur Zeit seines Einsatzes im Krimkrieg dachte Tolstoi über die Idee einer praktischen rationalistischen Religion nach, „die kein künftiges Glück verheißt, sondern Glück auf dieser Erde verheißt"(dto. Seite 28). Intensiv befasste er sich seit 1881 mit Religionen. Seine Schriften „Meine Beichte“ und „Worin mein Glaube besteht“ konnten zu seiner Zeit in Russland nicht erscheinen. In „Meine Beichte“ wandte er sich seiner „neuen geistigen Geburt“ zu und lehnte jeglichen Besitz ab. Ich weiß nicht wann, aber irgendwann, spätestens während seiner Arbeit zu seinem dritten großen Roman „Auferstehung“, muss er auf den amerikanischen Ökonomen gestoßen sein:

"Das Land kann nicht Gegenstand von Eigentumsrechten, kann nicht Gegenstand von Kauf und Verkauf sein, so wenig wie Wasser, wie Luft, wie die Sonnenstrahlen. Alle haben das gleiche Recht auf das Land und auf die Vorteile, die es den Menschen bietet."

Etwa zehn Jahre arbeitet Tolstoi an „Auferstehung“, Er erschien 1899. Im Jahre 1901 wurde er von der orthodoxen Kirche ausgeschlossen. In dem Roman kritisiert er sehr heftig die Zelebrierung des orthodoxen Gottesdienstes.

"...die größte Lästerung und Verhöhnung des gleichen Jesus sei, in dessen Namen alles geschah."

Tolstoi hat natürlich recht, Jesus war es lieb, wenn sich jemand ohne Prunk in sein Kämmerlein zurückzieht, in die Einsamkeit, und dort betet. Für den Goldprunk einer Ikonostase hätte sich Jesus niemals interessiert. Menschen sind offenbar dazu anfällig, dass sie irgendetwas handfestes/materielles für ihren Glauben brauchen. Darum gibt es auch Ikonen, die das Bedürfnis von Volksfrömmigkeit befrieden.

Der Protagonist des Romans ist der Fürst Dmitri Iwanowitsch Nechljudow, der als Geschworener in einer Gerichtsverhandlung erkennt, dass er Schuld am schweren Schicksal einer jungen Frau trägt, die er, als sie sechzehn Jahre alt war, verführt hatte. Er trägt die Schuld, dass sie, Maslowa, zu einer Prostituierten wurde, sie nun von diesem Gericht aufgrund eines angeblich begangenen Giftmordes zu Zwangsarbeit in Sibirien verurteilt worden ist. Da es sich um ein Fehlurteil handelt, welches aus Schlamperei und Unaufmerksamkeiten während der Verhandlung zustande gekommen war, will Nechljudow eine Kassation dieses Urteil erreichen. Er ist schuldig an ihrem verdorbenen Leben und will seine Schuld sühnen.

Nechljudow hinterfragt sein bisheriges Leben, auch sein Reichtum, seine Erbschaft. Er will sein Leben umkrempeln, nimmt sogar die Idee auf, Maslowa evtl. zu heiraten und erkennt, dass er ein „liederlicher Mensch sei.“ Nur durch solch eine Bewusstwerdung und Umarmung seines Leides, wird er wohl zu einer Reinigung, d.h. Bewusstwerdung seines geistigen Wesens, kommen. Ja wirklich, Tolstoi wird in diesem Roman recht spirituell und erinnert mich ein wenig an den Buddhismus. Das Leid erkennen, die Ursachen des Leides erforschen, und dann das Leid umwandeln in Freude. Allerdings bei Tolstoi die Schuldfrage in den Mittelpunkt gerückt wird, dadurch der christliche Aspekt der Schuldvergebung ins Zentrum rückt. Überkonfessionell spirituell gilt aber das, was Tolstoi über die Liebe sagt.

"..die Liebe zu allen und zu allem, nicht nur zu dem Schönen, Guten, das es in der Weld gibt, sondern auch zu jenem Bettler, den sie geküßt hatte."

Interessant das Nechljudow diese Erkenntnis allumfassender Liebe während der Ostermesse gewinnt. Als „Auferstehung“ wird im Roman die Umwandlung vom animalischen zum geistigen Menschen verstanden. Daher rührt der Romantitel.

Das andere große Thema ist die Aufdeckung unsäglicher Missstände und Schlamperei russischer Justizbehörden. Viele Menschen sitzen unschuldig in Gefängnissen. Die Bloßstellung der Verruchtheit des russischen Beamtenwesens gehört zu den Glanzstücken des Romans.

"Es war klar, daß das, was für wertvoll und gut gehalten wird, nichtig und abscheulich ist und daß all dieser Glanz, all diese Pracht nur alte Verbrechen verdeckt...."

Einzelne Beamte sind wie ein Zahnrad in einem ganzen Systems, in dem die Beamten das Mitgefühl, die Menschlichkeit ausgeblendet haben. Die Liebe ist das wichtigste überhaupt, die allumfassende Liebe, das große Stück Kuchen von Menschlichkeit. Weil in dieser Bürokratie diese Menschlichkeit fehlt, passieren all die Katastrophen und Ungerechtigkeiten, darum Tolstoi diesen Roman wohl überhaupt geschrieben hat. Wie bei Dostojewskij geht es um Schuld und Sühne. Ich verweise auf ein Zitat, welches Tolstoi vor Romanbeginn als Motto anführt:

"Da trat Petrus zu ihm und sprach: "Herr, wie oft muß ich denn meinem Bruder, der zu mir sündiget, vergeben?. Ist's genug siebenmal?" Jesus sprach zu ihm: "Ich sage, nicht siebenmal, sondern siebzigmal siebenmal." Matth. XVIII,21/22

Wenn ein Mensch die allumfassende Liebe in sich verwirklicht hat, kann er immer vergeben, weil er liebt. Das ist ein elementarer Bestandteil des Christentums. Davon handelt der Roman. Nechljudow ist bisher immer noch dieser Mensch, der nach diesen Idealen strebt, auf diesem Weg er sein Gewissen reinwaschen will, nicht aus persönlichen Gründen, sondern wegen Gottes Gerechtigkeit. Die russische Bürokratie ist demnach gottlos. Wenn die Liebe da wäre, würden einzelne Offiziere Gefangene nicht quälen. Wenn wir dem Apostel Paulus glauben schenken wollen, taugt der Mensch nicht viel, wenn er keine Liebe hat.

Und dann kommt der herrliche Satz, den auch der Apostel Paulus hätte predigen können:

"Wenn es möglich wäre anzunehmen, daß irgend etwas ...wichtiger ist als das Gefühl der Menschenliebe, sei es auch nur für eine Stunde und nur in irgendeinem einzigen Ausnahmefall, so gebe es kein einziges Verbrechen, das man nicht ohne sich für schuldig zu halten, an den Menschen begehen könnte."

Leo N. Tolstoi hat mit „Auferstehung“ einen religiös/spirituellen Roman geschrieben, der abgesehen vom Schluss, überzeugt. Nechljudow verkörpert die Ideen Tolstois. Das Ende des Romans allerdings versumpft in einer theologischen Moralpredigt, in der fleißig aus dem Evangelium des Matthäus zitiert wird. Das ist sehr bedauerlich. In diesem sonst so gut ausgearbeiteten Roman hätte dieses nicht so passieren dürfen. Die spirituelle Entwicklung Nechljudows hätte, um den Roman würdevoll enden zu lassen, literarisch ausgebaut werden müssen. Aber so nun endet der Roman nur in einem unsäglichen Moralsumpf. Auch wenn die Zitate aus Matthäus zum Roman passend gewählt sind und gegen ihre Aussagen nichts einzuwenden ist, haben Moralpredigten die Welt noch nie zum Besseren bekehrt. Darin besteht auch das Dilemma, in dem sich Tolstoi befunden haben muss. Schon zur Zeit der Krimkriege war sich Tolstoi bewusst, dass sich eine nach seinen Vorstellungen praktikable rationalistische neue Religion nur Verwirklichen lasse, wenn kommende Generationen bewusst auf dieses Ziel hinarbeiten.

Leo N. Tolstoi - Hadschi Murat

2010-11-20T11:26:00.004Z

Leo N. Tolstois Erzählung „Hadschi Murat“ beruht zum großen Teil auf wahre Begebenheiten.

"Und ich erinnere mich einer alten Geschichte aus dem Kaukasus, die ich teils selbst erlebt, teils von Augenzeugen gehört und teilweise in meiner Phantasie ausgesponnen habe."

Historischer Hintergrund

Imam Schamil (1797- 1871) baute in den kaukasischen Bergen einen islamisch geprägten theokratischen Staat auf. In den Muridenkriegen (1834-1859) leisteten die Bergvölker des Kaukasus heftigen Widerstand gegenüber die Kolonialziele Russlands. Die Theokratie Schamils beinhaltete auch, dass die Gesetze der Scharia galten. Die Völker des Kaukasus sahen in dem Islam eine wirksame Waffe gegen Russland, sodass die kriegerischen Auseinandersetzungen u.a. auch religiös motiviert waren, auch damals im neunzehnten Jahrhundert im Kaukasus der Begriff des Dschihad gefallen ist, dieser Begriff offenbar damals schon sinnentfremdet als „Heiliger Krieg“ benutzt worden war (Hintergund Ende).

Vor diesem Hintergrund ist es nicht verwunderlich, wenn Imam Schamil vor wichtigen erst mal die Augen schloß und verstummte.

"Die Räte wußten, was das bedeutete; er vernahm die Stimme des Propheten, der ihm offenbarte, was zu tun sei."

Auf russischer Seite fällt im Krieg ein junger Mann. Von einem Regimentsschreiber erhält der Vater einen Brief, darin geschrieben, „daß Peter für seinen Kaiser, sein Vaterland und den rechten christlichen Glauben gefallen sei.“

In Tolstois Erzählung stoßen wir auf die Problematik, dass sich Religion in die Politik einmischt. Das hat der Menschheitsgeschichte noch nie was gutes eingebracht. Als Karl der Große gegen die Sachsen loszog, musste er sich auch eingebildet haben, er habe einen, bzw. den rechten Glauben, sonst wäre er nicht so brutal Gegen die Sachsen hergezogen, denn u.a. oder vor allem war dieser Krieg dazu bestimmt, den germanischen Götterglauben auszumerzen, Widukind schließlich, sich um des Friedenswillen habe taufen lassen müssen. Das war ein Kreuzzugsgemetzel vor den Kreuzzügen. Und Peter, von dem gerade die Rede war, gefallen im Kaukasuskrieg, hatte keine Kinder.

"Ich bin freiwillig für meinen Bruder gegangen...Der hat fünf kleine Kinder, und ich hatte gerade geheiratet."

Für den Expansionswahnsinn eines Landes ist er unsinnig gestorben. Tolstoi beleuchtet den Krieg aus verschiedenen Blickwinkeln, so ist der Wahnsinn genauso groß, wenn die Toten eines Krieges verdrängt werden.

"Der Krieg bestand in seinen Augen nur darin, daß er sich der Gefahr, dem möglichen Tod aussetzte, dafür belohnt wurde und die Achtung seiner Kameraden und seiner Freunde in Rußland genoß."

Auch wenn Hadschi Murat, der Stellvertreter Schamils, der sich mit dem Theokraten in einer Blutfehde befand, seine unter Gefangenschaft gehaltene Familie aus den Händen des Imam befreien wollte, dieser Hadschi Murat, der sich schon in vielen Schlachten als Kriegsheld bewährt hatte, wird nicht, und das ist das Entscheidene, nicht als Kriegsheld verklärt. Dass er einmal „sechsundzwanzig Kriegsgefangene hatte niedermachen lassen“ wird damit entschuldigt, es sei ja Krieg. Tolstoi zitiert bewusst das französische Sprichwort

à la guerre comme à la guerre - Im Krieg ist es einmal nicht anders

und unterstreicht damit die Banalität, wie regelrechter Mord im Krieg gerechtfertigt wird, auf diese Weise Hadschi Murats Heldentum einen deftigen Knacks bekommt. Tolstoi hinterfragt die Auswüchse des Krieges und landet beim Wahnsinn, darum ich diese Erzählung besonders zu schätzen weiß.

Tolstoi hat Sympathie für die kaukasischen Bergvölker und lässt russische Fürsten und militärische Befehlshaber vergreist, dumm, abgenutzt oder auch Intrigant auftreten. So lesen wir von einem dummen georgischen Fürsten, der meint, wenn Hadschi Murat „in Europa geboren wäre, so hätte er ein Napoleon werden können.“ Dieser Dummheit, die von einem westlichen Überlegenheitsgefühl herrührt, wird noch eins drauf gesetzt. Leo N. Tolstoi zeichnet in dieser späten Erzählung den Hauptverantwortlichen der kaukasischen Auseinandersetzung, den Zaren Nikolaus I., als einen politischen Menschen, der aus üblen Launen heraus wichtige politische Entscheidungen fällt und in ehebrecherischer Weise Frauen verführt, um sein Unrecht zu lindern, sich damit beruhigte, „was für ein großer Mann er sei.“

Die Tschetschenischen Kriege unter Boris Jelzin und Wladimir Putin waren genauso brutal wie der Krieg damals unter dem Zaren. Besonders leiden musste, wie auch in anderen Kriegen, die Zivilbevölkerung. Der kaukasische Aul, in dem sich Hadschi Murat versteckt hielt, bevor er zu den Russen überlief, wurde von den Zarentruppen zermalmt.

"Die würdige Frau, die Hadschi Murat bei seinem Besuch bedient hatte, stand jetzt mit aufgelöstem Haar, in zerrissenem Hemd, das ihre alten herabhängenden Brüste sehen ließ, über die Leiche ihres Sohnes gebeugt, zerkratzte ihr Gesicht und heulte ununterbrochen."

Ich assoziiere die Beweinung Christi am Grabe, unterm Kreuz. Was für eine Assoziation auf moslemischem Territorium.

Weiterführende Literatur:

Anna Politkowskaja : Die Wahrheit über den Krieg
Manfred Quiring : Pulverfass Kaukasus
Karl Seeger: Imam Schamil – Prophet und Feldherr, 1937

Mario Vargas Llosa: Tante Julia und der Kunstschreiber

2010-11-04T15:08:00.002Z

Zitat von Mario Vargas Llosa

Ich schrieb Buchbesprechunngen und Reportagen in Kulturbeilagen und Zeitschriften von Lima. Ich publizierte sie unter Pseudonym, um mich weniger darüber schämen zu müssen, wie schlecht sie waren.

Obwohl der Roman viel triviales enthält, ist der Roman nicht trivial, weil er einfach gut geschrieben, also schämen muss sich Vargas Llosa keineswegs. Was kann er auch dazu, wenn das Leben manchmal trivial erscheint. Da heiratet jemand seine Tante, obwohl er noch nicht volljährig ist. Die Suche nach dem Bürgermeister, der sie endlich traut, ist ein Klamauk, eine Comedy auf hohem Niveau. Jahre später heiratet er seine Cousine. Soll man es glauben? Ja,doch, diese autobiografischen Bezüge stimmen.

Tante Julia, eine 32 Jährige Frau aus Bolivien, frisch geschieden, kommt nach Peru, um sich einen neuen Partner zu suchen. Ihr Neffe, der 18 Jahrige Jurastudent Mario, der sich nebenbei Geld als Nachrichtenchefs einem Radiosenders, verdient, verliebt sich in Tante Julia. Es dauert nicht lange, dann schäkern sie im Kino herum. Hinterlässt es schon einen boulevardmäßigen Eindruck, wenn der Text von Nachrichtensendungen aus diversen Zeitungsartikeln zurechtgeschustert wird, um ihn als Nachrichten senden zu können, kommt mir schon ein Schmunzeln auf, wenn Tante Julia ihrem Mario sagt.:

Zitat von Mario Vargas Llosa
Das Schreckliche am Geschiedensein ist nicht, daß alle Männer glauben, sie müßten einem irgendwelche Anträge machen...sondern daß sie meinen, nur weil mal geschieden ist, brauche man keine Romantik mehr....

Auf den ersten Blick erscheint das flachhirnig und kitschig, und das im 20 Jahrhundert? Jawohl. In manchen Szenerien geht es ganz allgemein über strenge Sexualmoral, wie man ihnen auch in Ostanatolien oder in anderen Gegenden heute noch findet. Da braucht man eine Frau nur anschauen usw. und muss sie dann gleich heiraten. Gerade habe ich eine Erzählung des kenianischen Schriftstellers Ngũgĩ wa Thiong’o gelesen, in der einer Frau ein unerhörter Makel angelastet wird, weil sie keine Kinder bekommt. Was wissen wir schon von der Sexualmoral im Peru der 50er Jahre des 20 Jahrhunderts? Ich halte es durchaus für möglich, dass dort das Ansehen einer geschiedenen Frau für immer beschädigt war.

Jetzt muss ich noch den Hörspielautoren Pedro Camacho erwähnen, der mit seinen trivialinhaltigen Hörspielen sehr erfolgreich ist (im Gegensatz zu Mario, der davon träumt ein Schriftsteller zu sein, mit seinen Geschichten keinen Erfolg zu buchen hat). Die Menschen lieben triviales und Mario Vargas Llosa lässt die Hörspiele laufen, abwechselnd mit den Szenen um Tante Julia und ihrem Varguitas, und die Hörspiele haben auch mir am besten Gefallen. Der Humor liegt einer grotesken Überhöhung zugrunde. So kritisiert Vargas Llosa die strenge Moral von Zeugen Jehovas, in dem er einen Vergewaltiger aus dieser Sekte auftreten lässt. Grotesk auch, die vergreisten Zieheltern des vergewaltigten Mädchens fordern, der Vergewaltiger müsse nun, weil er der Kleinen die Jungfräulichkeit genommen hat, sie heiraten. Komisch und tragisch. Der Leser wird mit absurdem Horror nicht geschont, auch davor nicht, warum Don Federico Téllez Unzátegui zum perversen Nagetiermörder geworden ist. Dieser Action erscheint trivial birgt aber immer Nachdenkliches und Gesellschaftskritisches, gerade darum mag ich das lesen.

Mir hat auch das Kapitel mit dem Wachtmeister Lituma sehr gefallen, der übrigens in diversen Romanen von Mario Vargas Llosa auftaucht, in „Tod in den Anden“ sogar zum Korporal befördert als Protagonist erscheint. In dem Hörspiel von Camacho ist das Verhalten des Wachtmeisters und der anderen Polizisten äußerst trivial und mit Dummheit geschlagen. Ein schwer verletzter nackter Schwarzer, der nur Laute von sich bringen kann, wird gefunden. Ich vermute, wörüber allerdings bewusst nicht spekuliert wird, der Mann wird Opfer eines Verbrechens geworden sein, Vargas Llosa dem Leser aber aufzeigen will, wie im untersten Niveau eines unsäglichen Klatschblattes infolge unerhörter Vermutungen und Spekulationen ein Mensch zum Tode gerichtet werden soll. Es gibt kein Gerichtsurteil, keine Justiz. Das ist doch Selbstjustiz. Theoretisch denkbar, dass Vargas Llosa auf irgendwelche Ereignisse in Peru anspielt, in dieser Geschichte aber herrlich übertreibt.

„Tante Julia und der Kunstschreiber“ zollt dem Franzosen Honoré de Balzac Referenz, indem Personen in den Hörspielen später in anderen Hörspielen noch einmal auftauchen lässt. Balzac pflegte dieses in seiner „Menschlichen Komödie“ zu tun. Dieses Verfahren wird aber in den Hörspielen insofern überzogen, dass darin diverse Identitäten ineinander verschmelzen, so dass deren wirkliche Identität nicht geklärt werden kann. Hierin vermute ich einen Spaß, den Mario Vargas Llosa sich geleistet hat.

Ngũgĩ wa Thiong’o: Verborgene Schicksale, Kurzgeschichten

2010-10-29T20:23:00.003+01:00

Geschichten aus dem Land, in dem der heilige Mugumobaum wächst, wo volkstümlicher Aberglaube noch lebendig ist und auf das Christentum prallt, welches von den Kolonialherren ins Land gebracht wurde. Die Geschichten spielen vor dem Mau-Mau-Aufstand, vor dem Unabhängigkeitskrieg gegen die britische Kolonialherrschaft, eine jedoch nach dem Aufstand. „Warum hätte sie auf mich warten sollen? Und wie konnte ich glauben, daß sich bis zu meiner Rückkehr nichts ändern würde,“ sagt Kamau, der aus der Gefangenschaft heimkehrt. Der Mugumobaum ist den Menschen wohl heilig, weil er auch in großer Trockenheit gedeiht. Wenn die die Trockenheit aber so lange dauert, dass der heilige Baum darunter leidet, dann ist es ein Unheil, welches von Wetterpropheten und Medizinmännern vorausgesagt worden ist. „- denn es gibt in unserem Dorf noch immer welche, obwohl ihr Einfluß sich verringert hat.“ Das ist Kenia vor sechzig Jahren, ein Land im Wandel, trotzdem sind nicht alle Spuren von Magie versiegt. So wird der Medizinstudent Mangara, „der mit der europäischen Religion aufgewachsen und in europäischem Geist erzogen worden war,“ von einem Fluch verfolgt, der ihm den Tod einbringt.

Wenn ich über den unsäglich selbstgefälligen Snobismus europäischer Siedler lese, man könne sich so einen Hausboy nicht als Familienvater vorstellen, denke ich an Doris Lessings „Martha Quest". Dann gibt es die kämpfenden Boys, die ihre weiße Herrschaft beseitigen, an dieser Stelle mir der Überfall aus Coetzee's „Schande“ in Erinnerung fliegt. Der Hausboy Njoroge, der auf selbsterkenntliche Weise die Wut auf seine Herrin aus seinem Bauche fegt, muss sterben. Der gute Mensch als Märtyrer. Wir lesen auch von einer Frau in irgendeinem Dorf, die keine Kinder bekommt, deshalb von ihrem Mann geschlagen und verachtet wird....welch eine Schande...die Frau das Dorf verlässt.

Das alles und viel mehr sind Geschichten, ja, ganz bestimmt Ereignisse, die sich in Kenia im zwanzigsten Jahrhundert ereignet haben. Ngũgĩ wa Thiong’o zählt zu den bedeutendsten Schriftstellern Ostafrikas. Diese Erzählungen sind ein kleiner Vorgeschmack auf das Werk dieses Schriftstellers. Menschen an der entscheidenen Schwelle ihres Dasein, danach wird ihr Leben ein anderes sein oder sie finden den Tod. Diese Geschichten berühren und prägen sich ein. Besonders erfreut bin ich, weil Ngũgĩ wa Thiong’o sehr lesefreundlich schreibt. In diesem Jahr erschien sein autobiografisches Werk „Träume in Zeiten des Krieges“ über seine Kindheit, welches ich auch noch besprechen werde. Ich schwärme jetzt gerne, habe noch zwei Romane im Stübchen.

Peter Noll: Diktate über Sterben & Tod

2010-10-03T10:12:00.001+01:00

Dem Schweizer Juristen Peter Noll, Freund von Dürrenmatt und Frisch, wird Blasenkrebs diagnostiziert. In einem Tagebuch vom 28. Dezember 1981 - 30. September 1982 lesen wir seine „Diktate über Sterben & Tod“, doch sie enthalten viel mehr, politische Ansichten, philosophische und religiöse Überlegungen, wir erfahren, dass Trotzki die Atomenergie vorausgesagt hat und Johann Peter Hebel ein Gedicht über die Vergänglichkeit geschrieben hat, darin wir lesen können, wie Basel nach einem Atomkrieg aussieht. Goethe habe im Zauberlehrling die Unbeherrschbarkeit der Technologie vorausgesehen. Es wandelt sich die Aussagekraft von Gedichten im Wandel der Zeiten. Jedes Jahrhundert hat seinen eigenen Blick.

Wie sieht es nun mit dem Blick auf den Tod aus? Weiterleben um jeden Preis? Peter Noll steht die Menschenwürde an erster Stelle.

Zitat von Peter Noll
Ich will nicht in die chirurgisch-urologisch-radiologische Maschine hineinkommen, weil ich dann Stück um Stück meiner Freiheit verliere.

Also keine Operation. Sein Tod solle zelebriert werden, die Gemeinde solle sich mit dem Tod auseinandersetzen. „Nichts soll vertuscht, nichts verharmlost werden, auch den Ausweg der Verdrängung möchte ich versperren.“ Peter Noll legt den Finger in die Wunde christlicher Gläubigkeit, die meist zu verhöhnender Gelegenheitsgläubigkeit verschrumpft ist.. „Wir alle kommen ja nur noch zu Beerdigungen in einer Kirche“, ( man könne hier ergänzen, evtl. noch zu Trauungen), so wird Christentum nicht gelebt, sondern nur gestorben, im letzten Atemzug noch überlegt, vielleicht gibt es doch ein ewiges Leben oder die schwierigste Christenfrage „Was ist Auferstehung?“ - Jesus ist physisch auferstanden, es gebe doch Zeitzeugen, trotzdem, ich weiß, mein Körper verwest doch – hier könnt ich endlos weiterspinnen, aber genau das meint doch Peter Noll. Wir gehen in die Kirche, hören eine Predigt, die schön ist, und am Montag wird wieder gesündigt. Die Praxis des Christentums ist unausgegoren.

Zitat von Peter Noll
Die Exaktheit der Diagnose hat, verglichen mit der Ungewissheit des therapeutischen Erfolges, etwas Absurdes....Der Tumor hat die Blasenwand völlig durchwachsen, und so wie man Tumore eben kennt, will er weiterwachsen.

Noll liest „Mars“ von Fritz Zorn, über einen jungen Mann, der über seine Krebserkrankung schreibt, mit 32 Jahren stirbt. Das Buch ist genau das Gegenteil von dem uns vorliegenden Tagebuch. Zorn, hier passt der Name, schreibt voll Hass und Zorn, offenbar auch über seine bisherige Vergangenheit völlig verbittert. Dieses Buch zu lesen, wäre für mich wahrscheinlich schrecklich. Es ist erstaunlich, wie es Peter Noll gelingt, ein erbauliches Tagebuch zu Papier bringen. Er hat sehr viel zu erzählen, und wenn er über Schmerzen schreibt, dann labt er sich nicht darin, wie entsetzlich das ist, im Gegenteil, er schreibt ziemlich nüchtern:

Zitat von Peter Noll

Meine Schmerzen sind jetzt da, stumpf und schwer, aber ich kann nichts über sie aussagen, weil ich mich auf keine fremde gleichartige Erfahrung berufen kann.

Im Gegensatz zum Tier kann unser Gehirn an den „Tod“ und an „Gott“ denken. Trotz dieser Besonderheit werden diese Gedanken heutzutage gerne verdrängt. Wir sind den Schimpansen ähnlich, lesen wir, schauen uns den toten Verwandten kurz an , befühlen ihn und wenden uns ab. Für Freunde wäre es einfacher, ein Krebspatient liege im Krankenhaus, schon abgeschoben, vielleicht verabschiede man sich noch, das war's. So beobachtete Peter Noll einen Schwund an Freundeskontakten. Ich denke mir, für einen Kranken ist es doch immer schön, wenn er Kontakte pflegen kann, Freunde unbeschwert auf ihn zu kommen können. Aber es liegt eben in der Luft, Menschen meiden die Berührung mit dem Tod. Ein Krebskranker steht schon mit einem Bein außerhalb unseres Daseins, wohin niemand möchte. „Noch totaler verdrängt ist die Gottesvorstellung“, sagt Noll, auch in meiner Umgebung, so habe ich den Eindruck, laufen mehr Agnostiker und Atheisten herum, obwohl bei religiös-fundamentalistischen o.ä. Richtungen heute eher ein Zulauf zu beklagen ist (Nolls Tagebuch erschien posthum 1984). Noll hat die Begabung sehr feine kompakte Zitate an den Mann zubringen, die sich für mehr noch als nur für Kalenderblätter eignen. Drei Beispiele:

Zitat von Peter Noll

Das Gehirn denkt Gott. Das heisst nicht, dass es ihn geben muss, das heisst aber zwingend, dass die Frage nach ihm unabweislich und dass der empirische Positivismus eine lahme Ente ist.

Zitat von Peter Noll

Die Bedürfnislosigkeit macht freier als die Erfüllung aller Bedürfnisse.

Zitat von Peter Noll
Der Todkranke, der sich der medizinischen Apparatur übergeben hat, ist wirklich hilflos, weil die Hilfe, die er bekommt, kalt ist.

Überrascht war ich, als Peter Noll über Hoimar von Ditfurth's Buch „Wir sind nicht nur von dieser Welt“ erzählt. Das Buch vermittelt „die Idee,“ so Noll, „die Evolution der Welt sei die noch im Gange befindliche Schöpfung und ihr Ende münde ins Jenseits, wo der Geist herrsche, ist imposant und plausibel." Das ist famos und erinnert mich an Ken Wilber „Halbzeit der Evolution“. Von Hoimar von Ditfuth habe ich „Am Anfang war der Wasserstoff“ gelesen und wusste gar nicht, dass der Autor spirituell veranlagt ist. Das Buch strahlt von Optimismus, Peter Noll gibt hier einen leichten Dämpfer, denn er weist darauf hin, der Autor verschweige schamhaft, „dass das Gesetz der Evolution, jedenfalls auf dieser Erde zur Vernichtung führen wird.“ Ich denke, Noll hat das Wettrüsten der Atommächte im Hinterkopf. Nun, unseren blauen Planeten gibt es heute noch.

Epilog

Was bringt es, sich zu verewigen, sei es in Weltliteratur, Musikgeschichte oder Kunstgeschichte. Falls man „nach dem Tode in irgendeiner Form als dieselbe Persönlichkeit weiterlebt“, kann dieses doch egal sein. Der Drang nach Verewigung, so Noll, setze voraus, dass man an eine Existenz nach dem Tode nicht glaube. Der Autor schließt in dieser Hinsicht allerdings die magischen Vorstellungen der Alten Ägypter aus, für die das Jenseits nur ein verlängerter Arm des Diesseits gewesen war. Die „Diktate über Sterben & Tod“ sollen nicht von Ewigkeitsvorstellungen geleitet sein, nur davon, der Leser möge „sich mit Sterben, Tod und Jenseitsvorstellungen schon im Leben auseinandersetzen“. Die Bewusstheit, das Leben ist begrenzt, hat für den Autoren dieser Diktate einige Vorteile verschafft. Die Sinnoasen suche er sorgfältiger aus, manches werde zur Sinnoase, wofür er früher achtlos vorbeigegangen sei. Unwichtiges wird beiseite gelassen, er konzentriert sich auf das Wesentliche, auf das, was wirklich noch wichtig ist. Ich denke, Menschen, die sich in ähnlicher Situation befinden, geht es ähnlich wie Herrn Noll. Unser aller Leben ist begrenzt. Wenn wir das Bewusstsein haben, der nächste Atemzug könne unser letzter sein, dann wären wir Menschen wirklich in der Gegenwart angekommen und würden uns keine Gedanken oder Sorgen um den nächsten Tag machen. Vor der Lektüre habe ich nicht wissen können, welche Freude mir dieses Buch schenken würde.

Max Frisch: Entwürfe zu einem dritten Tagebuch - hierin schreibt er über den Tod seines Freundes.

Jenö J. Tersánszky: Auf Wiedersehen, Liebste!

2010-09-20T18:48:00.003+01:00

Viele bekannte Kriegsromane, die sich mit dem ersten Weltkrieg auseinandersetzen, seien es die von Ernst Glaeser („Jahrgang 1902“), Ludwig Renn („Krieg), Alexander Moritz Frey („Die Pflasterkästen“), Erich Maria Remarque ( „Im Westen nichts Neues“), Edlef Köppen („Heeresbericht“) oder auch andere, sind nach dem Krieg entstanden. Nun fiel mein Blick ins Bücheregal auf ein schmales Taschenbuch, welches einige Jahre klanglos im Regal vor sich hin vegetierte: Der Roman des ungarischen Schriftstellers Jenő J. Tersanszky „Auf Wiedersehen, Liebste!“ Hört sich an wie Rosamunde Pilcher, die mal ein Happy End weggelassen hätte. Dieser Roman entstand bereits 1916.

Jenő J. Tersánszky (1888 – 1969). In seinen jungen Jahren wollte er sich der Musik verschreiben, aber nie verschmerzen können, dass er es nie getan hat. Er begann mit dem Studium der Malerei, landete schließlich in der Juristerei. In den wenigen Jahren seiner Tätigkeit als Assessor machte er sich einen Namen als Anwalt der Armen. Allerdings trieb er dann wieder woandershin und begann mit dem Schreiben. „Mit der Feder glaubte er den Entrechteten, Gestrandeten und im Leben schlecht Davongekommenen am besten dienen zu können.“ So formuliert es Almos Csongár im Nachwort, der bei dem Autoren mal zu Besuch war.

Zitat von Almos Csongár

Als ich aus dem Bus stieg, erkannte ich ihn sofort, obwohl ich ihn noch nie gesehen und wir telefonisch kein Erkennungszeichen verabredet hatten.

Da man im deutschsprachigen Internet kaum oder gar nichts über Tersánszky findet, bin ich für das Nachwort sehr dankbar. Er war Kriegsfreiwilliger. Im Frühjahr 1915 ist in seinem Tagebuch vermerkt:

Zitat von aus dem Tagebuch von Tersánszky

Vom Oberst aufwärts bereichert sich jeder....Der General riskiert rein gar nichts für sein Riesensold, während der einfach Soldat für einen nichtigen Sold alles riskiert.

Um einer Zensur zu entgehen, und als aktiver Soldat nicht vors Kriegsgericht zu landen, verlegt er die Romanhandlung in den Ostzipfel Europas, in ein Dorf in Galizien. Der Panslawismus bringt Russland dazu, Polen im ersten Weltkrieg zu annektieren, und die Polen, so erlesen wir es im Roman, haben große Angst vor den Russen. Sie sind im Anmarsch und jeder der kann fllieht aus dem Dorf. Auch Nela eine 24 jährige Frau, die nach dem Bankrott und Selbstmord ihres Vaters beim Großvater unterkommt, macht, nachdem sie erst davon geträumt, einmal doch die große Liebe ihres Lebens zu begegnen und hoffend nicht als Mauerblümchen in qualvoll vergeblichen Träumen zu versumpfen, einen Fluchtversuch, der allerdings scheitert. Die Russen sind da, man hört das Brüllen der Kanonen. Offenbar befindet sich das Dorf an der Frontlinie. Nela lernt den russischen Offizier Nikolai, der im Hause vorübergehend Unterkunft findet, kennen und lieben. Es ist natürlich klar, aus dieser Liebe kann nie etwas werden. Der Offizier wird wieder ins Kriegsgetümmel gerufen, vorher Nela allerdings wegen ihrer Wollust in einen moralischen Engpass gerät, und sie, nachdem der Offizier fort ist, allerdings ein leichtes Mädchen wird. Die Liebe zu dem Offizier hatte keine Spur Hoffnung auf Dauer. Geschildert wird der soziale und moralische Abstieg eines an sich anständigen Mädchens im ersten Weltkrieg. Unanständig und brutal ist nur der Krieg, der alle Lebensperspektiven zerstört. Lieber einmal der Wollust erliegen, als ein Mauerblümchen im Sehnsuchtsfieber bleiben, scheint doch der Tod nicht fern. Na, ja, wie war's denn bei Lew Kopelew? Frontehen. Die Liebe in Zeiten des Krieges ist für uns heute in Deutschland kaum vorstellbar.

Dieser Roman ist sicher kein Meisterwerk ungarischer Erzählkunst, aber doch ein unterhaltsamer Roman, der immerhin die Atmosphäre von damals spiegelt. Darum erinnert mich der Roman, auch wenn Tersánszky nichts von der Raffinesse eines Perutz hat, gerne an die Zeit von „Wohin rollst du Äpfelchen“. Trotzdem, ich lese gerne Romane aus dieser Zeit, weil sie doch so ganz anders sind, als Romane heutzutage. Darin liegt der Reiz.

Marguerite Duras: Ganze Tage in den Bäumen

2010-09-08T16:05:00.003+01:00

In dieser Erzählung bläst einem zwischenmenschliche Kälte in die Knochen. Nach fünf Jahren sieht eine Mutter ihren Sohn erstmals wieder. „Er blickte beiseite, um ihrem eingefallenen, farblos gewordenen Blick nicht zu begegnen.“ Das ist der erste Satz der Erzählung, der die Geschichte einer Entfremdung zwischen einer Mutter und ihrem Sohn einleitet. Der Sohn tingelt sich durchs Leben und hat einen Job, der keine spezielle Bezeichnung hat. Als Junge hielt er sich „Ganze Tage in den Bäumen“ auf, „als gäbe es nichts weiter auf der Welt als das, als die Vögel...“ Eine Hure lebt mit ihm in seiner Wohnung, er liebt sie nicht, arbeitet aber mit ihr zusammen in einem Etablissement. Dann taucht die Mutter auf, die erst spät reich geworden ist, viel Edelmetall blinkt an ihren Armen, aber sie steht vor dem Scherbenhaufen ihres Lebens. Ihre Kinder kommen ohne ihre Mutter aus, der Reichtum erscheint ihr selbst wie ein Unheil, an dem sie sich nicht gewöhnt hat. Ihr Sohn steht wie auf Glasscherben kurz vorm Umfallen. Zwei Stunden wartet er im Morgengrauen auf die erste U-Bahn, die ihn „restlos blank“ heimfahren soll, „dann sagt man sich manchmal, daß das nicht immer so weitergehen kann.“ Die Mutter will sich in das Leben ihres Sohnes einmischen, kommt aber nicht weit damit. Im Grunde genommen eine ziemlich frostige Geschichte, und der Sohn wäre froh, wenn er von dieser alten Frau endlich wieder loskäme.

Soll ich so eine Geschichte schön finden?. Marguerite Duras bläst mir Kälte in die Knochen. Sprachlich dünnhäutig wie man es von ihr gewohnt. Es besteht eine Einheit zwischen dem Inhalt und den Gefühlen, die mir als Leser übertragen wurden. Darum gut. Meine Verehrung, aber meine große Liebe bleibt
„Der Liebhaber“.

Junichiro Tanizaki: Der Schlüssel

2010-08-29T14:26:00.001+01:00

„Der Schlüssel“ - das ist einerseits der Schlüssel, mit dem er die Schublade abschließt, in dem sich sein Tagebuch befindet und andererseits ist der Schlüssel das geheime Tagebuch, welches er vor seiner versteckt. Ein intimes Bekenntnis über sein Sexualleben. Seine inzwischen 45 jährige Frau ist in eine der ältesten Familien Kyotos hineingeboren und nach konfuzianischen Vorstellungen erzogen worden. So legt sie noch heute nach 20 jähriger Ehe großen Wert auf althergebrachte Moralvorstellungen, gibt dabei allerdings ein gekünsteltes Frauenbild vorgeblicher Sittsamkeit ab, scheinheilige Fraulichkeit, gespielte Vornehmheit (das behauptet zumindest ihr Mann in seinem Tagebuch) –, sodass ihr prüdes Sexualleben und Ehetreue wie eine Selbstlüge erscheint. Diese Ehe wurde von ihren Eltern in die Wege geleitet, so musste sie einen Mann lieben, der, wie sie sagt, erotisch nicht zu ihr passte. Tanizaki, ein Gegner erstarrter Moralvorstellungen, legt in diesem Roman sehr deutlich nah, was er von diesem Anachronismus hält. Nämlich nichts.

Der Universitätsprofessor pflegte ein gelangweiltes Sexualleben mit seiner prüden Frau, damals in den 50er Jahren des 20. Jahrhunderts als Sex noch ein Tabuthema war. Man redet nicht über Sex, man will es es aber traut sich nicht. Mit seiner Frau Ikuko konnte er über dieses Thema niemals reden. Ein Tagebuch ist der notgedrungende Ausweg, auf diesem Wege endlich von seinen intimen Wünschen sorglos alles preisgeben zu können, in der Hoffnung, niemand möge es lesen. Doch ganz im Stillen quillt der Wunsch, Ikuko möge den Schlüssel finden und in seinem Tagebuch stöbern. Das ganze wird auch umgedreht, denn auch Ikuko schreibt ein intimes Tagebuch, auch hier der geheime Wunsch, der sich in einer Befürchtung ausdrückt, ihr Mann könne ihr Tagebuch finden.

Weil ihm die Tagebücher offenbart werden, wird der Leser Zeuge von Intimitäten eines Ehepaares.
Spannung wird erzeugt, weil wir diese aus unterschiedlicher Perspektive der Betroffenen erzählt bekommen. Das Tagebuch birgt Überraschungen, nicht wegen pikanter Textstellen, nein, der Text ist ohne rote Ohrwascheln lesbar. Die Konsequenz, die sich aus dem Text ergibt, ist der Hammer. Ach, natürlich, wie in vielen Liebesromanen so auch in diesem, da macht der eine Partner, damit er den anderen an sich binden kann, eifersüchtig. Wohin das führt, ist eben hier nicht mehr trivial. Ein intelligentes Büchlein welches Neugier auf eine Konfuzius-Lektüre bereitet.

W. G. Sebald: Die Ausgewanderten

2010-08-16T16:44:00.001+01:00

In vier Erzählungen, mit einer kürzeren fängt es an, die folgenden Erzählungen werden immer länger. Sebald erzählt vier jüdische Schicksale, vier Menschen, die ihre Heimat verlassen mussten und daran zerbrechen.

Ich freue mich, wieder etwas von Sebald zu lesen, dessen Prosastil mir außerordentlich gefällt. In der ersten Erzählung um Dr. Henry Selwyn geht Sebald in detailierte Beschreibungen, verliert sich aber nicht darin. Ich war ja immer gespannt, wann wird denn endlich über den zweiten Weltkrieg erzählt? Und dann: Gar nicht. Das ist das außerordentliche an dieser Geschichte, sie kommt ganz leise daher und endet mit einem Knall. Während des Lesens habe ich mir keine Gedanken darüber gemacht, warum Selwyn im Garten liegt, warum er mit dem Gewehr in die Luft schießt. Erst so ziemlich am Schluss wache ich auf: Eine Scheidung und Selwyn spricht mit Pflanzen und Tieren. Jetzt erst wird die Psychodramatik des Herrn Selwyn erahnbar. Die Heimatlosigkeit hat ihn in die Einsamkeit getrieben, ließ er sich doch auch nur selten bei seinen Gästen blicken. Als er im Gras lag, na ja, da hat er mit den Pflanzen geredet, eine fast unerträglich schmerzvolle Metapher für das Abgedriftetsein aus dem Leben. Dass die Psychodramatik so still und leise herumschleicht ist das besondere an dieser Geschichte. Amüsant für mich dagegen, im Buch ein Bild von Vladimir Nabokov als Schmetterlingsfänger zu finden, welches mir zufällig bekannt ist.

So etwas besonders gelungenes, in der deutschsprachigen Literatur zu lesen, ist sehr erfreulich.

"..so kehren sie wieder die Toten"-

indem Sebald über Emigranten erzählt, die alle durch Suizid in den Tod gegangen sind, kehren eben auch diese Toten wieder. Der Verlust von Johannes Naegli, der in den Bergen umgekommen ist, war für Herrn Selwyn wie ein Stück Heimat, welches zu Bruch gegangen ist. Nach über siebzig Jahren kehrt dieser Tote wieder in das Bewusstsein von Menschen. Bemerkenswert auch die Auswanderung aus Litauen/Riga. Selwyn glaubt, er sei in New York, dabei ist er in London angekommen; das ist ein Bild von Verlust und Wirrnis in Zeiten der Emigration, wenn man so will eine Bodenlosigkeit, ein Leben in der Schwebe.

Die Erwähnung und Abbildung des Fotos von Nabokov mit Schmetterlingsnetz ist auch Programm, denn auch Nabokov war Emigrant, zumal außerdem noch in der zweiten Erzählung die Autobiografie des Exilrussen Erwähnung bekommt.

In der zweiten Erzählung geht es um den engagierten Dorfschullehrer Paul Bereyter, dem die Nazis ein Lehrverbot erteilt hatten, obwohl er zu dreivierteln doch ein Arier war. Warscheinlich war er noch nicht mal ein Jude sondern ein Katholik, der den Katholizismus erbittert bekämpfte, vielleicht inzwischen sogar ein Atheist, kannte er doch einen atheistischen Schusterund verfasste Pamphlete gegen die alleinseligmachende Kirche. Es wird ein Judenprogrom in der Heimatstadt seines Vaters erwähnt, der letzten Ende zwei Jahre später daran aus Wut und Furcht gestorben ist, dessen Frau eine Christin war. Hier wird natürlich der brutale Unsinn der Nazis vorgeführt. Das Böse ist immer unlogisch und dumm.

Natürlich ist es riskant, die Texte mehr und mehr zu zerpflücken. Der Lesefluss, dieses dahintreiben, ist wunderbar. Alles in einem Rutsch zu lesen, wäre eine Wohltat. Diese Zeit steht mir leider nicht zur Verfügung (vielleicht später mal, zwei Tage in der Klause oder so).

Was für eine schaurige Wahl der Todesart. Freiwillig lässt sich jemand in die Psychiatrie einweisen, mit Elektroschocks behandeln, genauer gesagt, zu Grunde richten, um aus dem Leben zu scheiden. Im Text schwingt eine Psychiatriekritik der alten Schule mit. Die Elektrokrampfbehandlung, angeblich ein Segen für die Psychiatrie der fünfziger Jahren des 20. Jahrhunderts, machte so manchen Patienten wie den Onkel des Erzählers, dem Herrn Ambrose Adelwarth, zum körperlich- und geistigen Krüppel, in unserer Geschichte vom Patienten allerdings gewollt, der, so scheint es, mit einer Fehldiagnose, also noch ein Schlag ins Gesicht der antiquierten Psychiatrieschule, in der Anstalt seinen Tod entgegenfiebert.

Bei Ambros, die gleichen Beobachtungen wie beim Dorfschullehrer Bereyter: er steht irgendwo und sein Gesicht von unendlichem Leid gekennzeichnet. Zu Beginn seiner Karriere war Ambros ein angesehener Koch in diversen Hotels in Europa/Japan. In der zweiten Erzählung wissen wir nicht, warum Bereyter wieder nach Deutschland gegangen ist, wir wissen auch nicht, was er genau im zweiten Weltkrieg erlebt hat. Bei Ambros Adelwarth wird auch einiges in der Schwebe gehalten. Im Zuge der großen Auswanderungswelle zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts kommt er nach Long Island, arbeite als Butler bei den Solomons, einer reichen jüdischen Bankiersfamilie. Wir wissen nicht, was für eine besondere Verbindung Ambros zu dem Solomon-Sohn Cosma hatte, nur, dass die Verbindung tragisch gewesen sein soll. Dem Vater fiel das auschweifende Leben des Sohnes, ein Leben ohne Zukunft auf, wollte dem Sohn die Geldzufuhr kappen, da beschließt Cosma, mit Ambros durch Europa zu reisen. Anhand dieser Reise macht Sebald deutlich, was für ein Riss der Welt bevorsteht. Wir befinden kurz vor dem Zweiten Weltkrieg. In Europa hat Cosma unverschämt viel Glück im Roulette, dass es schon entrückt und unrealistisch ist. Der Ausbruch des Krieges drängt ihn in eine erste Nervenkrise, an deren Folgen er erst viel später stirbt - Ambros, dann im Hause der Solomons wie eine entrückte einsame Gestalt seinen Dienst tut. Der Zusammenbruch der Familie Solomon als Metapher für eine zusammengebrochene Zeitepoche, die nie wieder auferstehen wird.

Auffallend ist, in dieser Erzählung erzählt nicht nur unser vertrauter Erzähler, sondern auch Onkel Kasimir und Tante Fini, auch der Psychiater Abramsky, die einiges über des Onkel Adelwarth zu sagen wissen. Es gibt hier also mehrere Ich-Erzähler, die Sebald geschickt im Text einverleibt.

Vielleicht ist ja die dritte Erzählung die schönste, obwohl es ja Unfug ist, hier noch die sog. schönste Erzählung herauszuperlen. Alle Erzählungen sind wunderbar. Sebald bleibt seinem Stil treu. Den Erzählungen liegen wahre Begebenheiten zu Grunde, diese Exilanten hat es wirklich gegeben. Ein Sebald-Lexikon klärt auch auf, wer Max Aurach war. Dieses hat mich doch erstaunt. Man könnte hier wirklich noch sehr viel entdecken. Seitdem ich "Austerlitz" gelesen habe, gehört Sebald für mich zu den großen Deutschen. Ein Platz in Walhalla gefällig?

Max Aurach ist der Maler Frank Auerbach. Aucherbachs Workaholic kommt auch in der Erzählung zur Geltung, er komme oft wochenlang nicht aus dem Haus und arbeite, wenn wir die herrliche Beschreibung von Aurachs Schaffen eines Portraits betrachten, sehr intensiv, wenn nicht verbissen:

"Entschloß sich Aurach, nachdem er vielleicht vierzig Varianten verworfen beziehungsweise in das Papier zurückgerieben und durch weitere Entwürfe überdeckt hatte, das Bild, weniger in der Überzeugung, es fertiggestellt zu haben, als aus einem Gefühl der Ermattung, endlich aus der Hand zu geben, so hatte es für den Betrachter den Anschein, als sei es hervorgegangen aus einer langen Ahnenreihe grauer, eingeäscherter, in dem zerschundenen Papier nach wie vor herumgeisternder Gesichter."

Mir kommt dabei die Assoziation, hinter dem Portrait geistern Gesicher von Juden herum, die den Holocaust nicht überlebt haben. In dem oben gegebenen link zu den Werken des Malers, ist leider nicht das Schwarzweißportrait aufgeführt, welches im Buch angebildet ist, doch auch bei diesen abgebildeten Portraits hat man den Eindruck, der Maler habe diverse Vorstudien übermalt. Sebald hat wunderbar den Eindruck von Auerbachs Portraikunst charakterisiert.

José Saramago: Hoffnung im Alentejo

2010-07-28T08:58:00.003+01:00

Im Dorf Azinhaga gibt es ein kleines Museum und ein Denkmal, denn hier ist José Saramago am 16. November 1922 geboren. Das Gymnasium musste er abbrechen, weil seine Eltern, obwohl Saramagos Vater Polizist war, dieses nicht mehr finanzieren konnten. So ist es doch die Armut, die José Saramagos Lebensweg eine andere Richtung vorgegeben hat. Er wird Maschinenschlosser.

Mit den Romanen "Hoffnung im Alentejo" und "Das Memorial" erlangte er seinen schriftstellerischen Durchbruch. In "Hoffnung im Alentejo" entfaltet sich erstmals die Kunstsprache, die seine kommenden Romanwerk durchwebt. Saramago war Atheist, Blogger und Attac-Mitglied. Den Roman " Das Evangelium nach Jesus Christus" hielt die katholische Kirche für blasphemisch, wegen diesem Roman die portugiesische Regierung dem Autor den europäischen Kulturpreis versagte.

In "Hoffnung im Alentejo" erzählt Saramago die Geschichte einer Tagelöhnerfamilie über vier Generationen, begonnen um 1900 bis zur Nelkenrevolution. Die Landbevölkerung ist geprägt von unsäglicher Armut. Unter Großgrundbesitzern leisten sie Fronarbeit von Sonnenaufgang bis Sonnenuntergang. Domingos Mau-Tempo, der erste Spross der Familie, zieht mit Esel. Karren, Frau und Kind über das Land. Es regnet fürchterlich. Man könnte leicht denken, ganz Portugal weine in Strömen, denn Domingos, der Schuster, wird in seinem Leben nichts erreichen, nur, er ist ein Säufer, der eine Nachkommenschaft leerer Mägen hinterlässt.

"...was soll ein Mann sonst tun, wenn er Frau und Kind hat - diese Gesichter mit vor Hunger großen Augen - die ihr Kinn über den kärglich gedeckten Tisch recken und die mit angefeuchtetem Zeigefinger die Krümel jagen, als wären es Ameisen."

Also Streik. Es soll nur das gefordert werden, was den Arbeitern zusteht, doch wird der Aufstand von der Guarda, den Handlangern der Diktatur niedergeschlagen.

"...sie halten die Gewehre im Anschlag, ohne sie fühlen sie sich nicht als Menschen."

Es folgt Gefängnis, Folter, manche finden den Tod.

"Die Ameisen erschrecken sich, als diese große Masse plötzlich von oben herabfällt, aber sie werden nicht getroffen, nicht einmal gestreift. In der Zeit, in der sie ihn liegenlassen, hält sich eine Ameise an seiner Kleidung fest, sie will ihn von nahem sehen, dumm ist sie, denn sie wird zuerst sterben. Genau dort, wo sie gerade ist, fällt der erste Knüppelschlag herab, den zweiten spürt sie bereits nicht mehr...."

"Jedes Jahr zur gleichen Zeit ruft die Heimat ihre Söhne." Jeder weiß, Krieg bringt Verderben, Kriegswaffen sind Erzeugnisse von Unmenschlichkeit. Saramago braucht dieses gar nicht so direkt sagen sondern zielt bewusst auf die Wirkung des Textes ab. Genau so entsteht gute Literatur. Saramago lässt eine Stimme sprechen, die immer lauter und eindringlicher zu werden scheint, als ob diese Stimme mit voller Wucht die Schädeldecke des Lesers durchdringen will, sich im Schädel festnageln will. Meine Zusammenfassung der ersten paar Zeilen dieser Passage wirkt sehr lächerlich, wenn ich sie den Worten Saramagos gegenüberhalte. Schließlich gehe ich teilweise doch in Saramagos Text über, weil ich es nicht lassen kann. António Mau-Tempo soll den Dienst an der Waffe antreten. "Die Heimat ruft ihre Söhne." Bisher waren sie ja nichts wert gewesen. An der Tür des Gemeindehauses hängt ein Zettel auf dem Namen geschrieben stehen. Da António nicht lesen kann, tippt einer "mit dem Zeigefinger auf die Linie, die sich wellt wie ein schwarzer Regenwurm, das bist du, dieser Regenwurm ist dein Name, den der Schreiber des Rekrutierbezirks geschrieben hat..."

José Saramago hat ein Roman über das Leiden Portugals geschrieben, nicht nur über geflossenes Blut des zwanzigsten Jahrhunderts, sondern dieses Blut schließt das geflossene Blut der Jahrhunderte davor mit ein. Es ist auch kein Zufall, dass die Sippschaft von Domingos Mau-Tempo der Frucht eines vergewaltigten Mutterschoßes aus dem fünfzehnten Jahrhundert entstammt.

Über weiteste Strecken des Romans könnte der Leser den Eindruck gewinnen, Saramago hätte seinen Roman lieber Hoffnungslos im Alentejo nennen können, doch glaubte der Autor an die Möglichkeit einer besseren Welt. Einzigartige Kunstsprache, authentisch. José Saramago war ein großer Kenner der Geschichte seines Landes.

Yasunari Kawabata: Die schlafenden Schönen

2010-06-25T11:39:00.003+01:00

Ein Blick in die japanische Literatur lohnt sich. Erst Tanizaki und dann dies: Yasunari Kawabata: „Die schlafenden Schönen“. Wer die literarische Vorlage zu Gabriel Garcia Marquez' "Erinnerung an meine traurigen Huren" sucht, wird bei den schlafenden Schönen fündig. Bei Garcia Marquez verliebt sich in einem Bordell ein 90 jähriger Mann in einen schlafendes vierzehnjähriges Mädchen. Zum ersten Mal ist er so richtig verliebt, berührt das Mädchen aber nicht, schwebt dafür aber im siebten Himmel, als er wieder auf die Straße geht. In Kawabatas „Die schlafenden Schönen“ gehen Greise in ein Bordell, in dem sie sich neben schlafenden jungen Frauen (sehr jung, so zwischen 16 und 20 Jahre alt) legen, die in einem Tiefschlaf versetzt worden sind, aus dem sie des Nachts, wenn sich alte Männer zu ihnen ins Bett legen, niemals aufwachen, niemals bekommen sie mit, wer neben ihnen im Bett liegt. Im Bordell gibt es eine Regel: Die Mädchen dürfen nicht befleckt werden.

Wir erlesen uns fünf Nächte, die der siebenundsechzigjährige Eguchi dort verbringt. Er genießt den Anblick der schlafenden Schönen, lässt sich vom Duft der Frauen aufsaugen. Yasunari Kawabata versteht es außerordentlich gut, diese Mädchen sinnlich, aber nicht distanzlos zu umschreiben. Jedesmal verfällt Eguchi in eigene Gedanken.Er denkt an Frauen, die er gehabt hat, er denkt an seine Töchter und an die Frau, die er mal für wenige Nächte hatte. Das Leben passiert Revue, doch auch jede Nacht bei den Schlafenden ist eine Steigerung der Versuchung, die Mädchen zu verführen, ihnen ihre Unschuld zu nehmen, wo bei in diesem Text deutlich heraussticht, was für ein lächerlicher Anblick es ist, wenn alte Greise neben jungen Mädchen liegen und was für ein Verbrechen es wäre, sich wehrlosen Mädchen zu bebächtigen. Der Anblick auf die Wehrlosigkeit junger Frauen führt zu düsteren Phantasien, in seelische Abgründe. Ein Buch über das Alter, Frauen, Tod und Einsamkeit. Gerade durch diese tieferen Dimensionen hebt sich Kawebatas Roman von Garcia Marquez' traurigen Huren deutlich ab. Auch sprachlich überzeugt der Japaner. Der Kolumbianer schrieb nur ein verträumtes Märchen.

Yasunari Kawabata (1899-1972) erhielt 1968 den Literaturnobelpreis. Seine Novelle "Schneeland" (1937) galt kurz nach der Veröffentlichung schon als Klassiker.

Junichiro Tanizaki: Insel der Puppen

2010-06-20T10:05:00.003+01:00

Ich habe kein Problem, "Insel der Puppen" in die Galerie großer Eheromane zu stellen. Dieser Roman vermittelt Zeitlosigkeit und wird immer lesbar bleiben und hoffentlich bei uns im Westen immer präsent bleiben, wobei mir schon graumelt, diese kostbaren 150 Seiten schon wieder in antiquarische Kisten zu sehen. Der Roman ist aus dem Japanischen ins Amerikanische übersetzt worden, Curt Meyer-Klason schenkte uns die deutsche Version. Wir wissen überhaupt nicht, wie der Roman in Japanisch auf uns wirken würde. Die deutsche Übersetzung finde ich großartig. Ich kann diese Sprache nur als zart und voll von Grazie bezeichnen, so zart wir Kirschblüten (oder sind Kirschblüten in Bezug auf Japan auch nur ein Klischee?). Trotz dieser sprachlichen Anmut ist der Roman keineswegs versüßlicht. Ich kann mir vorstellen, die deutsche Übersetzung könnte wirklich in etwa die Athmosphäre vermitteln wie das japanische Original.

Der Beginn des Romans schon famos. Kaname und Misako ist unfähig Entscheidungen zu treffen wie dann auch in Sachen der Scheidung.

"Vorsichtig ihrem Blick ausweichend, sah er sie an. Genaugenommen musterte er nur ihre Kleidung und bemühte sich, darin eine Absicht zu erraten, die ihm seinen Entschluß zu erleichtern ermochte."

Hier wird uns schon die Entfremdung zwischen Kaname und Misako, mustert man doch nicht nur die Kleidung einer Frau, sondern das erotische dabei ist, dass der Betrachter ahnen möchte, was unter der Kleidung ist. Aber diese Erotik ist dem Ehepaar schon längst verpflogen, eine körperliche Anziehung gibt es nicht mehr. Darum schreibt Tanizaki auf der ersten Buchseite so völlig unerotisierend und leitet auf diese Weise in das Thema des Romans ein. Gerade diese Verhaltensweisen, die kleinen Gesten wie im Zitat, haben ihren besonderen Reiz.

Tanizaki thematisiert in seinen Romanen den Kontrast zwischen Tradition und Moderne. Die Unfähigkeit in Sachen der Ehescheidung eine Entscheidung zu treffen, liegt eben in der alten Tradition, die Misakos Vater verkörpert. Befürchtungen liegen klar auf der Hand. Wie wird der Vater reagieren? Der Vater könnte sich wegen der öffentlichen Meinung dazu gezwungen sehen, seine Tochter zu verleugnen, wenn eine Scheidung public würde. So lebt das Ehepaar zum äußeren Schein des Wohlgefallens zusammen und lässt sich nichts anmerken, dass die Ehe eigentlich schon längst ausgelebt ist. Kanane ist derjenige, der besonders im Zwiespalt zwischen Tradition und Moderne steht. Er möchte Traditionen brechen, bringt dieses aber nicht fertig. So weist er desöfteren auf den westlichen Lebenswandel hin, wo die Scheidungsrate sehr hoch ist (wohl gemerkt, der Roman entstand 1929) und kritisiert die Edoepoche, jenem Zeitabschnitt von zweieinhalb Jahrhunderten vor der Restauration von 1868“, der Epoche, in der Shogune (Militärdiktatoren) herrschten.

"Die Edokultur war geprägt von Derbheit der Kaufmannsschicht, und wohin man auch sah, überall begegnete man dem Dunst des Marktplatzes...die bloße Tatsache, dass er ein Kind der Handelswelt war, ließ ihn ihre Unzulänglichkeiten, ihre Vulgarität und ihre überwiegende Besitzgier besonders deutlich empfinden. Seine Antwort darauf war sein Streben nach dem Erhabenen und Vergeistigten..."

Beim weiblichen Geschlecht suchte er wie auch in der Kunst nach dem Göttlichen. Auch wenn er es nirgendwo fand, steigerte sich gerade deswegen seine Sehnsucht danach.

Kaname überkam eine schmerzliche Empfindung von Einsamkeit und Armut, wenn er an das Gefühlsleben des Japaners dachte, dem gerade das Bedürfnis nach Verehrung fehlt.

Herrlich finde ich Kananes Ausflüchte und Ausreden, wie er das Problem vor sich hinschiebt, seinem Sohn vom Vorhaben der Trennung zu erzählen. Hier wird das Tragische mit dem Komischen vereint.

Der Roman ist absolut lesenswert und wir erfahren so einiges von der Tradition des japanischen Puppentheaters (Bunraku).

John Boyne: Der Junge im gestreiften Pyjama

2010-06-06T12:55:00.005+01:00

„Der Junge im gestreiften Pyjama“ ist ein Jugendbuch. Weil der Vater zum Kommandanten befördert worden ist. Erzählt wird die Geschichte aus der Perspektive des neunjährigen Bruno, der protestiert, seine Freunde in Berlin verlassen zu müssen. Der Neunjährige, sehr naiv und unwissend dargestellt, glaubt in „Aus-Wisch“ zu sein. Aus dem Fenster des neuen Hauses kann er in die Ferne schauen. Er schaut über einen Stacheldraht und erkennt, hinter dem Stacheldraht leben viele Menschen, er aber, außerhalb des Stacheldrahtes fühlt sich allein, bis er eines Tages den Stacheldraht entlanggeht, und den Jungen Schmuel, der auf der anderen Seite lebt, begegnet. Sie unterhalten sich und werden Freunde.

Dieses dürfte zum Einstieg reichen. Schreiten wir zur Kritik:

Ich frage mich, warum jemand einen Roman über Auschwitz schreibt, der das unsagbare Grauen des fast Unmöglichen auch im Ansatz nicht vermitteln kann. Es ist ein schlechtes Jugendbuch, weil ein 12 Jähriger, der nichts von Konzentrationslagern weiß, den Roman nicht versteht, einem erwachsenen Leser wird die Sprache zu simpel sein. Also: Wer soll das lesen? Die Sicht aus der Perspektive eines Jungen ist Imre Kértesz meilenweit besser gelungen, weil der"Der Junge im gestreiften Pyjama" "Roman eines Schicksallosen" dem Leser weitaus mehr transportiert, wie es in den Vernichtungslagern zuging, dieser Roman ist auch literarisch ausgereifter. Boynes Roman dagegen, abgesehen vom Schluss, eher nichtssagend, zu lasch. Ein Roman ohne Wirkung. Total verflacht und verniedlicht. So sagt Bruno, da sein Vater der Kommandant ist, kann es hinter dem Stachelddraht doch nicht schlimm sein. Wie zynisch muss es Juden in den Ohren klingen, wenn Bruno dauernd von „Aus-Wisch“ redet, weil er die richtige Namensgebung nicht verstanden hat. Seine etwas ältere Schwester Gretel hätte ihm das leicht korrigieren können. Wunderlich, viele Erwachsene mögen den Roman. Unserer Jugend kann man ohne weiteres mehr Inhalte über den Nationalsozialismus anbieten. Junge Menschen werden lieber nach dem Räuber Hotzenplotz oder nach Harry Potter greifen. Wie spannend waren Enid Blyton's Fünf Freunde. Mal ernst: Lese man doch unter dem Gesichtspunkt, was man Jugendlichen vom Grauen der Nazis zumuten kann, „Julians Bruder“ von Klaus Kordon.

Bruno sagt, da sein Vater der Kommandant ist, kann es hinter dem Stachelddraht doch nicht schlimm sein. Diesen Roman kann man getrost vergessen.

Liane Dirks: Die liebe Angst

2010-05-20T17:12:00.004+01:00

"Angst, die das Hirn zerfleddert und das Herz im Klosett verschluckt. Angst."

Auch wenn z.Zt. die katholische Kirche wegen sexuellen Missbrauch an Minderjährigen ins Zwielicht geriet, findet solch ein Missbrauch meist im Kreise der Familie statt, in deren Kinder dieser Gewalt schutzlos ausgeliefert sind.

Im Jahre 1986, als dieses Thema noch längst nicht im Brennpunkt des Interesses lag, erschien der Romanerstling „Die liebe Angst“ von Liane Dirks. Aus der Sicht der vierjährigen Anne, die am Ende des Romans 11 Jahre alt ist, erlesen wir die Geschichte einer Kindheit. Der Beginn des Romans schon löst Betroffentheit aus.

"Einmal kam eine Frau an unserem Fenster vorbeigepflogen. Ich war noch ganz klein, aber ich hab grad hingesehen, als sie flog.
Und da hab ich gelernt, daß Menschen nicht fliegen können. Sie landete mit einem dumpfen Knall auf den Steinfliesen im Hof, und meine Mutter sagte, die hat gar nicht fliegen wollen. Die wollte stürzen."

So schnörkellos und absolut treffsicher in Wort und Verdichtung zieht diese bemerkenswerte Prosa durch den Roman. Da das Mädchen vier Jahre alt ist, werden die ersten sexuellen Annnäherungsversuche des Vaters in traumbeladenen Bildern erzählt:

"Manchmal nachts stand plötzlich der liebe Mond vor dem Schmetterlingsnetz, ich wurde wach, schlug die Augen auf, da hing das weiße Mondgesicht nah an dem Netz, sah aus wie der Papa und flüsterte gute Nacht..."

Der Vater ist Hotelkoch und ein Säufer. Er „liebt rohes Fleisch und wildes Leben, saftige Weiber und Bier..“, im Streit mit der Mutter fliegt auch mal das Porzellan. Hat er wieder etwas angestellt, schmeißt ihn sein Brötchengeber auf die Straße. So ziegen sie von Hamburg nach Barbados, dann nach München, Rothenburg usw. Der Vater wird ganz lieb dargestellt, natürlich, schließlich erleben wir die Geschichte aus der Sicht der jüngsten Tochter, und sie liebt natürlich ihren Vater, dem Märchenerzähler, der in seinen Geschichten nachts die Puppen aufwecken lässt, die dann reden, lachen laufen und weinen, schimpfen und abrechnen. Abrechnen damit, wie die Puppenmutti sie tagsüber behandelt hat. Die Mutter hat traurige Augen wie Ingrid Bergmann, sie hat sich das Leben anders vorgestellt. Nicht immer nur ein Leben zwischen Aufbauen und Abreißen von Betten und Zelten. Der Vater bringt immer seine Töchter ins Bett.

Sehr gelungen in diesem Roman ist der Blickwinkel aus der Sicht der jüngsten Tochter. So erfährt der Leser auch nur das, was uns der Blickwinkel dieses Mädchens verrät, und wie das Mädchen seine Umwelt begreift. Dieser freundliche Vater, der sich offenbar mit seinen Töchtern inniger versteht als mit seiner Frau, dieser Säufer von Koch, der sich in die Kinderseelen einschmeichelt, um sie sexuell zu missbrauchen, geht perfide vor, ganz langsam Schritt für Schritt. Die Mutter will „die Schande bedecken“ auch der Pfarrer, dem die Kinder sich zutrauen, von der Schande zu erzählen, weicht aus und verflüchtigt sich, weil es ihm unangenehm ist. Die Töchter leben mit dem Druck etwas verbotenes zu tun, weil ihnen Schuldgefühle aufgeschultert werden.

"Ich weiß nicht nicht, ob ich Engel sehen will, ich bin doch ein böses Kind, das verbotene Dinge tut."

Also lesen, sind gerade mal 140 Seiten. Aber was für welche.

Liane Dirks: Falsche Himmel

2010-05-09T15:28:00.006+01:00

Drei Jahre vor dem Desaster in Kopenhagen, der Klimakonferenz, erschien „Falsche Himmel“ von Liane Dirks. Leben in der Klimakatastrophe. Das Thermometer sprengt die 40 ° Grenze, Ozonwerte in schwindelnder Höhe, Bungeespringer stürzen absurd in die Tiefe, absurd ja, weil der Leser nicht weiß, warum sie das machen, außerdem dem Ozon rigoros ausgesetzt sind. Sie stürzen aus schwindelnder Höhe am Fenster des 18. Stockwerks vorbei, wo hinter dem Fensterglas ihr Tagebuch schreibt, ihr Leben schreibend irgendwie in den Griff zu bekommen, etwas festhalten vom Leben, damit es noch irgendeinen Sinn bekommt. Schon seit Monaten diese Hitze, vorher Wirbelstürme, Europa im Schlamm, weil Seen sich in Meere verwandelten. Nun gibt es kaum etwas zu esssen, die Frau hat noch Gurken vorrätig, ihre Tochter schweift in leeren Straßen herum. Die Frau bekommt Besuch von diversen Bekannten, auch von Donati, der mal ein Marionettentheater hatte, Schauspieler war, nun aber sich nur noch um sein Kind zu kümmern hat, welches er übelweise zu lange unter dem tödlichen Licht der Sonne lässt. Mit der Frau schläft er bei einer Temperatur von 37°, Ozonwert: 394. Das wird wohl bald ihr letzter Tango, bevor die quälende Hitze und das verdammte Ozon ihrem Leben vielleicht einen garaus machen könnte.

"Still. Die Welt neigt ihr Skelett gen Osten."

Mir hat der Roman überhaupt nicht gefallen, nicht weil ich solch' lakonische Sätze, wie sie den Roman durchweben, nicht mag, sondern weil diese Sätze keinerlei innere Spannung erzeugen; will heißen, mir ist es nicht möglich die Hitze zu ahnen, selbst von der Bedrohung, die die Klimakatastrophe darstellt, ist kein Hauch zu spüren. Die Sprache dieses Romans ist verskelettitiert, ich spüre keine tieferen Dimensionen zwischen den Zeilen. Nur schwach, durchsichtige Bilder streifen meine Phantasie. Die Figuren völlig farblos, keine Charaktere. Und das ist wirklich so. Ich frage mich, wie kann man nur so einen Roman schreiben, zumal außerdem keine inhaltliche Stringenz aufzufinden ist. Es ist ein Desaster. Die Figuren scheinen so kahl und leblos, als sei durch die Hitze schon das Fleisch von ihren Knochen versengt.

Natürlich kann man hier immer mit Verteidigungen ankommen, die Autorin habe bewusst so karg geschrieben, weil sie eine karge brüchige Welt beschreibt. Da bin ich mir aber nicht sicher, denn Cormac McCarthy konnte eine postapokalyptische Welt unkarg darstellen, und es war trotzdem bedrohlich schön. Literatur muss auch immer irgendwie schön sein, auch wenn das karg ist, was beschrieben wird.

Ich gehe mal davon aus, dieser Roman war ein Ausrutscher der Autorin. Ihr Romanerstling „Die liebe Angst" gilt (nach Kiepenheuer &Wisch) „als Standardwerk zum Thema sexueller Missbrauch.“

John Steinbeck: Das Tal des Himmels

2010-04-30T14:24:00.002+01:00

Richard Whiteside liest seinem Sohn oft aus Herodot, Thukydides und aus Xenophons „Anabasis“ vor.

"Alles was die Menschheit zu tun fähig ist, steht in diesen drei Bänden aufgezeichnet. Die Liebe und der Haß, die dumme Falschheit und Kurzsichtigkeit, Heldenmut und Größe und Traurigkeit der menschlichen Rasse – alles findest du hier drin."

So wird auch von den Menschen im Tal des Himmels erzählt, einem Tal in Karlifornien, nicht weit von Salinas, wo John Steinbeck geboren. Das Tal so schön, dass, wenn man es einmal geschaut hatte, der Wunsch sich regte, für immer dort zu bleiben. Das Tal wie ein Paradies für Menschen, die sich nach einem schönen Leben sehnen. Doch wie die Menschen sind, hat der Vater seinem Sohn bei den altgriechischen Historikern gelesen, auch in einem Tal wie „Das Tal des Himmels“, wird dem Menschen das Leid nicht vorenthalten. Bezeichnend dafür sind schon die Umstände, wie das Tal entdeckt wurde.

Um das Jahr 1776, die Carmelo Mission von Alta California wird aufgebaut. Einige Indianer, die die neue Religion nicht annehmen wollen, fliehen aus ihren Hütten, werden vom Militär aber wieder eingefangen. Auf dem Rückweg zum Lager geschieht es, die Kolonne schreckt ein junges Reh auf, welches dann die Flucht aufnimmt, hinter einem Hügelkamm verschwindet. Der Kopral den Wunsch hat, dem Tier zu folgen und sein Pferd antreibt, durch Stechpalmen und Kakteen den Hügel hochzureiten, oben angekommen der Koporal im Auftrage christlicher Mission als erster Mensch auf Erden, einen Blick in das wundervolle Tal werfen kann, langestrecktes grünes Weideland auf dem Rehe friedlich grasen, und der Korporal entzückt ausruft:

"Heilige Mutter Gottes...das ist wahrhaftig das Tal des Himmels, das uns der Herr verheißen hat."

Nun wird über Generationen hinweg das Tal besiedelt, Häuser, Bauernhöfe, eine Schule. „Das Tal des Himmels“ kann die Menschen nicht zu einem friedfertigen Leben verhelfen. Sie schaffen sich Illusionen und verhaken im Lebenskampf, im Leid. Ein Schicksal nach dem anderen reiht sich. Steinbeck hat sich dazu bewogen, einige geistig zurückgebliebende Kinder im Tal aufwachsen zu lassen. Ich frage mich warum? Hier kann natürlich variativ spekuliert werden. Gesunde Menschen kommen mit ihrem Leben nicht zurecht, weil sie ihre Eigenheiten haben. Warum sollen es Kranke dann besser machen? Gewisse unabwindbare Schicksale gibt es natürlich, trotzdem, die Leute im Tal des Himmels treffen z.T. sehr eigensinnige Entscheidungen, die einen weiteren dunklen Graben in ihr Leben furchen, wie Frau Deventer, die ihr offenbar psychisch krankes Kind nicht zu einem Facharzt schicken will, weil sie damit rechnen muss, ihr Kind komme in ein Pflegeheim. Sie will ihre Tochter für sich behalten. Natürlich ist das ein egoistisches Motiv, der Egoismus der Mutter geht auf die Gesundheit des Kindes. Mutterliebe kann seltsame Wege gehen, die Konsequenz in unserer Geschichte ist hart. Dann gibt es noch den Bauern Shark, der vorgibt gute Geldgeschäfte zu machen und schließlich Pleite ist und seiner Tochter verbieten will, sich mit Männern zu treffen. Sein Leben auf ein Scheingebäude errichten, was ist das schon?

Mich berührt besonders das Schicksal von Junius Maltby, der sehr verarmt und verwahrlost im Tale lebt, der wegen seiner Faulheit von Mitmenschen fast schon gehasst wird, sein Haus und Hof im erbärmlichen Zustand, er aber ein fleißiger Leser ist und seinem Sohn aus „Treasure Islands“ vorliest. Junius Maltby geht es gut, er hat nichts zu beklagen, wegen Gesellschaftsdruck sich aber wandelt und nach San Francisco zieht, um dort ein bürgerliches Leben zu führen, dabei auch an die Zukunft seines Sohnes denkt.

So flechtet John Steinbeck einen Schicksalsreigen, lässt viele Gestalten vorüberziehen. An eine gewohnte Romanform hält sich Steinbeck nicht. In jedem Kapitel wird ein anderes Leben präsentiert. Eine gute Wahl finde ich, die Kapitel sich aber trotzdem verbinden, weil einige Gestalten als Nebenfiguren hier und dort wieder auftauchen. Auf diese Weise webt John Steinbeck das menschliche Dasein und setzt es auf ein Fleckchen Erde. Wunderbar.

Mark Twain: Knallkopf Wilson

2010-04-25T15:55:00.001+01:00

Lobenshymne auf einen Knallkopf

Mark Twains im Jahre 1894 erstmals erschienender Roman „Knallkopf Wilson“, in Vergessenheit geraten, ist zum 100. Todestag wieder erschienen, und wir gucken gleich mal hin, wie der Roman auf amerikanisch heißt, ah...“Pudd'nhead Wilson", so üngefähr heißt das „Matschbirne“, wäre ja noch lustiger gewesen als „Knallkopf“, aber belassen wir es bei Knallkopf, der als David Wilson um das Jahr 1830, als er noch keine Matschbirne gewesen war, an den Mississippi ins kleine Kaff Dawson's Landing kam und durch eine verschrobene seltsame Äußerung beim Volk nur noch als Knallkopf durchging, die Betitelung Zeit seines Lebens behalten hätte, wäre er nicht durch einen Prozess, Sherlock Holmes wäre tief beeindruckt gewesen, zum Helden geworden, und Sherlock Holmes sowieso im Neide erblasst gewesen wäre, weil Knallkopf Wilson schon die Technik des Fingerabdrucks beherrscht hatte, die noch offiziell nicht erfunden war, erst „in Francis Galtons „Fingerabdrücke“ (Finger Prints, London 1892) der Öffentlichkeit vorgestellt“, wie uns das Nachwort von Manfred Pfister aufklärt, den Leuten von Dawson's Landing dies alles aber schnurzegal, hiellten sie doch Wilsons Sammeln von Fingerabdrücken für kindisch und närrisch, bis sie halt ungefähr zwanzig Jahre später, als Rechtsanwalt David Knallkopf Wilson seinen genialen Prozess geführt hatte, danach es so eben ausgeschaut hat, David Wilson an sich niemals ein Knallkopf gewesen war, sondern die Matschbirnen eher im Volke herumliefen, Mark Twain sich über solch eine Spekulation, wie sie mir gerade im Hirn dämmerte,aber repektvoll verschwieg, da man David Wilson ja irgendwie doch durchaus respektiert hatte, nur seine Karriere als Rechtsanwal lange Zeit verspielt gewesen war, und es musste erst ein Wunder geschehen, bis alle Vorurteile gegenüber dem angeblichen Knallkopf zermatscht waren.

Was sonst noch los ist

„Dawsons's Landing war eine Sklavenhalterstadt“, die Mulattin Roxana dort im Hause eines Weißen versklavt, zwei Babies aufzuziehen hatte: Tom hieß das ihre, Chambers das ihres Herrn und nun kommt eben der Clou des ganzen: Roxana galt als Negerin, obwohl sie phänotypisch Weiß aussah, ihr Kind blondgelockt und blauäugig, also der Tom so weiß aussah wie Chambers, und ihre Herrschaft, weil sie die Kinder sowieso nicht genau anschauten, Roxana deswegen die Kinder leicht vertausche konnte, weil ihr Tom, der als Neger galt, später nicht an die Südstaaten verkauft werden sollte, die Südstaaten nämlich Roxana ein fürchterliches Unbehagen bereiteten, da dort die Sklavenhaltung wesentlich brutaler war, dieses Schicksal ihrem Sohn ersparen wollte, Roxana den Babies also nur die Kleider tauschen brauchte, auf diese Weise Tom zu Chambers wurde und Chambers zu Tom, deswegen das Kind der Herrschaft in die Sklaverei geschickt wurde, Roxanas weißhäutiges Negerkind als freier Mensch leben durfte, was allerdingst nicht ohne Probleme von Statten ging, weil Chambers, der nun Tom hieß, von Roxana sehr verzärtelt und verwöhnt wurde, als Erwachsener ein ruppiger, rücksichtsloser Mensch wurde, sich gegenüber seinem Bruder, der doch der Weiße war, herrisch aufführte, im Leben sonst dieser Tom liederlich war und sich verschuldete.

Auf Grundlage des Babytausches windet sich eine Handlung zusammen, die hanebüchen, einfach unfassbar ist, in der Mark Twain, und das verdeutlicht auch nochmal der Plot der Geschichte, ausdrücken möchte, dass nicht die Herkunft eines Menschen für dessen Entwicklung entscheidend ist, sondern die Sozialisation, wie ein Mensch aufwächst. Mit dem Babytausch führt Twain den Rassismus und die Sklavenhaltung ins ad absurdum, auch deswegen, weil Roxana und ihr Baby weiß aussehen

"Eigentlich war Roxy so weiß, wie man nur sein konnte."

Epilog

Es ist nun unmöglich auszumachen, ob Knallkopf Wilson, oder Roxana und Tom die Hauptpersonen sind. Alle sind gleichbedeutend für den Roman, allerdings Wilson, und das finde ich merkwürdig, über längere Zeit aus dem Roman herausgleitet, und später dann wieder auftaucht. Auch wenn die Romanhandlung bis in die letztenWinkel logisch aufbauend ist, deshalb auch kein Verriss zu erwarten ist, ist der Aufbau des Romans doch zu hinterfragen. Er ist eher szenisch gesetzt, der Faden zwar nicht aus dem Auge gelassen wird, weil die Szenen sich aufeinander aufbauen, mir aber der Eindruck hinterlassen wird, der Roman sei zu zerstückelt. Das andere, und ich weiß nicht, ob Mark Twain dass immer so macht, entscheidene Handlungen werden sehr kurzbündig erzählt, die Spannung erst zum Schluss hin angetrieben wird, der Roman deshalb einen zwiespältigen Eindruck hinterlässt, trotzdem Zwiespalt, bzw. Doppelgängerei bei Mark Twain allerdings nichts Ungewöhnliches ist, und sich ohne weiteres eine Gestalt vom Knallkopf zum Helden dehnen kann, aus Weiß Schwarz werden soll und umgekehrt. Der Wilson, der ja nicht gerade eine gematschte Birne hat, schreibt an einem Almanach/Kalender, dessen Kostproben der Leser vergnüglich lesen kann. Darunter auch Zwiespältiges:

"Warum freuen wir uns bei einer Geburt und trauern bei einem Begräbnis? Weil wir nicht die Person sind, um die es geht.
Knallkopf Wilsons Kalender"

Monika Maron: Pawels Briefe

2010-04-17T10:49:00.003+01:00

Es geht um das Vergessen und Erinnern. Es geht um den Großvater Pawel Iglarz, um die Großmutter Josefa und deren Kinder. Im Jahre 1994 stößt Monika Marons Mutter Hella zufällig auf einen Karton mit Briefen, die Pawel Iglarz aus dem Ghetto geschrieben hat, und Briefe seiner Kinder. Hella hat diese Briefe total vergessen, kann sich nie daran erinnern sie jemals gelesen zu haben. In Vergessenheit gegossen. Monika Maron hat für das Vergessen verschiedene Theorien. Erinnerungen könnten im Wandel des Lebens nicht überstehen „weil sie beim Erlernen eines neuen Lebens einfach störten.“ Totale Verdrängung. Gibt es etwas zu verbergen? Die alten Papiere im Karton können sich besser erinnern als Hellas Erinnerungsvermögen. Sie entdecke auch Briefe, „zwischen ihr und einer deutschen Behörde, in dem die damals vierundzwanzigjährige Helene Iglarz gegen ihre drohende Ausweisung nach Polen kämpfte.“

Paul Iglarz, der Großvater, geboren 1879 im polnischen Ostrow. Erst sieben Jahre später wird amtlich beglaubigt, dass das Kind den Namen Schloma trägt. Als Jude geboren, 1900 zum Baptisten konvertiert, weil er Jude gewesen, im polnischen Lager Vernichtungslager Kulmhof umgebracht. Davor ein Leben in Berlin. 1942 ins Ghetto Belchatow.

"Es muß doch ein zu ungeheuerliches Verbrechen sein, jüdischer Abstammung zu sein...."

Pawels Bruch mit seinen Eltern liegt im Dunkel des Vergessens. Warum – darüber hat der Großvater verschwiegen. So bleibt es im Urgrund der Vergessenheit. Der Bruch, so erzählt ein ponischer Rabbi der Autorin unseres Buches, musste zu einer Konvertierung führen, „weil er ohne eine Unterstützungsgemeinschaft nicht hätte überleben können.“ Zur Zeit des Urgroßvaters Juda Leib Sendrowitsch Iglarz leben zur Zeit der Jahrhundertwende in dem „öden Städtchen“, hundert Kilometer nordöstlich von Warschau 6000 Menschen, davon 3000 Juden. Heute lebt dort kein Jude mehr. Die Autorin besucht 1996 mit ihrer Mutter und ihrem Sohn diesen Ort. Da „kam es uns vor, als hätten wir einen trostloseren Ort nie gesehen.“ Ein Foto des Urgroßvaters gibt es noch. Sonst liegt alles im Schatten der Zeit.

An ihren Großvater kann sich Monika Maron nicht erinnern. Sie hat ihn nie gesehen. Ihre ersten Erinnerungen gehen auf das Jahr 1943 zurück, doch, wenn sie liest, wie Pawel in den Briefen über sie geschrieben hat, dann „verliert das Wort Vergangenheit für Minuten seinen Sinn.“

Wir blättern in einer Familiengeschichte im zwanzigsten Jahrhundert, eine Familie, die dunkle Schatten der Zeitgeschichte durchlebt und durchlitten hat. Das Buch geht bis in die Gegenwart der Autorin hinein. Das Leben in der DDR. Vor allem: Wie kann man, wenn man die Nazizeit durchlebt hat, sich dem DDR-Regime fügen? Fragen, die an die Substanz gehen, und es droht wieder ein Bruch in der Familie. Monika Maron ist eine Autorin, die den nachfolgenden Generationen noch was zu erzählen weiß, ihre Bücher hoffentlich weiterhin gelesen werden.

Jacques Chessex: Der Vampir von Ropraz

2010-03-20T07:46:00.007Z

Wie in dem Roman „Ein Jude als Exempel“ wird auch hier eine historische Greueltat als Romanvorlage gewählt. Im Jahre 1903 wird im Dorf Ropraz im Kanton Waadt die Leiche der zwanzigjährigen Rosa Gilliéron aus der Grabesruhe gerissen, brutal verstümmelt und geschändet. Der Täter hinterläßt auf dem Friedhof ein Bild des Schreckens, ein Monster muss hier in blinder Wut gewütet, sich sexuell entladen haben. Ein Bild des Grauens fährt durch das Dorf, Zeitungsmeldungen gehen um die Welt und schnell ist der Vampir in aller Munde. „Der Vampir von Ropraz“, so wird das Unwesen genannt. Die Dorfbevölkerung setzt die Ermittler unter Druck, dieses Monster dingfest zu machen, denn es gibt im Umkreis weitere Leichenschändungen. Die Polizei findet ein Opfer, dass für die Untaten des Vampirs strafrechtlich belangt werden soll.

Ropraz, ein kleines hinterwäldlerisches Dorf im Sumpf von Aberglauben, Hexerei und Geisterbeschwörung, im Sumpf von Sodomie und Inzest – kein Wunder, dass hier ein Vampir wütet. Dieses Dorf, so wird es vermittelt, weitab von der Zivilisation. Ein Dorf für sich.

"Inzest und dumpfes Brüten, im zölibatären Schatten, des ewig begehrten und verbotenen Fleischlichen.
Der sexuelle Notstand...gesellt sich zur umherstreifenden Angst und der Vorstellung vom Bösen."

Es ist herrlich wie Jacques Chessex in den Roman einsteigt und die schaurig-mystischeAtmosphäre des Ortes einfängt und das vampirische Grauen zeichnet. Das berechtigt durchaus die Genrezuteilung des Schauerromans. Der vermeintliche Täter gefunden wird, der Roman schwächelt leider, je weiter er fortschreitet, denn die schaurigschöne Düsternis – Bram Stoker hätte sich gefreut – geht mehr und mehr flöten. Die Schlusswendung überrascht, aber was nützt das, wenn das Schaurige dieses Schauerromans schon längst abgeklungen ist.

Ropraz heute noch hinterwäldlerisch? Das Motto des Romans weist schreckhaft darauf hin, eine Öffentliche Bekanntmachung der Gemeinde Ropraz am 12. Januar 2006:

"Nicht wählbar sind:
Bürger, die Wegen Geisteskrankheit oder
Geistesschwäche entmündigt wurden."

Warum muss man so etwas extra erwähnen?
Das ist das Seltsame.
Jacques Chessex wohnte etwa dreißig Jahre in Ropraz.

Jacques Chessex: Ein Jude als Exempel

2010-03-17T09:47:00.003Z

"Der Krieg ist weit weg, denken die meisten in Payene. Der betrifft nur die andere."

Diese Einstellung bildet die Grundlage zur Wegschaumentalität. Im Grunde genommen schreibt Chessex über das Böse im Menschen und das Böse lauert überall. Das Böse braucht eine Gelegenheit und hat in der Nazizeit besonders auf die Juden eingeschlagen. Es ist der Sadismus, die Lust der Quälerei, die sich ja auch bei dem Nazianführer Fritz Ischi zeigt, der seine Freundin sadistisch quält und demütigt (vgl. Jeans Vater im "Kinderfresser").

"In Payerne sind die Reden des hitlertreuen Pastors auf fruchtbaren Boden gefallen."

Der Pastor, der Nazi - Kirche schützt nicht vor Scheinheiligkeit, das sehen wir auch heute.

Es ist teilweise wie eine Gewalttätigkeit an Sprache, die der Autor benutzt. Ich weiß nicht, wie ich es anders erklären soll. Gewalttätig wie das rauhe Böse der Nazis, trotzdem ist es kein billiger Horror; jedes Wort sitzt grausam und fleischt sich in das Leserhirn. Das Buch macht betroffen. Knallhart und größter Abschaum, wie sie den Bloch wie ein Vieh abschlachten und seinen Leichnam zerstückeln. Wir brauchen keine Horrorromane. Horror wütet in der Wirklichkeit. Es ist grausam. Offenbar geriet der Mord in der Schweiz in Vergessenheit, weil sich die Schweiz offiziell für neutral und unschäbig gehalten hat. Chessex hat mit diesem Roman in die rauhe Wirklichkeit der Schweiz herumgewühlt. Es ist auch die Schweiz, die in einer Volksabstimmung verhindert hat, dass in ihrem Lande keine Moscheen mehr gebaut werden. Ergo: Die Schweiz verhält sich nicht neutral. Dieser Mythos ist Vergangenheit.

"Die Säge macht ein trockenes Geräusch Geräusch, als sie sich in den Knochen des Juden frisst, Fritz muckt nicht, er versteht sich darauf, er hat als Metzgergeselle an der Schlachtbank gestanden und mehrere Tiere zerlegt."

Diese emotionslose Sachlichkeit spricht Bände. Der Leichnam wird nicht als toter Mensch wahrgenommen, sondern als Stück Abfall, welches entsorgt werden muss. Jacques Chessex vermag es, die abartig perverse Mentalität des Bösen, der Nazis, dem Leser erbarmungslos vor den Kopf zu knallen.

So ziemlich alle jüdischen Klischees, die die Nazis hergenommen haben, um Juden durch den Dreck zu ziehen, kommen auch in diesem Roman vor; aus Geschäftemachern werden „Kraken und Blutsauger“. Alles läuft so ähnlich ab wie in Deutschland.

Am 16. April 1942 wird der Viehhändler Arthur Bloch von Schweizer Nazis abgeschlachtet.

"Man riskiert nicht viel, wenn man mit dem Finger auf den jüdischen Vampir zeigt."

1932 hatte in Lausanne eine Gruppe von Anwälten „einen Vorstoß unternommen, Juden den Zugang zur Anwaltschaft zu verbieten. Ein Begehren, das auf alle freien Berufe und die höheren Ränge in der Armee ausgeweitet wurde.“

Im Vergleich dazu die Verhältnisse in Deutschland: Am 07. April 1933 wurde das Gesetz zur Wiederherstellung des Berufsbeamtentums erlassen, welches nationalistischen Machhabern erlaubte, jüdische Beamte aus dem Dienst zu entfernen (Quelle hier).

Im Zuge von Recherchen im Internet bin ich auf eine interessante Website gestoßen. Hier können wir u.a. lesen, die „jüdische“ Hakennase sei gar nicht typisch jüdisch (siehe Der antisemitische Stereotyp von Julia Schäfer).

Spätestens durch diesen Roman wird der Mythos von der Neutralität der Schweiz unglaubwürdig.

Auch ein Roman den man lesen muss/soll

Jacques Chessex: Der Kinderfresser

2010-03-14T10:50:00.007Z

„Der Kinderfresser“ Ein bedeutender psychologischer Roman.
Ausgabe: Verlag: Volk und Welt, Berlin, Spektrum 148 (DDR), 1981

Der Wink des Schicksals wollte es vielleicht so, dass ich erstmals von Jacques Chessex hörte, nachdem er gerade gestorben war. Chessex starb am 09.10. 2009 während einer Diskussionsveranstaltung, auf der es um eines seiner Bücher ging. Für seinen Roman "Der Kinderfresser" erhielt er 1973 als bisher einzigster Schweizer den Prix Goncourt.

Es geht es um den Lateinlehrer Jean Calmer, der von seinem Vater tief gedemütigt und verhöhnt wurde. Auch als sein Vater gestorben war, kommt Calmer nie von ihm los, so sieht er ihn in einer Vision seinen vestorbenen Vater in eine Gastwirtschaft gehen. Das Leid, was der Vater ihm angefügt hat, sitzt dem Lateinlehrer so tief im Nacken, quasi wie ein autoritäres Über-Ich, dass der Vater über seinen Sohn nicht die Macht verliert, obwohl dieser schon im Krematorium liegt.

Es geht um großes Leiden, psychisches Trauma, welches nicht verarbeitet worden ist, der Sohn, also Jean Calmer, deswegen immer leiden muss. Die Wirkung des Vaters auf Jean ist fatal. Selbst Kontakte zu Frauen lassen sich für Jean nicht herstellen. Er sucht sich solche aus, die gar nicht zu ihm passen, an die er nicht herankommen kann. Vereinsamt sitzt er in einer Gastwirtschaft, schaut aus dem Fenster und sieht hübsche junge Mädchen, die eine Brücke überqueren.

„Jean Calmer findet sie wunderbar, fröhlich und stark, und wieder spürt er einen Krampf, mitten ins Herz.“

Jean Calmet wurde von seinem Vater in Gegenwart von Frauen gedemütigt, so macht er sich an ein junges Mädchen heran, in welche Jean verliebt ist. Jean muss mit ansehen, wie sein Vater es mit seinem Mädchen treibt. Jean wird von Visionen geplagt. „Wirst weichlich? Sieh deinen alten Vater. Verrunzelt, verbrannt, aber sein Knüppel bringt die Weiber zum Tanzen.“ In erniedrigendster Weise sexuell gedemütigt.

Ich gehe davon aus, Jean Calmet konnte aufgrund seiner psychischen Konstitution diese Demütigungen nicht verkraften. Sie hängen ihm sein ganzes Leben nach und beeinträchtigen ihn. Natürlich reagieren nicht alle Kinder so, es kommt eben darauf an, wer auf welche Art und Weise etwas verkraften kann und wer nicht. Jeder Mensch ist anders. Jean gehört da wohl zu denen mit einer sensiblen Psyche. Der Vater mag das gemerkt haben und hat ihn umso mehr gedemütigt. Seine Geschwister haben die Familie verlassen, heißt es, nur Jean und die Mutter waren der Gewalt des Vaters ausgesetzt. Jean ist auf seine Geschwister neidisch, weil sie ein selbständiges Leben verwirklicht haben und sich nicht mehr in den Klauen des Vaters befinden. Jean hat sich über seinen zweiten Vornamen Benjamin geärgert, was heißt „Sohn zu meiner Rechten“, also der Sohn, der zur Rechten des Vaters ist, von dem er niemals loskommt. Jeans Symptome der Störungen der Sexualfunktion, Partnerschaftsprobleme, Angstzustände, Alpträume, beängstigende Tägträume, soziale Isolation und Misstrauen, bestärken in mir die Vermutung, Jean sei sexuell missbraucht worden. Ich kann mir jedenfalls vorstellen, dass jemand, der jemanden sexuell demütigt, diesen auch sexuell missbrauchen könnte. Jean Calmet ist Zeit seines Lebens nie erwachsen geworden, in der Pubertät festgezurrt, in seiner Unterwürfigkeit vor Autoritäten hängengeblieben (er übertragt Gefühle, die er gegenüber seinen Vater hat auf andere Autoritätspersonen = Übertragung, siehe Psychoanalyse), sein Sexualverhalten weltfremdig.

Allerdings gibt es noch eine andere Deutungsebene des Romans, der Vater sei eine Metapher für eine gewaltbereite Diktaturherrschaft. Vieles spricht dafür. Die Asche des Vaters verweilt in der Urne. Im Roman heißt es:

„Die Asche redet um so lauter, je gräßlicher das Märtyrium ist.“

Diese Asche wird auf die „Verbrennungsöfen von Auschwitz“ und auf „Flammende Scheiterhaufen“ bezogen:

„Nie bringt man die sterblichen Überreste Verfolgter zum Schweigen. Die Kreuze der Inquisition, die hexenbeschwörenden Johannisfeuer, die aufgestapelten Schuhe und angehäuften Goldzähne von Auschwitz sind Siegesschreie. Die Asche ist lebendig, beredsam, rachsüchtig, sie wird wieder Fleisch, sie stürmt erneut vorwärts, sie lehrt, triumphiert, sie verfolgt die Verfolger!“

Francisco de Goyas Gemälde "Saturn, der eines seiner Kinder verschlingt" wird als ein „menschenverschlingender Dämon“ (Krieg) gedeutet (siehe hier). Jean steht vor dem Kindlifresserbrunnen in Bern und vergleicht seine Situation mit mit Beispielen aus der Mythologie. Er weiß, er steht nicht allein mit dem Wunsch, gegen seinen Erzeuger anzutreten. Es ist ja wie ein Ringkampf. Ähnlich wie in der Pubertät, in der Zeit, in der man sich gegenüber seinern Eltern behaupten möchte, sich auflehnen und sich durchsetzen möchte. Natürlich hat Jean das nie geschafft, hat er grundsätzlich Angst vor Autoritätspersonen. und duckt sich lieber. Seine Geschwister, die den Vater zurückgelassen haben, sind quasi ins Exil gegangen und Jean Calmet erweist sich als Typ eines Mitläufers. Eine Diktatur ist schwer zu entmannen, alle Hitlerattentate schlugen fehl. Der Vaterstaat frisst seine Kinder.

„Der Kinderfresser“ ist ein psychologischer Roman, in dem sich, wenn man genau hinschaut mehrere Deutungsebenen offenbaren. Ein großartiger Roman in vorzüglicher Prosa. Der Roman muss/soll gelesen werden. Jacques Chessex ist ein großartiger Schriftsteller.

Siri Hustvedt: Die zitternde Frau

2010-03-03T18:25:00.002Z

Siri Hustvedt, amerikanische Romanautorin, beschäftigt sich schon seit längerem mit Neuropsychiatrie und hat in diesem Gebiet fleißig Fachliteratur gewälzt. Seit ihrer Kindheit leidet sie unter Migräne, Schwindelanfällen, an himmlischen Gefühlen von Levitation und visueller Halluzination, in der sie ein kleines rosa Männchen und einen rosa Ochsen auf dem Fußboden sieht. Das ist der Grund. „Ich erforschte mich selbst“, sagte schon Heraklit und Siri Hustvedt leistet einen enormen Energieaufwand, um auf die Spur ihrer Nerven zu kommen. Schon in ihrem Roman „Was ich liebte“ beschäftigte sich Frau Hustvedt mit Psychopathologie (und Bildender Kunst). In „Die Leiden eines Amerikaners“ nimmt ein Psychiater die Rolle des Protagonisten ein, der mit dem Tod seines Vaters konfrontiert wird. Auch Hustvedt, die nun eine Geschichte ihrer Nerven geschrieben hat, muss sich mit dem Tod ihres Vaters, der Universitätsprofessor in Minnesota gewesen war, aus einandersetzen. Zwei Jahre nach dem Tod ihres Vaters hält sie eine Gedenkrede und bekommt erstmals einen Zitteranfall, wobei ihr Bewustsein klar bleibt, sie auch weiterreden kann. Erst nach der Rede hört das Zittern auf. Siri Hustvedt vermutet eine (psychogene?) Reaktion auf den Tod ihres Vaters. Da ihr kein Arzt eine eindeutige Diagnose stellen kann, macht sich die Autorin auf der Suche nach ihrer Krankheit. Ihr Weg führt ausgehend vom Verdacht einer Konversionsstörung (dissoziative Störung), über Josef Breuers Bericht seiner Patientin Bertha Papenheim (als Anna O. in „Studien über Hysterie“, Freud/Breuer, 1895; zuvor auch schon mit Breuer veröffentlicht „Über den psychischen Mechanismus hysterischer Phänomene", 1893), bis hin zu neurologischen Ausfällen, deren Symptomatik für uns Laien aufsehenderregend erscheinen, uns aber auch schon durch Bücher von Oliver Sacks (z.B. „Der Mann, der seine Frau mit einem Hut verwechselte“) und Mark Solms/Karen Solms („Neuro-Psychoanalyse. Eine Einführung mit Fallstudien“) bekannt sein könnten. Weiterhin erzählt Siri Hustvedt von einem Experiment des Neurologen Vilayanur S. Ramachandran. Er behandelte eine Patientin, die linksseitig gelähmt war, sie dieses aber nicht glauben wollte. Das Experiment, welches Mark und Karen Solms in ihrem Buch beschreiben ist, dass die Patientin ihre Lähmung zugab, nachdem Ramachandran der Frau das linke Ohr mit Eiswasser gefüllt hat. „Rechtshemisphärische Schädigungen führen häufig zu ...Anosognosie“, dem Leugnen der Krankeit. Da wir schon gerade bei Büchern sind, möchte ich auf zwei Bücher von Vilayanur S. Ramachandran hinweisen, die es im deutschen Sprachraum gibt: „Eine kurze Reise durch Geist und Gehirn“ und „Die blinde Frau, die sehen kann. Rätselhafte Phänomene unseres Bewußtseins“ - und damit haben wir uns schon ziemlich weit in das Buch hineingelehnt, Manchmal hatte ich den Eindruck, die Autorin schweift ein wenig von ihrem Thema, den seltsamen Zitteranfällen ab, kehrt aber immer wieder zu sich selbst zurück. Erzählt sie von Konversionsstörungen (Hysterie), ihr erster Verdacht als Ursache ihrer Zitteranfälle, dann erzählt sie gleich die Geschichte der Hysterie mit, und so erahnen wir als Leser, dass sie all dies mit Begeisterung tut, mit Wissensgier, wenn nicht gar mit Besessenheit im positiven Sinne.

Siri Hustvedt bezeichnet die zitternde Frau „als ein ungezähmtes anderes Selbst...eine Art Doppelgänger“, die in der Literatur Wünsche und Bestrebungen ihrer Originale meist quälen und sabotieren, und erwähnt Dostojewskijs Roman „Der Doppelgänger“:

Zitat von Hustvedt
Dostojewskijs geistig umnachteter Held, Herr Goljadkin, zittert im Sprechzimmer seines Arztes, kurz bevor der ehrgeizig, abgefeimte zweite Herr Goljädkin in Erscheinung tritt.

Zitat von Dostojewskij
Seine grauen Augen funkelten ganz eigentümlich, die Lippen zitterten, alle Muskeln, alle Züge seines Gesichts gerieten in Bewegung. Er selber zitterte am ganzen Körper.

Manche Migräne Leidende sehen als Teil der Aura ein Doppel ihrer selbst, schreibt Hustvedt und erzählt von Breuers berühmter Hysteriepatientin Bertha Puppenheim. „Sie litt auch an dem, was Charcot, Janet, Freud und Breuer „doppeltes Bewußtsein“ nannten; sie erlebte zwei Ichs, eines Breuer zufolge „geistig ganz normal“ und ein anderes, das sie als ihr „schlimmes Ich“ bezeichnete.

Von Synästhesie spricht man, wenn sich Sinneswahrnemungen überschneiden, wenn z.B. „Farben schmecken“ oder „Töne sehen“ kann. Der russische Psychologe Alexander Romanowitsch Lurija, der als einer der Begründer der Neuropsychologie gilt, verfolgte 30 Jahre lang den Fall Sassezki, der die Fähigkeit besaß „lange Zahlenreihen und Wortlisten in ortsgebundene geistige Bilder zu konvertieren“ (vgl. „Kleines Portrait eines großen Gedächtnisses“ in „Der Mann, dessen Welt in Scherben ging“ ). Es wird auch auf ein Gedicht Rimbauds hingewiesen, welches Synästhesie aufweist: Die erste Strophe von „Vokale“:

Zitat von Rimbaud
A schwarz E weiß I rot U grün O blau - vokale
Einst werd ich euren dunklen ursprung offenbaren:
A: schwarzer samtiger panzer dichter mückenscharen
Die über grausem stanke schwirren · schattentale.

(Übersetzung: Stefan George)

Im Jahre 2005 wurde erstmals eine Mirror-touch, bzw. Berührungs-Synästhesie beschrieben und es stellte sich heraus, dass die Autorin dieses Buches von dieser Form der Synästhesie befallen ist, d.h., "jeden Schlag, jeden Stoß, den andere bekamen, wie auch deren Stimmungen fast so mitgefühlt, als wäre ich selbst davon betroffen, so auch Horrorfilme ihr unerträglich sind, da sie "die Qualen der Opfer fühle."

Siri Hustvedt kommt öfters auf das dualistische Problem von Körper und Geist zu sprechen. Neuronen sind sichtbar, Gedanken unsichtbar. Sind Hirn und Geist eins oder zwei verschiedene Dinge, oder sind sie miteinander verbunden? Diese Frage muss natürlich offenbleiben, und obwohl dieses Problem des Dualismus für die Autorin wichtig ist, wird es leider doch nur gestreift, obwohl es doch interessant gewesen wäre, tiefer ins Detail zu gehen in der Frage, ob eine Trennung von psychogenen und neurologischen Ursachen in der Medizin sinnvoll und fragwürdig ist. Nach Francis Crick sind wir nur „eine riesige Ansammlung von Nervenzellen und dazugehörigen Molekülen.“ (aus Francis Crick: „Was die Seele wirklich ist“ ), doch was nützt uns so eine Aussage, wenn sie einfach in den Raum geworfen wird?

Wenn man gewillt ist, sich mit medizinischen Fremdwörtern zu konfrontieren und Interesse am Psycho/Neuro-Thema vorhanden ist, aber kein Mediziner ist, denn die lesen sicher anderes, kann das Buch sehr empfohlen werden. Ein Namensregister fehlt leider, sodass das Aufsuchen von Textstellen erschwert wird. Am Ende des Buches sind Anmerkungen, in denen uns offenbart wird, welche Fachbücher Siri Hustvedt gewälzt hat. Ist schon toll.

Albert Camus: Hochzeit des Lichts

2010-02-20T20:47:00.001Z

Himmel über Algerien. Albert Camus schreibt über seine Heimat. Sehnsucht nach Heimat überfällt den Menschen, aber ist das ein Ort „wo das Herz seinen Frieden findet“ oder vielmehr eine Sehnsucht, die Heimat seiner Seele zu finden? Paradox, dass wir „diese Vereinigung, die Plotin ersehnte, hier auf Erden finden..“..wollen. Albert Camus sagt von sich: „Ich lerne, dass es kein übermenschliches Glück gibt und keine Ewigkeit außer dem Hinfließen der Tage....Die anderen „idealen“ Wahrheiten zu begreifen, fehlt es mir an Seele...Ich weiß nur dies: dass der Himmel länger dauern wird als ich.“

In seinen Aufsätzen über Algier und Oran wird ein Kontrast zum Leben in Europa deutlich. Man heiratet sehr jung, beginnt in jungen Jahren bis zur Erschöpfung hin zu arbeiten und ist mit dreißig Jahren schon ausgelaugt, kann sich dann schon auf das Sterben vorbereiten. Das „Glück war kurz und heftig“, verdunstet im Wüstenstaub; an anderer Stelle heißt es, die Welt erneuere sich hier täglich. Oran ist „die staubigste Stadt aller Städte“, eine Stadt aus Staub und toten Gestein, hier offenbar nichts gibt, was den menschlichen Geist bewegen und inspirieren kann. Eine Wüstenstadt am Meer. Gassen verlaufen wie in einem minotaurischem Labyrinth, man wird gefressen von dem Stier, von der leeren Langeweile. Und das am Mittelmeer. Man staunt und liest.

Besonders poetische Kostbarkeiten sind die beiden im Jahre 1936 (oder 1937) entstandenen Aufsätze „Hochzeit in Tipasa“ und „Der Wind in Djemila“, ein Besuch römischer und frühchristlicher Ruinen. Frühling in Tipasa, Camus war in seinen jungen Jahren dort oft gewesen, dort findet die Hochzeit statt, die Vereinigung von Mensch und Natur. Verschwenderisch in Farben und Düften, Blumen und Sträucher, umgarnt vom Duft der Wermutbüsche.. Hier flammt die Liebe zum Leben auf, das intensive Glück des Daseins, die Verschmelzung mit der Natur. „Glücklich der Sterbliche auf Erden, der diese Dinge sah“ heißt es in einem alten Spruch der Demeter. Ging es bei den Mysterien von Eleusis um eine Innenschau, so will der Adept hier so nahe wie nur irgendmöglich „an die Dinge der Welt herankommen“, sich der Natur völlig hingeben. Ruinenlandschaften die Seelenzustände widerspiegeln, in Tipasa das glückliche Dasein, in Djemila der Tod. Albert Camus schrieb diese beiden Texte im Alter von etwa 23 Jahren, sie bezeugen eine außerordentliche geistige Reife und großes erzählerisches Talent. Ja, man staune und lese.

Die 14 Texte des Bandes können einführend zu Camus' Werk gelesen werden.

Sylvia Plath: Die Bibel der Träume, Erzählungen

2010-02-17T13:11:00.002Z

In diesem Erzählungsband enthalten ist die hervorragene story „Johnny Panic und die Bibel der Träume“, darin eine Sekretärin in einem psychiatrischen Krankenhaus die Krankengeschichten zu Papier bringt, die sie nach dem Tonbanddiktat eines Arztes abtippt.

Ich gehe davon aus, die Sekretärin ist schon zu Beginn der Geschichte psychiatrisch belastet, glaubt sie doch, Träume der Patienten abzutippen. Schon zu Beginn wird die Phantasiegestalt, ein Produkt ihres Wahngebäudes, ins Spiel gebracht: Alles in der Welt drehe ich um Panik, und Johnny Panic stehe wachend oder schlafend, ohne jedes Gesicht hinter all dem. Das hört sich sehr verworren an, auch die überwertige Idee „mit jedem Traum bilde ich mich weiter, um zu einer herausragenden Persönlichkeit zu werden“ die in dem Wahn mündet, sie habe „den Traum aller Träume“, in der Schilderung dieses Traumes sich schließlich eine beeindruckendes Wahngebäude entpuppt, welches der Frau in ihrem Sekretärinnenleben verfolgt - einem See, in dem die Gedanken der Menschen fließen usw. - geniale Bilder einer ausgeprägten Psychose. John Panic ist wie ein Gott der Träume, ein „großer Traumschöpfer“. In dieser Erzählung erlesen wir, wie jemand in eine Psychose mündet und zum klinischen Fall wird.

Eine andere Story aus dem psychiatrischen Bereich ist „Das Wünschkästchen“. Eine Frau, deren Fantasie quasi erloschen ist und nicht träumt, ihr Mann dagegen aber von absolut herrlichen Traumbildern gesegnet ist, spielt er sogar im Traum Beethovens fünftes Klavierkonzert, die Frau aber psychisch gebrochen.

Diese psychiatrischen Erzählungen können vielleicht einen Vorgeschmack zu ihrem Roman "Die Glasglocke" geben, den ich schon anvisiert habe.

In einigen Erzählungen („Der Tag, an dem Mr. Prescott starb“, „Die Töchter der Blossom Street“, „Mütter“) zeigt Silvia Plath, wie borniert und verlogen Menschen sein können. Auch diese Geschichten haben mir besonders gefallen, weil sie evtl. auf das eigene Leben reflektieren können und Anregung zum Nachdenken geben.

W. G. Sebald: Austerlitz

2010-02-14T11:47:00.000Z

Der Roman beginnt mit einem Faszinosum, wie ich es in der Literatur bisher noch nicht gelesen habe. Er beginnt mit einer Überblendung, wie es sonst nur im Film üblich ist, um einen „kontinuierlichen Übergang von einer Kamerastellung oder Szene zu einer anderen“, wie es bei wikipedia heißt. Der Erzähler tritt in den Salle de pas perdus, dem Wartesaal des Antwerpener Bahnhofs ein und plötzlich tauchen ihm Bilder eines früheren Besuches des hiesigen Nocturamas in seinem Geist auf, „eine Überblendung, die natürlich auch daher rühren mochte, daß die Sonne sich hinter die Dächer der Stadt senkte, gerade als ich den Wartesaal betrat.“ Das sich zwei Szenen aus unterschiedlicher Zeit überblenden, sei gleich darauf verwiesen, dass W. G. Sebald in diesem Roman eine Zeittheorie entwickelt, die Zeit sei nicht linear, sie bewege sich in Wirbeln, auf Seite 152 wir eine Überblendung der Zeit entdecken. Die Theorie besagt

"...das sämtliche Zeitmomente gleichzeitig nebeneinander existierten, beziehungsweise daß nichts von dem, was die Geschichte erzählt, wahr wäre, das Geschehene noch gar nicht geschehen ist, sondern eben erst geschieht, in dem Augenblick, in dem wir es denken."(Seite 152).

Auf diese Weise Begebenheiten der persönlichen – und der Weltgeschichte aufeinander verbunden werden und Lokalitäten Ausdruck persönlicher Psyche werden können. Alles ist miteinander verwoben.

Der Ich-Erzähler begegnet auf dem Bahnhof Jacques Austerlitz, der am kulturhistorischen Institut in London eine Dozentur innehat, einen Spezialisten für kapitalistische Architektur des 19. Jahrhunderts. So beginnt er von der Architektur des Bahnhofs zu erzählen, und als ihn der Erzähler in Lüttich wiedertrifft, vom Brüsseler Justizpalast. In der Architektur des Antwerpener Bahnhofs überlappen sich verschiedene Baustile unterschiedlichster Epochen, als ob sich in diesem Bauwerk der Wirbel der Zeit manifestiert hat, beim Eintreten der Halle man das Gefühl habe, als befinde man sich jenseits aller Profanität, „in einer dem Welthandel und Weltverkehr geweihten Kathedrale“. Alles scheint im Ausdruck der Halle enthalten zu sein, sei es die Entlehnung architektonischer Bauelemente von Renaissancepalästen, oder gleichwie im römischen Pantheon von oben herabblickende Gottheiten herablicken, hier im Bahnhof Symbole der Gottheiten des 19. Jahrhunderts herabblicken: „der Bergbau, die Industrie, der Verkehr, der Handel und das Kapital.“

Es ist kein Zufall, dass der Roman auf einem Bahnhof beginnt. Jacques Austerlitz ist ein herumreisender jüdischer Exilant, der sich oft auf Bahnhöfen aufhält, als Kind seine Heimat verloren hat, und in Wales in bedrückender Atmosphäre im Hause eines calvinistischen Pfarrers aufgewachsen ist. Jacques Austerlitz begibt sich auf die Suche nach seiner Vergangenheit, und wenn er von Korridoren und Treppen im Brüsseler Justizpalast erzählt, die nirgendwo hinführen, ist das für mich eine Metapher für Austerlitz' Suche nach sich selbst, nach seiner Vergangenheit.

Die Zeit, das verweben diverser Ereignisse, ist ein großes Thema des Romans.

"Während der beim Reden eintretenden Pausen merkten wir beide, wie unendlich lang es dauerte, bis wieder eine Minute verstrichen war, und wie schrecklich uns jedesmal, trotzdem wir es doch erwarteten, das Vorrücken dieses, einem Richtschwert gleichenden Zeigers schien, wenn er das nächste Sechzigstel einer Stunde von der Zukunft abtrennte mit einem derart bedrohlichen Nachzittern, daß einem beinahe das Herz aussetzte dabei."(Seite 17).

Dass die Zeit nicht als linear/chronologisch gedacht wird, zeigt auch die Tatsache, dass der Erzähler, als er Austerlitz nach einer zwanzigjährigen Pause zufällig im Dezember 1996 in einem Londoner Hotel wiedersah, dieser um zehn Jahre jünger erschien. Damals vor zwanzig Jahren hatte er Austerlitz für etwa 10 Jahre älter gehalten. Austerlitz scheint ein zeitloser Repräsentant für alle vor den Nazis geflüchteten Juden zu sein.

Sebalds Sprache ist, wenn man sich an den sog. „Sebald-Ton“ (offenbar schon ein Begriff in der Germanistik) gewöhnt hat, ein Genuss. Die ersten 16 Seiten musste ich noch einmal lesen und dann ging es, nein mehr, es war wirklich schön, Sebalds musikalische Prosaschleifen schweifen zu lassen, und es ist nicht diese Literatur, bei der man überlegen muss, was meint der Autor denn damit, sondern mit ein wenig Konzentration ein gut eingehender Text, ich übrigens im zweiten Durschmarsch der Lektüre mich befinde und immer noch mit Hingabe an dem Buch hänge.

Die Geschehnisse auf dem Bahnhof Liverpool-Street-Station noch vor der Hälfte des Romans gilt m.M.n. als Höhepunkt des Romangeschehens, hier in einer zeitlichen Überblendung Austerlitz Zeuge seiner selbst wird, wie er nach dem Kindertransport aus Prag von seinen Zieheltern, dem calvinistischen Pfarrerehepaar abgeholt wird, für Austerlitz der Ausgangspunkt für Nachforschungen in seine Vergangenheit, dem Schicksal seiner Eltern in dem von den Nazis besetzten Prag auf die Spur zu kommen. Auf diesen Seiten, auch auf den vorbereitenden Seiten, auf denen wir einen tiefen Einblick in das Verlorensein eines Menschen tauchen, dem seine Herkunft unbewusst ist, mag ich mich Fragen, was für Superlativen in der Literatur noch möglich sind, welche Superlativen ich noch erlesen werde, da „Austerlitz“ Sebalds letztes Werk ist, hier wohl der Höhepunkt seines schrifstellerischen Schaffens gesehen werden muss, gerade auf diesen wenigen Seiten.

Man gehe also in eine Buchhandlung, schnappe sich das Buch und beginne ab Seite 180 (kleiner Tipp).

"Kaum lernte ich jemanden kennen, dachte ich schon, ich sei ihm zu nahe getreten, kaum wandte sich jemand zu mir, begann ich, mich abzusetzen." (Seite 185).

Wie auch Gestalten in Paveses Werk pflegt Austerlitz des Nachts ausgedehnte Spaziergänge:

"Dabei ist es mir in den Bahnhöfen wiederholt passiert, daß ich unter denen, die mir entgegenkamen in den gekachelten Gängen, auf den steil in die Tiefe hinabgehenden Rolltreppen oder die ich eblickte hinter den grauen Scheiben eines eben auslaufenden Zuges, ein von mir früher her vertrautes Gesicht zu erkennen vermeinte. Immer hatten diese bekannten Gesichter etwas von allen anderen Verschiedenes, etwas Verwischtes, möchte ich sagen, und sie verfolgten und beunruhigten mich manchmal tagelang." Seite 187.

Sicher keine illusionären Verkennungen wie im Erlkönig, sondern ahnende Schauungen in seine Vergangenheit, eine andere Zeitebene überlappt sich mit der gegenwärtigen... und so schauen wir nach Wertach, 1944, W. G. Sebald dort im Allgäu geboren und noch weiter zurück:

"Am folgenden Morgen, der Tag war kaum angebrochen, sind dann tatsächlich die Deutschen in Prag eingezogen, mitten in einem dichten Schneegestöber, daß sie gewissermaßen aus dem Nichts hervorzubringen schien, und als sie über die Brücke kamen und die Panzerwagen die Národní hinaufrollten, hat sich ein tiefes Schweigen ausbebreitet über die ganze Stadt. Die Menschen haben sich abgewandt, sind langsamer, wie im Schlaf gegangen von dieser Stunde an, als wüßten sie nicht mehr, wohin." (Seite 250)

W. G. Sebald, der 1966 nach England auswanderte, wurde erst seit Mitte der neunziger Jahre des letzten Jahrhunderts in Deutschland wahrgenommen. In Frankreich schlug man ihn sogar als Nobelpreiskandidaten vor. Seine literarischen Werke erscheinen seit Ende der achtziger Jahre.

„Austerlitz“ ist ein gewaltig konstruiertes Kunstwerk. Allein die zufälligen Begegnungen zwischen dem Erzähler und Austerlitz, und warum nur weiß der studierte Architekturexperte nichts vom Holocaust, erfährt erst ziemlich spät davon Anfang der neunziger Jahre (das ist er fast im Rentenalter) – unmöglich, kaum zu glauben. Da fragt man sich, was für eine Absicht dahinter stehe. Vom Autor sicher bewusst so konstruiert, hat er doch jahrelang an seinen Werken gesessen, war sehr gründlich und fügt im Text auch noch Fotos ein, Fotos, die Sebald offenbar gesammelt hat, die dem Leser zusätzlich zum Text noch Stimmungen übermitteln, dem Text dokumentarischen Charakter geben, solch ein sorgfältiger Schriftsteller erlaubt sich keine Nachlässigkeiten und lässt Austerlitz bewusst sehr lange im Dunkeln, sogar das calvanistische Ehepaar war von der Weltgeschichte ausgeschlossen. Das Hauptaugenmerk Sebalds liegt darin, einen melancholisch heimatlosen Menschen zu zeichnen und schafft in seinem Buch einen solchen Menschen, dabei geht er über an sich logische Verhältnismäßigkeiten hinweg. Mich selber hat das allerdings nicht gestört, denn der Sog der sebald'schen Sprache überdeckt in seinen melodischen Schweifen eine solche Ungereimheit. Konstruktion als Kunstwerk? Das wäre ein interessanter Diskussionsansatz.

Eine schöne Website über W. G. Sebald gibt es hier

Sándor Márai: Schule der Armen

2010-01-27T15:09:00.008Z

Vorgewarnt war ich schon. Sándor Márai sagt in der Einleitung, er sei „auf der Suche nach einem Handbuch, einer Art von Gebrauchsanweisung fur die Armut...“ gewesen. Nun hat er selber eines geschrieben, die Armen zu belehren, wie sie sich gegenüber den höheren Gesellschaftsschichten verhalten sollen. Da ich der Ratgeberliteratur abgeneigt bin, hätte ich das Buch gleich wegstecken sollen, und weiter zum nächsten. Der Autor von Vorurteilen besessen, „Die Armen nicht nur ungeschickt leben, sondern sich auch schlecht benehmen.“ Wie gesagt, das alles auf der ersten Buchseite. Ich lese also weiter, weil ich mich in einem Forum zu einer Leserunde hinleitengelassen habe. Immerhin, Sándor Márai, der in „Der Glut“ hinreißend glühend erzählen konnte, der einen hevorragenden Roman über die verlorenen Generation nach dem ersten Weltkrieg geschrieben hatte („Die jungen Rebellen“) usw., ja weiter, ich lese weiter.

Für neun zehntel der Menschheit sei Armut der normale Zustand, sagt Márai in dem 1933 entstandenen Buch. Damals lebten zwei Milliarden Menschen auf der Erde. Dann kommt doch etwas, was mir gefällt. Kein Tier, außer Ameisen, klammert sich an erworbene Güter. Menschen bilden sich ein, reich zu sein, nur weil sie viel haben. Márai propagiert eine Welt, in der die meisten Leute kein Geld, kaum Besitz haben. Hier schwingt die Lebensphilosophie durch, des Menschen Glück ist nicht von Gütern abhängig, welche er besitzt. Aber trotzdem, bekomme ich einen Dämpfer, denn es heißt dann, Armut sei nicht etwas gutes, auch das Leben nicht. Was will er denn? Auch das Glück sei nicht Endzweck der Existenz, untermauert durch ein Rilke-Zitat („Es ist wirklich nicht wichtig, glücklich zu sein.“). Was ist denn der Endzweck der Existenz? Wer glaubt das schon zu wissen, Márai schweigt lieber.

Trotzdem blitzt ein schönes Zitat hervor:

"Der Reichtum ist letzten Endes etwas Symbolisches und Beschränktes, und die Reichen sind im höheren Sinne des Wortes ebenfalls arme Menschen, da sie statt der Wahrheit, die sie so fürchten wie ein Köter den Hundefänger, sich mit Surrogaten oder Symbolen der Wahrheit begnügen müssen, welche die Literatur und die auf ihr Eigenbild zugeschnittene Gesellschaft ihnen fatamorganaartig vorgaukelt. Nur die allerfühligsten Reichen, die so begabt sind, daß sie Arme sein könnten, wissen, wie beschrankt ihre Macht des Geldes ist, und das nicht nur der Besitz des Geldes sie von den Armen trennt."

Trotzdem, der Autor spricht in Rätseln, weil er diverse Gedanken nur mal so antippt, aber nicht weiter ausführt. So kann man sich, schreibt er, Tugend kaufen. Wie das biite gehen soll, ist mir allerdings schleierhaft. Er sagt ja ganz richtig, man sich „keinesfalls das heiter beglückende Gefühl, das die Erkenntnis und die praktische Ausübung der sittlichen Wahrheiten der Seele schenkt“ kaufen kann. Ja sicherlich, das glaube ich auch. Der Reiche will alles mit Geld erreichen und will seine Vermögenswerte steigern, der Arme, so habe ich das verstanden, hat die Fähigkeit, ohne Geld glücklich zu sein. Ach, dann bin ich also doch wieder dorthin zurückgekommen, dass der Mensch ohne Besitz glücklich sein kann. Nur die „allerfühligsten Reichen“ können auch glücklich sein, wenn sie nicht nur nach materiellen Werten jagen. Armut also eine Tugend. Wenn Sándor Márai das so meint, bin einverstanden. Wieder ein trotzdem, er schrieb doch schon in der Einleitung des Buches, Armut sei nichts gutes. Mit solchen Widersprüchen treibt er mich in die Verwirrung. Vielleicht finde ich noch aus der Verwirrung hinaus.

Sándor Márai wendet sich den Kynikern zu, die nach Tugend strebten, d.h. alle äußeren Güter verachten, in Bedürfnislosigkeit lebten. In Johannes Hirschberger, Geschichte der Philosophie heißt es:

"Das führt zu einer Verachtung auch der Kulur, der Wissenschaft, de Religion, der nationalen Bindungen, und besonders auch der Sitte und des Anstandes."

So konnte Diogenes von Sinope der diese Lebensweise bis ins Extreme lebte, in der Öffentlichkeit onanieren, in der Tonne leben (was allerdings eine Legende ist). Der Kyniker kennt keine Scham. Die reiche Herrin allerdings auch nicht, die keine Scham empfindet, wenn sie sich vor ihrem Dienstboten auszieht, wie uns Márai mitteilt (Dienstboden und Dienstmädchen waren in den Augen der Herrschaft nicht als Menschen anzusehen, sondern als Maschinen, die funktionieren mussten, man vgl. hierzu den hervorragenden Dienstmädchenroman „Édes Anna“ von Dezső Kosztolányi). Da Diogenes nichts besitzen wollte, warf er seinen Trinkbecher weg, als er sah, wie ein Kind das Wasser mit bloßen Händen auffing.

Mit seiner Lebensweise katapultierte sich der Kyniker aus der Gesellschaft heraus. Márai wollte diesen Weg gehen, zumindest versuchen, „eines Tages der Welt den Rücken zu kehren,“ denn das Leben in der Gesellschaft „wo das Gesetz des Angebotes und der Nachfrage den Wert der Dinge bemißt, ohne dabei seinen Mitmenschen zu schaden, vermag man nur mit Hilfe von Geld.“ Sein Geld reichte aber nicht aus.

Márai spricht von Angebot und Nachfrage, vom Leben in der Gesellschaft, in der die materiellen Güter so wichtig sind, und ich bekomme den Eindruck, dass Márai das Leben der Kyniker, als Extrem der Lebensauffassung „Zurück zur Natur“, dem Kapitalismus gegenüberstellt. Im zweiten Kapitel lasen wir schon „Ein richtiger Reicher vermehrt sein Vermögen so lange er lebt.“ Das ist die Grundmaxime des Kapitalismus, darin man nicht auf diese Weise lebt,niemanden zu schaden, wie es noch bei dem Tugendbegriff bei Voltaire geheißen hat, sondern, wenn wir in unsere Gegenwart schauen, diese sinnlose Gier von Bankenspekulanten uns in die Wirtschaftskrise geführt hat. Diese sinnlose Geldgeilheit drückt sich in der Unzufriedenheit des Googlekonzerns aus, der, obwohl sie ihren Quartalsgewinn ins Fünfache gesteigert haben, in diesen Tagen ziemlich unzufrieden ist, siehe hier. Die kapitalistische Lebensart bringt keinen Frieden, ich denke, Márai weiß das auch.

Das Buch scheint für einen Moment richtig gut zu werden. Armut ist Freiheit. Das Ziel, sich von Zwängen zu lösen, auch keinen Wecker zu gebrauchen, macht frei. Gut.

"Außerhalb der Gesellschaft und im Besitz der rückeroberten Zeit begannen meine abgestumpften Sinne sich allmählich wieder zu beleben, langsam begann ich zu genesen und fing an menschliche Farbe zu bekommen..."

Doch dann sinkt der Ungar wieder in das unglückselige Armutsgejammer hinab und betröpfelt sich wieder mit trivialdummen Klischees, Frauen könne man nur mit Geld erobern, die Armen seien von Natur aus faul usw.

Das Buch führt schließlich dorthin, wo ich nicht hinwill. Ein frömmelnder Geist mag das schick finden, aber für mich persönlich wäre das ein völliger Rückschritt in Dumpfheit. Im Grunde genommen plädiert Márai eine Lebensverneinung, wenn er im letzten Absatz des Buches dem Armen, der in Not geraten ist „den einzigen praktischen Rat“ gibt, sich in schwierigen Situationen an Gott zu wenden. Vorher wird gesagt, dass jeder Arme irgendwann auf Gott trifft. Wie soll das gehen? Gott als eine Instanz für Menschen, die in ihrer elendigen Armut mit dem Leben eigentlich schon abgeschlossen haben, weil das Leben Scheiße ist und als Rettungsanker hilfesuchend nach der Hand Gottes suchen, der sie ins Paradies zieht. Für den Heiligen Franz von Assisi, den Márai erwähnt, war der Gang in die Armut freiwillig, für ihn war die Armut noch eine Tugend und kein Leid. Márai hat „diese Herrlichkeit der Armut“ nie erfahren, darum er in seiner Armut gelitten hat, nur noch im Leid den Anker Gottes findet. Damit wird Gott zum Fluchtweg aus dem Leben. Diese Lebensverneinung der Armut im Geiste Márais zeigt sich auch darin, wenn gesagt wird, „die Reichen...konsumieren Alkohol in größeren Mengen nur, wenn sie unglücklich sind. Die Armen dagegen trinken sozusagen ununterbrochen." Kein Wunder, wenn Gott zum Opium wird.

Imre Kertész: Kaddisch für ein nicht geborenes Kind

2010-01-21T09:01:00.004Z

An so einem schweren Text wie Kaddisch musste ich mich vorsichtig herantasten. Ein Monolog ohne Absätze über 156 Seiten. Wie bei Thomas Bernhard kommen Wiederholungen vor, aber weitaus nicht so exzessiv wie bei dem Österreicher. Der Text hat mit Bernhard nichts zu tun, sondern wir entdecken hier einen typischen Kertész. Die Wiederholungen im Text sind niemals aufdringlich, sie sind harmonisch eingewebt, dezent. Díeser Text ist allein Sprachkompositorisch gesehen eine Meisterleistung (so etwas sage ich wirklich selten). Kertész hat den „Roman eines Schicksallosen“ völlig anders gestaltet, vor allem leicht lesbar. Das ist wohl beabsichtigt, denn darin ging es um die Erlebnisse eines Jungen. Das hat natürlich den Nebeneffekt, ein leicht lesbarer Roman findet mehr Leser. „Kaddisch für ein nicht geborenes Kind“ hat mich so gefordert, dass ich, weil ich Textpassagen durchgängig wiederholt habe, den Roman nach einem Durchgang schon zweimal gelesen habe.

B., Schriftsteller und Übersetzer, der den Monologes vorträgt, geht mit einem Herrn, dem Doktor Oblath, einem Philosophen, in einem Buchenwald eines ungarischen Mittelgebirges spazieren. Da sich B. mit Botanik nicht auskennt könne es auch ein Eichenwald oder Lindenhain sein, da ist er sich nicht so sicher. Die Nennung Buchenwald auf der der ersten Romanseite spielt warscheinlich auf das KZ Buchenwald an. Doktor Oblath fragt B., ob er Kinder habe, was er verneint, diese Frage ihn aber ziemlich aufgewühlt . Oblath betrachte seine Kinderlosigkeit als „Versäumnis“, eine Chance, verpasst zu haben:

"über die Selbsterhaltung hinaus das Weiterleben, das Überleben dieses seines Daseins, also seines Selbst, verlängert und vervielfältigt in den Nachkommen....."

Dabei geht es um eine existentielle Sinnfrage, dass er, der Mensch

"sich nicht als verstümmelt, überflüssig und letzten Endes überflüssig vorkomme;.."

Es geht um Existenzberechtigung und Sinnfragen, nach der Gebrechlichkeit des Menschen. Dabei sei zu bemerken, der Waldspaziergang geht durch das Herbstlaub. Kertész lässt den Ton eines mißtönigen Englischhorns um unser schwaches Dasein erklingen. Diese Metapher hat mit sehr gefallen.

Vielleicht ist es ja übertrieben, wenn wir lesen müssen

"daß die bloße Existenz des Lebens eigentlich eine Unkultiviertheit sei..."

na, ja, es steht dort „eigentlich“, vielleicht ist das gar nicht so. In Kertész' Roman geht es darum, ob man nach einer Auschwitzerfahrung überhaupt weiterleben kann. B. bestreitet das.

B. fristet eine schmachvolle Existenz als Schriftsteller und Übersetzer, wobei ja, wenn man Schriftsteller ist, aber von Übersetzungen leben muss, sich natürlich auf einen niederen Ast fühlen muss. Hat er zu anfangs sein „mein Dasein als Möglichkeit deines Seins betrachtet" wird das nun ergänzt mit „Dein Nicht-Sein als radikale Liquidierung meines Seins betrachtet.“ Oftmals erzählt er davon, sein Grab zu schaufeln. Einmal heißt es so schön

"wo ich in die hell glänzende Luft aufblicke, oder in die Wolken, in die ich mein Grab mit dem Kugelschreiber schaufele."

Das ist eine Anspielung auf die Todesfuge, auf die sich der Roman ausdrücklich bezieht:...

"streicht dunkler die Geigen dann steigt ihr als Rauch in die Luft dann habt ihr ein Grab in den Wolken da liegt man nicht eng."

Die Todesfuge schwingt durch den ganzen Roman. Sehr spannend finde ich des Protagonisten Auseinandersetzung mit der unsinnigen Aussage, das es für Auschwitz keine Erklärung gibt. B. gibt sein Contra und sagt,

"Auschwitz hänge seit Jahrhundertengleich einer dunklen, von den Strahlen zahloser Schandtaten reifenden Frucht, die darauf wartet, den Menschen auf den Kopf zu fallen,.."

Darunter verstehe ich den Gipfel der Gewalt, der sich im 20. Jahrhundert auf erschreckendste Weise manifestiert hat, brodelte schon seit Jahrhunderten in der Menschheitsgeschichte und ist im 20. Jahrhundert wie ein entsetzlicher Vulkanausbruch über die Menschheit hereingebrochen. Auschwitz war immer schon dagewesen Diese durch „Schandtaten reifende Frucht“ ist die Geschichte des Antisemitismus, die schon in der Antike ihren Anfang genommen hat.
An dem Hegel'schen Weltgeist wird gekratzt. H. habe gesagt, die Weltgeschichte sei das Bild und die Tat der Vernunft.

"...wer die Welt vernünftig ansieht, den sieht auch die Welt vernünftig an, beides ist in Wechselbestimmung – sagt wiederum H., nicht H., der Führer und Reichskanzler, sondern H., der gewaltige Seher, Philosoph, Hofnarr und auserwählte Leckerbissen aufwartende Mundschenk, aller Führer, Reichskanzler und sonstigen Titularusurpatoren,.."

An dieser Stelle wird ziemlich neckisch vor den Gefahren des Missbrauchs der Wissenschaft in Diktaturen gewarnt. Ich stieß nun auf das Buch von Hubert Kiesewetter, einem Schüler von Karl Popper, der das Buch „Von Hegel zu Hitler“ verfasst hat, in dem er darlegt, jedenfalls wird das im Klappentext erläutert,

„... daß nicht Rassismus, Antisemitismus und Weltwirtschaftskrise die Machtergreifung der Nationalsozialisten ermöglicht haben, sondern Hitlers Propaganda für den totalitären Zentralstaat. Hegel hatte in seiner Rechtsphilosophie die modernste und entwickelteste totalitäre Staatslehre entworfen, auf die sich Wissenschaftler und Politiker seit 1821 in ihrem Kampf gegen Individualismus, Liberalismus und Parlamentarismus über 120 Jahre lang stützen konnten. Die Etablierung eines totalitären Machtstaates war die wichtigste Ursache der deutschen Katastrophe. Sein Aufstieg und Untergang werden hier dargestellt und erklärt.“

Ich weiß nicht, inwieweit diese These wirklich ernstzunehmen ist und überlege, ob Kertész dieses Buch gelesen hat, allerdings, ein philosophisches Weltbild herzunehmen um eine Diktatur zu rechtfertigen, klingt an sich schon als Missbrauch, wobei ich es sowieso für problematisch halte, ein philosophisches System auf politische Verhältnisse zu übertragen. Kertész mag Hegel insofern kritisch gegenüberstehen, weil es für ihn natürlich nicht nachzuvollziehen ist, wie der Holocaust als irdisches Abbild eines Weltgeistes zu verstehen sei.

In Kertész' Roman gibt es Stellen, die mich besonders emotional rühren. Die Begegnung mit dem „Herrn Lehrer“ im KZ zeigt deutlich, was für ein Zufall es ist, das Lager überlebt zu haben. Verständlicherweise muss darausfolgernd die Frage nach der Existenzbeechtigung auftauchen. Und dann auf den Seiten 39/40, auf denen B. von einer „Schwarzen Messe der Menschheit“ spricht, aus der Erinnerung heraus würde Gas sickern, der letzte Überlebende aus Warschau würde sein Schm'a sprechen usw. Arnold Schönberg hat "Ein Überlebender aus Warschau" in Töne gesetzt (siehe auch hier). Mich hat sehr beeindruckt, wie Kertész auf diese Weise auf das Problem des Überlebens zurückkommen ist, spricht sogar, B. sei ein „Übriggebliebener aus Budapest“ und kommt schließlich auf die Kinder zurück, die nie gezeugt wurden. Ja, dann habe ich mich erinnert, das ich ein „Kaddisch für ein nicht geborenes Kind.“ lese.

Viele Fragen bleiben offen. Vielleicht auch ein Zeichen dafür, dass es sich um ein gutes Buch handelt, denn mit solch existentiellen Fragen werden Menschen wohl niemals fertig. Für mich stellt sich die Überlegung, ob die Unmöglichkeit der Existenz des Menschen nicht doch zu pessimistisch ist. Unsere folgende Generation, schon meine Nichten und Neffen, werde sich die Frage stellen müssen, ob man in Zeiten der Klimakatastrophe Menschen in die Welt setzen sollte. So werde ich mit dem Roman nicht fertig, und lasse ein wenig Luft ab, indem ich hier plaudere.

Amélie Nothomb: Der Professor

2010-01-14T12:10:00.004Z

Amélie Nothomb hat einen wunderbaren Draht zum Skrurrilen. Und ich staune doch, was die Autorin aus dem an sich ziemlich banal scheinenden Ausgangspunkt des Romans herausholt. Es geht nämlich darum, ein Arzt, schon siebzig Jahre alt, auf dem Lande lebend, nervt ein neu hinzugezogenes älteres Ehepaar in der Nachbarschaft, indem er jeden Tag pünktlich um 16.00Uhr bei Émile und Juliette Hazel klingelt, sich zum Kaffetrinken einladen lässt, sehr schweigsam ist, lakonisch meist nur mit „Ja und „Nein“ antwortet, dem friedlebenden Ehepaar deftig auf die Nerven geht, dass man hier schon von einem Psychoterror sprechen kann. Um 18.00 Uhr geht er dann wieder. Der Ausgangspunkt ist also ähnlich wie in "Kosmetik des Bösen", der Verlauf und der Grund des nachbarschaftlichen Terrors ein ganz anderer.

Die These des Romans ist nicht neu: Das Böse lauert überall. Nicht neu, richtig, aber es kommt darauf an, wie die These im Roman umgesetzt und verarbeitet wird. Ich finde, das ist hier auf skurrile und freche Weise mit einem durchaus leckerbissigen Humor gelungen, auch der Schluss enttäuscht nicht, sondern ist an sich logisch, kann, wenn ich die Lektüre rückwirkend betrachte, auch gar nicht anders sein kann. Der erste Satz des Romans sitzt wie gegossen und führt dann in einem großen Bogen zum Romanende hin. Der erste Satz heißt wie folgt:

"Von sich selbst weiß man nichts".

Émile und Juliette kennen sich seit ihrer Schulzeit und waren seither unzertrennlich gewesen, ein friedliches, unauffälliges Paar. Es gab keine Lebenskrisen, alles war schön, Émile verwirklichte sich als Griechisch – und Lateinlehrer. Man konnte gar nicht unhöflich , nicht unsittlich sein, weil man nie so war. „Gewisse elementare Reflexe“ hatte man in sich, und wenn Herr Bernardin, der Quälgeist, an die Tür klopft, fühlt sich der brave Philolog' geradezu dazu verpflichtet, die Tür zu öffnen und hatte dann den klobigen Nervtöter als Belohnung in der Wohnung. Diese biedere Menschenfreundlichkeit wird hinterfragt, und als Leser denke ich mir wirklich, wie im Grunde langweilig muss doch dieses brave Leben gewesen sein. Émile und Juliette haben endlich ihr Ziel erreicht, ein ruhiges Haus auf dem Lande zu finden, in dem sie weiterhin ihre biederfriedliche Existenz fortführen wollen bis zum Tod. Und dann kommt der Quälgeist, ihre friedliche Zeit ist vorbei.

Das Ehepaar Émile und Juliette ist wie ein geschlossenes System, was nur in sich geschlossen funktioniert.Wird aber die Außenwelt hineingetragen, hier durch den Professor verkörpert, so kann ein geschlossenes System, welches bis dahin funktioniert hat, brüchig werden und plötzlich wird eine Introspektion in Gang gesetzt, dass die Betroffenen in eine ungeheuerliche Selbstoffenbarung führt.

"Je mehr Jahre hingehen, desto weniger versteht man, wer diese Person ist, in deren Namen man spricht und handelt".

Prädikat wertvoll.

Amélie Nothomb: Kosmetik des Bösen

2010-01-05T13:15:00.003Z

Weil sein Flugzeug Verpätung hat, sitzt der Geschäftsmann Jérôme Angust auf einem Flughafen fest und nimmt ein Buch zur Hand, wird aber durch einen Holländer namens Textor Texel gestört, der mit Jérôme ein Gespräch beginnt und den Geschäftsmann kontinuierlich steigernd auf die Palme bringt und schließlich wird klar, Textor Texel lege es offenbar auf einen Psychoterror an. Jérôme ist genervt und entsetzt von diesem Holländer, der ihm von seinen grauslig morbiden Erlebnissen aus seiner Vergangenheit erzählt, entsetzt von Texels Gefühlskälte und den damit abstrusen Vorstellungen von zwischenmenschlichen Beziehungen. Textor Texel wird als verkorkster Psychopath dargestellt, der von einem unverarbeiteten Trauma ausgehend, durchs Leben getrieben wird.

Der sehr kurze Roman, wenn es nicht doch eine Erzählung ist, besteht fasst ausschließlich aus dem Dialog zwischen Jérôme und Textor. Es ist der Autorin sehr geglückt mit diesem Dialog Spannung zu erzeugen und zu steigern. Besonders die Stellen, die Textor Texel als eine absolut gestörte Persönlichkeit erkennen lassen, sind herausragend gezeichnet. Gerade deshalb aber, ist die Schlusswendung des Textes, in der alles selektionsmäßig aufgeschlüsselt wird, doch eher ernüchternd. Die Autorin bedient sich eines Elements aus dem Phantastikgenre, was an sich nicht schlecht ist, ich dieses aber mit einer „Aha- schon mal so was gelesen“- Reaktion quittierte, weil es sehr plump, als plötzliche Offenbarung, aufgetischt wird. Das ist ein arger Fehler und verdirbt letztendndlich die ganze Geschichte. Das ist äußerst bedauerlich und schmerzlich, weil die Autorin bis dahin, ihre Geschichte sehr glücklich, durchaus hervorragend gestaltet hat. Am Ende des Romans habe ich mir gewünscht, ich wäre etwas im Ungewissen, im Rätselhaften geblieben. Für mich wäre das spannender gewesen.

Robert Merle: Malevil

2009-12-31T16:10:00.002Z

Der Name Malevil ist aus den Wörtern Mal (frz. Böse) und evil (engl. Böse) zusammengesetzt und bezeichnet eine fiktive Burganlage in Südfrankreich, die im Hundertjährigen Krieg von Engländern erbaut worden ist, inzwischen zu einer baufälligen Ruine verwahrlost, dem Jungen Emmanuel Comte als geheimer Zufluchtsort dient, wenn er Abstand zu seinen Eltern sucht. Ein typischer Junge, der in den Nachkriegsjahren, wir schreiben das Jahr 1948, in den Gemäuern das Abenteuer sucht. Offiziell ist der Zugang zur Burg verboten, weil sich gelegentlich Steinbrocken gelöst haben. Sein Onkel, der eine besonders herzliche Beziehung zu Emmanuel entwickelt, weiß um Emmanuels geheimen Unterschlupf und lässt ihn gewähren. Der Onkel stirbt und hinterlässt ihm eine Bibel mit einem Brief, in dem der Onkel folgendes vermerkt:

"Bei diesem Buch darf man sich nicht an die Gebräuche kehren, auf die Weisheit kommt es an."

Auch wenn die einleitenden Kapitel sehr ausgedehnt sind, tragen sie doch entscheidend zur Vorbereitung der kommenden Katastrophe bei. Wenn im Jahre 1977 die Bombe fällt und alles Leben auf der Erde auslöscht, befindet sich Emmanuel mit einigen Freunden zufällig im Weinkeller der Burganlage. Sie erleben den Schnitt von einem Leben davor, welches unwiederbringlich verloren ist, und es beginnt für sie ein Leben, die Zeit nach dem Tag X, und als das Mädchen Miette, die auch überlebt hat, in Malevil einzieht, gibt es dort eine gebährfähige Frau, Grundvoraussetzung für das Überleben der Menschheit.

Emmanuel, der im Alter von 35 Jahren Malevil gekauft, die Burg für Touristen restauriert hat, das Leben dort sehr demokratisch führt und eine große Gabe für diplomatische Verhandlungen hat, sieht sich aber vor großen Problemen gestellt.

Da ist die Sache mit den Frauen, d.h. Es ist zu anfangs nur eine da, die gebährfähig ist. Miette. Allerdings habe ich den Eindruck, dass es eben die Männer sind, die ihre Begierden als Phallokraten befriedigen müssen, und die Frau ist das Sexobjekt. Ja, ganz banal. Mir ist ehrlich gesagt ziemlich unwohl, und ich kann mir nicht vorstellen, dass es lange auf diese Art und Weise gut gehen wird, dass sich etwa sechs Männer eine Frau teilen. In unserem mitteleuropäisch Kulturkreis, in dem immer noch das christliche Moralempfinden überwiegt, oder das Moralempfinden anerzogen worden ist, da kann ich mir doch nicht vorstellen, dass sich mehrere Männer eine Frau teilen. In anderen Kulturkreisen - es wird eine indische Kaste erwähnt, bei der sich mehrer Brüder aus existentiellen Gründen eine Frau teilen - mag das üblich sein, auch ein Moslem darf mehrere Frauen haben, muss aber für sie und für die Nachkommenschaft Sorge tragen, d.h. Verantwortung. Aber in Frankreich ist es eben nicht so . Kurz und gut. Ein Unding, was dort in Malevil passiert. Es ist eine Frage von Moral und Unmoral, mit der sich die Männer von Malevil auseinanderzusetzen haben. Moral ist, wie wir gesehen haben, kulturabhängig. Natürlich können wir sagen, durch die Bombe ist auch die christliche Obrigkeit abgeschafft und die Menschen in Malevil müssen sich ihre Moralvorstellungen neu erschaffen, was allerdings nicht geht, weil diese Menschen ihre Vorstellungen vom Leben von der Zeit davor in die Zeit danach weitertragen. Warum Miette sich für alle Männer entscheidet und sie im Wechsel der Liebe pflegen lässt, blieb mir ein Rätsel, bis ich auf den Hinweis gestoßen bin, Miette sei ein wenig debil. Jetzt erkennen wir, in was für Gedankenbisse der Leser hier kommen muss. Ein geistig etwas zurückgebliebendes Mädchen wird von einer Anzahl von Männern für sexuelle Befriedigungen ausgenutzt. Das ist schamlos und der Beginn von Barberei. Selbstverständlich habe ich gedacht, die Leute von Malevil werden in maßloser Barbarei verfallen. Dem ist aber nicht so. Auch als menschlich verwahrloste Plünderer ohne wenn und aber mit ihren Gewehren brutal niedergemetzelt werden, bleibt die Streitfrage, ob dieser Massenmord gerechtfertigt sei. Hier unsere Maßstäbe von Moral und Unmoral anzusetzen, halte ich für nicht richtig. Welcher Mensch möchte sich denn einfach umbringen lassen? - Keiner. Na also, dabei mir natürlich aus meiner Sicht völlig klar ist, all dieses ist völlig unmenschlich und so etwas kann nicht gutgeheißen werden. Die Maleviler leben aber in einer äußerst unmenschlichen Situation, die ums überleben kämpfen müssen, und zum Überleben brauchen sie eben das Getreidekorn, und wenn die Plünderer das Korn stehlen, müssen sie sterben, wenn diese nicht sterben, dann sterben die Menschen von Malevil. So eine einfache Rechnung ist das.

„Malevil“ entstand im Jahre 1972, als die Bedrohung eines Atomkrieges im Bewusstsein der Menschen akut war. Die siebziger Jahre, das war die Zeit großer Demonstrationen gegen die Atombombe, gegen Atomkraftwerke, die Zeit der großen Friedensbewegung, die sich gegen den Vietnamkrieg stark machte. Bei der Bombe in unserem Roman handelt es sich allerdings um eine Lithiumbombe, die keine Kernstrahlung freisetzt. Der Roman muss ein Schlag gegen die Friedensbewegung gewesen sein, macht der Mensch nach dem Tage X doch genauso weiter wie vor dem Tage X. Der Mensch ist zum Unfrieden verdammt. Die Leute von Malevil sehen sich gezwungen, sich kriegsmäßig zu rüsten. Es wird immer so gerissene Hunde wie den falschen Priester Fulbert geben, der auf La Roque eine egobesessene Diktatur führt, und Emmanuele Comte mit der Bibel in der Hand wird als Kulturbringer der Menschheit nach dem Tage X in die Geschichte eingehen.

Mein Hauptkritikpunkt an dem Roman ist, die Spannung wird nicht gehalten. Es gibt extrem spannende Stellen, so halte ich Diskussion zwischen Emmanuel Comte und Fulbert für den literarischen Höhepunkt des Romans, in dem Comte als hervorragener Diplomat agiert und Fulbert ein gerissener Hund im Schafspelz, der seinen Gegenspieler moralisch zu erpressen versucht, trotzdem, Spannungen ebben mehrmals wieder ab, flammen irgendwann wieder auf. Ich war auch überrascht, glaubte ich doch wegen einiger Anspielungen, der Roman ziele auf eine fürchterliche Barberei ab, in der der Mensch sich eher in Richtung Tier entwickelt, als zum Menschen. Soweit wollte Robert Merle nicht gehen, ist die Zeit vor dem Tage X doch noch präsent, schließlich haben sie noch die Heilige Schrift. Der Barbarismus ist der Krieg. Auch wenn mir „Die geschützten Männer“ mehr gefallen haben, ist dieser Roman wegen dem Thema, welches dem Leser auch nach der Lektüre nicht loslassen mag, sehr zu empfehlen.

Franz Kafka: Ein Bericht für eine Akademie

2009-12-30T11:41:00.001Z

Kafka erzählt von der Wandlung eines Affen zum Menschen, dabei finde ich es entscheidend, der Wunsch des Affen, sich zum Menschen zu entfalten, wird während einer Jagdexpedition der Firma Hagenbeck, also durch Menschen selbst ausgelöst, die den Affen an der Goldküste einfangen, ihn dann auf ihrem Schiff in eine Kiste einsperren. Der Wunsch des Affen aus der Kiste herauszukommen ist groß. Ein dreiwandiger Gitterkäfig, recht unbequem sich tierisch oder menschlich darin bewegen zu können, an einer Kiste befestigt, die die vierte Käfigwand ausmacht. Die Gitterstäbe schneiden dem Tier ins Fleisch. Der Affe spürt die Unterdrückung, die Qual durch den Menschen. Aber Vorsicht, hier Rückschlüsse auf die Vater – Sohn Beziehung im Hause Kafka schließen zu wollen, halte ich für nicht statthaft, würde auch eine Kafkadeutung, die sich hauptsächlich auf den Vater-Sohn Komplex einengt, entschieden ablehnen. In weiterer Betrachtung der Geschichte ergibt sich außerdem, dass m. M. n. eine psychologische Deutung der Geschichte nichts bringen würde. Hier geht es einfach um das Verhältnis zwischen Mensch und Tier, und wie man dazu stehen solle, dass ein Affe in Varietéevorstellungen durch angelernte Verhaltensweisen vermenschlicht wird. Natürlich gibt es andere Interpretationen, die in den Darwinismus führen, und Max Brod verstand den Text „als Allegorie auf die Assimilation des Westjudentums“ (siehe hier). An dieser Stelle möchte ich aber den Text nackt betrachten, wie er vor mir liegt und daraus meine Schlüsse ziehen:

Von Hagenbecks Jägern wird der Affe in die Wange geschossen, die Wunde hinterlässt „eine große ausrasierte rote Narbe“. Damit ist er gebrandtmarkt und wird Rotpeter genannt. Die Narbe und der Name tragen unweigerlich eine Portion Spott und Hohn und drängen den Affen in eine Außenseiterrolle, aus der das Tier entkommen will, genauso wie das Tier aus dem Käfig gelangen will. Der Weg führt nur durch die Entwicklung zum Menschsein zum Ziel, d.h. durch Imitation gelingt es ihm, menschliche Verhaltensweisen zu kopieren, bis er letztlich auch ihre Sprache spricht.

Der Weg zum Menschen ist holprig und schwer, das zeigt die Gewohnheit des Affen, vor Besuchern seine Hose herunterzuziehen, um seine zweite Verwundung vorzuzeigen. Ein erwachsener Mensch würde das aus Scham nie machen, nur Kinder. Natürlich hat Kafka an dieser Stelle eine Portion Humor niedergelassen und seine Affennatur, wird der Affe, da er als Affe geboren ward, niemals vollständig aufgeben können. Zumindest ist davon auszugehen, weil Menschen äffische Verhaltensweisen zu Tage legen können. Ich meine die Zielsetzung unseres vermenschlichten Affen, in einem Varietétheater auftreten zu wollen, liegt niemals in der Natur des Affen, denn an der Goldküste oder an den Hängen des Kilimandscharo käme ein Gorilla niemals auf die Idee, Varietévorstellungen zu geben. Darum ist es sehr äffisch, dass sich unserer Affe zum Menschen machen will, und die Menschen, die unseren Affen menschliche Verhaltensweisen beibringen, benehmen sich wie Affen, weil sie den Affen um seine eigentliche Natur betrügen. Ein Fristen im Zoo ist für einen Affen genauso unwürdig wie ein Auftreten in einem Varieté.

Kafka macht den Affen zum Menschen, den Menschen zum Affen. Diese groteske Überspitzung macht mir die Erzählung sympathisch und beweist Kafkas Humor, katapultiert ihn aus dem drückenden Schatten seines Vaters. Der Mensch schaut in den Spiegel und sieht einen Affen. Das ist die Botschaft der Geschichte.

Robert Merle: Die geschützten Männer

2009-12-13T09:19:00.003Z

Das Virus Enzephalitis 16 verändert die Welt. Fast alle Männer sterben, sie verlieren das Bewusstsein und fallen ins Koma. Frauen sind immun. Eine Erhebung hat gezeigt, kein Junge im vorpubertären Alter ist von der Krankheit betroffen, es gibt nur wenige Männer über siebzig, die an Enzephalitis 16 gestorben sind. Der Neurologe Dr. Martinelli, der vor einem Ausschuss der HEW, dem Ministerium für Gesundheitswesen, Volksbildung und Soziales in Washington über die Epidemie referiert, möchte, dass sein Bericht veröffentlicht wird. Doch auch drei Wochen nach dieser Unterredung ist nichts geschehen. Die Öffentlichkeit ist nicht alamiert. Keine prophylaktischen Maßnahmen werden durchgeführt, die Presse schweigt. Es stellt sich heraus, nicht das HEW ist schuld an dieser desolaten Lage, sondern der US- Präsident. Nach Veröffentlichung des Berichtes wäre der Präsident nämlich in die missliche Lage gekommen, Maßnahmen zu ergreifen, die ihn unbeliebt gemacht hätten.

Und wegen Thailand, wo er eine Art heimlichen Krieg führt, der niemand entgeht, ist er schon unpopulär genug.

Wegen solcher Seitenschlenker, Amerikakritik, die uns heute noch vertraut ist, weil sich in Amerika in mancher Beziehung nichts verändert hat und neuerdings Krieg sogar mit Moral gerechtfertigt wird, macht den Roman interessant und nachdenklich. Es geht aber nicht nur um Egoismen eines Präsidenten, der auch nur kurz auftaucht. Merle zeichnet eine herrliche Karikatur eines Juden, der überempfindlich misstrauisch ist, „als ob er versuchte, beim anderen den kleinen Schimmer von Antisemitismus aufzudecken, der ihm bis dahin entgangen sein könnte". In Verbindung zur Epidemie Enzephalitis 16 gelingen Robert Merle Seitenhiebe auf das amerikanische Sektenwesen und fundamentalistischen Christentums. Nach über dreißig Jahren, der Roman wurde 1974 veröffentlicht, birgt er immer noch Aktualität.

Das Hauptthema des Romans ist der Feminismus, den der Autor mit Ironien zeichnet, der in militanten Auswüchsen unerträglich wird. Die Männer sterben aus, die neue US-Präsidentin Bedford kommt an die Macht und errichtet eine feministische Diktatur, die in ihrem Auswuchs verbrecherisch ist und jede Menschlichkeit verloren hat:

"Eine gewählte Regierung wagt es, ihre Bürger wie eine Herde Vieh zu behandeln und auf Grund willkürlicher Entscheidungen einige wenige zu Hengsten, die Mehrheit zu Wallachen zu machen. Erneut bestätigen sich meine Befürchtungen. Bedfords männerfeindlicher Sexismus ist eine Art Rassismus, und wie jeder Rassismus wird er, machtpolitisch intregriert, zwangsläufig zu einem verbrecherischen Instrument gegen die Menschheit."

Es ist ein Roman, der sich gegen verbrecherische Diktaturen und gegen Rassismus richtet. Dass es hier um eine feministische Diktatur geht, ist kein Zufall, war doch in den sechziger und siebziger Jahren des 20. Jahrhunderts der Feminismus ein großes Thema, der auch mal abstruse Wege gegangen ist. Valerie Solanas, die Frau, die Andy Warhol beinahe erschossen hat, schrieb im Jahre 1967 das „Manifest der Gesellschaft zur Vernichtung der Männer“. Andy Warhol fand den Text brilliant geschrieben und witzig. Wer weiß denn heute, wieviel Satire und wieviel Ernst in diesem Text stecken mag. In „Die geschützten Männer“ ist es Deborah Grimm, die die Männer abschaffen will und Dr. Martinelli, der in einem Camp in Blueville zu den geschützten Männern gehört, und ein Gegenmittel für das Virus Enzephalitis 16 entwickeln soll, wird auch nur zu einem Opfer der Diktatur. Die Welt im Stacheldraht, die Welt außerhalb des Stacheldrahtes, in beiden Welten ist der Mann unfrei. Diktaturen werden durch einen Stacheldraht nicht aufgehalten. So ist das Lager Bestandteil der Schreckensdiktatur und wird im Roman nicht zufällig als luxuriöse Variante eines Konzentrationslagers bezeichnet. Anspielungen auf die Nationalsozialistische Diktatur gibt es mehrere.

Egal ob Männer oder Frauen mit Sexismus belegt werden - die Wortschöpfung „Phallokrat“ bleibt hängen -, es ist immer eine Beleidigung. Robert Merle geht es um Gleichberechtigung zwischen Geschlechtern und Rassen. Nur auf Augenhöhe ist ein würdiges Zusammenleben möglich. Besonders hat mir gefallen, dass Merle dieses Thema ironisch angeht, sodass der Leser trotz ernster Thematik damit rechnen muss, dass seine Lachfalten strapaziert werden. Die Sprache ist ziemlich simpel, da der Inhalt aber tiefschürfend ist, ist der Roman unbedingt weiterzuempfehlen und hat seinen Platz in der Reihe der großen Utopien des 20. Jahrhunderts verdient.

Jean-Marie Gustave Le Clézio: Der Goldsucher

2009-12-04T15:26:00.003Z

Als im Jahre 2008 der Träger des Literaturnobelpreises verkündet wurde, reagierte Focus Online mit dem Artikel "Voll daneben", in dem der Redakteur Jobst-Ulrich Brand über Preisvergaben der letzten Jahre lästerte - „Ja, dann schafft ihn doch am besten gleich ganz ab, den Literatur-Nobelpreis!“ - ohne konstruktive Literaturkritik zu leisten, obwohl schon damals Jean-Marie Gustave Le Clézio zu den am meisten gelesenen französischen Autoren auf der Welt gehörte, Deutschland ihn aber verschlafen hatte.

Mit dem Roman „Der Goldsucher“ taucht Le Clézio in die Welt des Abenteuerromans ein. Der Leser wird allerdings überrascht sein, kein actionreiches Abenteuer vorzufinden, sondern er wird in einer farbigen Sprache gemächlich durch den Roman getragen, auch wenn der Romanaufhänger andere Hoffnungen weckt. Nach den Aufzeichnungen seines Vaters ist Alexis auf der Suche nach dem legendären Goldschatz eines unbekannten Korsaren, der schon seit hundert Jahren gesucht wird, und sein Vater herausgefunden haben will, der Schatz befinde sich auf der Insel Rodriguez im Indischen Ozean gelegen.

Der Roman erzählt von der Naturverbundenheit des Menschen. „Immer, soweit ich zurückdenken kann, hab ich das Meer gehört.“ So beginnt der Roman. Das Meeresrauschen erfüllt Alexis mit „einer Sehnsucht, die er nicht begreife.“ Er lauscht seinem Vater zu, wie er vom Sternenhimmel erzählt, und wenn er im Jahre 1910 von Mauritius Richtung Rodriguez aufbricht, auf dem Deck des Schoners „Zeta“ liegt, dann „schwankt der Himmel zwischen den beiden Masten, die Sternbilder drehen sich, halten einen Augenblick inne und kehren in die Ausgangsstellung zurück.“

Le Clézios poetische Malerei, die Landschaft Mauritius', die Fahrt auf dem Meer, usw. ist von eindringlicher Farbigkeit gezeichnet, die auf mich aber nicht ausufernd wirkt. So lese ich dutzende Seiten, lasse mich durch die Worte treiben wie auf einem Schiff, durchstreife Zuckerrohrplantagen, durchlebe wie ein Robinson Crusoe Alexis' Einsamkeit auf Rodriguez, die Suche nach dem Schatz. Was will ein Autor mehr, wenn er Leser mit seiner Erzählmagie so gewaltig mitreißen kann.

Inhaltlich verdient der Roman besondere Aufmerksamkeit, weil das Abenteuer selbst, die Schatzsuche, in Frage gestellt wird. Trotzdem, ersteinmal lässt sich Alexis in den ersten Weltkrieg treiben, bevor seine Abenteuerreise zu einer Reise in seinen inneren Wesenskern führt.

Um Kritik an Kolonialmächten ins Spiel zu bringen, hat Le Clézio u.a. die Kreolin Uma in den Roman gesetzt, eine wunderbare erdgebundene, mit zarten Strichen gezeichnete Frauengestalt, die sich für das Kosarengold nicht die Bohne interessiert. Die Gier der Kolonialherren, ihr Machtmissbrauch gegenüber einheimischer Landarbeiter kommt ihm Roman zum Tragen, schwelt aber eher im Hintergrund, sodass im Roman niemals Überheblichkeiten auftauchen, wie wir sind die Guten, ihr die Bösen, sondern es wird ja gerade die innere Wandlung des weißen Mannes Alexis aufgezeigt, der vor vielen Jahren als kleiner Junge mit seinem schwarzen Freund Denis auf Mauritius herumstreift, mit ihm Kindheitsabenteuer erlebt.

Anhand dieses Romans kann die Begründung des Nobelpreiskomitees nachvollzogen werden, Jean-Marie Gustave Le Clézio sei ein „Verfasser des Aufbruchs, des poetischen Abenteuers und der sinnlichen Ekstase, dem Erforscher einer Menschlichkeit außerhalb und unterhalb der herrschenden Zivilisation«

Bisher mein liebster Le Clézio!!

Per Olov Enquist: Ein anderes Leben (Autobiografie)

2009-11-27T12:46:00.005Z

„Ein anderes Leben“ ist die Autobiografie des schwedischen Schriftstellers und Dramatikers Per Olov Enquist. Von Enquist kannte ich bisher nur „Der fünfte Winter des Magnetiseurs“ und „Das Buch von Blanche und Marie“, und ich vermute, zufällig gerade auf die Romane gestoßen zu sein, die wohl nicht zu seinen besten gehören. Enquists Autobiografie veranlasst mich zu einer weiteren Beschäftigung mit dem Autor, denn in „Ein anderes Leben“ habe ich literarische Glanzstücke gefunden. Die Kapitel über seinen Alkoholismus, der ganze Teil über seine Kindheit ist große Literatur, gerade hier wird, als ob es ein Roman wäre, mit literarischen Mitteln gearbeitet. Es ist bemerkenswert, dass man am Buch äußerlich nicht ausmachen kann, dass es sich um eine Autobiografie handelt. Vielleicht hat der Autor darauf keinen besonderen Wert gelegt.

„Ein anderes Leben“ - das ist das Leben nach dem Alkoholismus, als er wieder Romane schrieb, begonnen mit „Kapitän Nemos Bibliothek“. Er stand am Rande totaler Selbstvernichtung, und glaubte nicht mehr, schreiben zu können, erzählt von Jean Sibelius, er habe seine achte Symphonie komponieren wollen, setzte sich an den Komponistentisch, wo ihm dann die Sehnsucht nach einer Branntweinflasche überkam.

Die Entscheidung des Autors, seine Autobiografie aus der Perspektive der dritten Person zu erzählen, hat sich bewährt, denn dieser Blickwinkel gewährt dem Autor einen Blick von außen auf sich selbst, und der Leser gerät niemals in den Verdacht, hier möchte sich jemand auf den Präsentierteller hieven. Die Gefahr banaler Schreiber besteht ja darin, sich autobiografisch in ihrem Leid zu suhlen, hier ein „weh“ und dort ein „ach“. Per Olov Enquist, der sich hier als vorzüglicher Schriftsteller erweist, ist über solche Banalitäten erhaben. Seine Offenheit und Ehrlichkeit, die er in seinem Werk ausbreitet ist bewundernswert, das betrifft natürlich auch die Kapitel über seine Sucht. Trotzdem, nie hatte ich das Gefühl, dem Herrn Enquist zu intim auf die Füße getreten zu sein. Das ist das Wunder der „Er“- Perspektive und die Größe des Autors.

"Riecht es nicht nach Formalin in der Anlage? Man bewahrt die Leichen der Selbstmörder bestimmt im Kühlraum auf. Seine Aufnahmepromille werden ihm mitgeteilt, aber gegen seine Gewohnheit vergisst er sie und will nicht noch einmal fragen."

Obwohl Per Olov Enquist natürlich weiß, dass die Ursache seiner Sucht irgendwo in der Vergangenheit liegen muss, begibt er sich nicht auf Ursachenforschung. Er weiß nicht, woher seine Sucht kommt, lässt aber die Vokabel „Alkohol“ durch das Buch gleiten. Natürlich stutzte ich, als ich Per Olov Enquists Reaktion auf die überschwengliche Rezension zu "Der Sekundant" von Olaf Lagercrantz las, der geschrieben hat, Enquist sei in seinem siebenundreißigsten Lebensjahr zur Meisterschaft gelangt. Enquists Reaktion:

"Das genau ist es. Siebenundreißig Jahre und auf dem Höhepunkt seiner Karriere, und was soll jetzt kommen? Leere?"

Anfang der 60er Jahre infolge von Magnecylmissbrauch Operation wegen eines Magengeschwürs und zur Enthaltsamkeit gezwungen. Mehrere Jahre kein Tropfen. Damals fiel ihm das leicht. Per Olov Enquist, 1934 im Dorf Hjoggböhle, „zwanzig Kilometer von der Küste und tausend Kilometer nördlich von Stockholm, tief im Wald gelegen“, geboren, aufgezogen von einer christlich sektiererischen Mutter, Bigotterie - es muss gesündigt werden, um regelmäßig beichten zu können - , sein Vater starb, da war er ein halbes Jahr alt. Seine Großmutter sprach im Sterbebett zu Per Olov:

"Herzlieb Per-Ola, jetzt sterb ich und du darfst keine Dummheiten machen oder in' Alk'hol g'raten wie e Papa."

1990 beginnt sein anderes Leben. Ein Jahr zuvor ist er in Prag und legt in dieser Autobiografie sein persönliches Zeugnis vom neunten November ab. Am 04. Mai 2001 wurde „Der Besuch des Leibarztes“ im "Literarischen Quartett" besprochen. Damals trat Per Olov Enquist in mein Bewusstsein ein.

Leo Perutz: Wohin rollst du Äpfelchen...

2009-11-25T22:48:00.006Z

1918. Ende des ersten Weltkrieges. Georg Vittorin und vier Kriegskameraden sind nach zweijähriger Kriegsgefangenschaft aus dem russischen Lager von Tschernawjensk entlassen und sitzen im Zug Richtung Wien. Sie schwören Rache. Der Lagerkommandant Seljukow hat sie schlecht behandelt, Vittorin in harscher Weise gedemütigt. In Wien aber gliedern sich die vier Kameraden ohne Probleme wieder ins zivile Leben ein und denken gar nicht daran, um der Rache willen nach Russland zurückzukehren. Offenbar haben sie ihre Schmach schnell vergessen. Nur Vittorin nicht. Er ist fixiert, von Rache besessen. Er will den Kommandanten zur Strecke bringen und reist zurück nach Russland. Dort gerät der in die Unruhen des Bürgerkrieges zwischen den Rotarmisten und der Weißen Armee. Das tut Vittorins Rachegelüsten keinen Abbruch, und wenn wegen seiner Besessenheit einige Menschen sterben müssen, strebt Vittorin energisch weiter seinem Wunsch entgegen, vor Seljukow zu stehen, ihm eine Kugel durch den Leib zu jagen. Doch seine Jagd auf den Stabskapitän Michael Michajlowitsch Seljukow entpuppt sich als eine Jagd auf ein nicht fassbares Fantom. Vittorin jagd Seljukow quer durch Europa. Für Vittorin wird er zum „bösen Geist einer entarteten Zeit.“ Eine herrliche Idee von Perutz, Seljukow zu einer Metapher mutieren zu lassen.

"In ihm haßt Vittorin alles Schändliche...Konstantinopel ist voll von diesen düsteren Gestalten, voll von Menschen, deren Fingerandrücke in den Polizeiämtern registirert sind, überall sieht man ihre gierigen und gemeinen, verschwommenen und verfetteten Gesichter. Sie verdienen am Krieg, an der Politik, an der Spionage...Mit Verbrechern aller Erdteile hab' ich mich herumgeschlagen..."

Den böse Geist der entarteten Zeit finden wir auch in Wien. Doktor Emperger, einer von Vittorins ehemaligen Lagerkameraden, sagt:

"Sie sind wieder zu Hause, alles ist vorüber. Jetzt heißt es arbeiten, wieder von vorn beginnen, den Krieg vergessen."

Bloß, wie soll man den Krieg so schnell vergessen, wenn man gerade erst aus dem Krieg zurückgekommen ist? Vergessen kann man einen Krieg überhaupt nicht, wenn man einen erlebt hat, höchstens verdrängen. Das rächt sich aber. Doktor Emperger ist auf seine Weise genauso verrückt wie Vittorin auf seine Weise. Die (wohl reicheren) Wiener feiern Parties, und auf der Straße hört man Lieder singen wie „...Der Tschechoslowak/ steckt alles in Sack,/ Die Wiener werden krepieren.“

Das Zeitkolorit hat Leo Perutz sehr schön eingefangen. Hierin liegen die Stärken des Romans. Vittorin ist in Russland. Schaurig und wahr heißt es:

"Ein blutiger Nebel lag über der russischen Erde."

Leo Perutz hätte den Charakter Vittorins, und seine psychische Verfassung besser ausgestalten müssen. Da reicht es eben nicht, wenn er in Visionen vor Seljukow steht und anschließend wieder zur Tagesordnung übergeht. Es hätte gestalterisch viel tiefer in die Psyche eingedrungen werden müssen, um den Leser fassbar vor Augen zu führen, warum Vittorin den Boden unter den Füßen verloren hat. Wie Perutz seinen Vittorin dargestellt hat, ist er auch nur ein Schemen, der ein Fantom jagd. Nun kenne ich Leo Perutz in einigen anderen Romanen als höchst raffinierten Romangestalter und es ist nicht auszuschließen, dass diese Schemenhaftigkeit Vittorins beabsichtigt ist, weil „Georg Vittorin der Welt, in der er lebte, entfremdet war.“ Trotzdem ist es mir lieber, wenn sich ein Protagonist griffiger hervorhebt.

„Warum rollst du Äpfelchen“ (1928) ist ein Kriegsheimkehrerroman. Ein anderer bekannter Heimkehrerroman aus den zwanziger Jahren des letzten Jahrhunderts ist „Die Flucht ohne Ende“ (1927) von Joseph Roth, darin Franz Tunda aus russischer Gefangenschaft flieht und in den Bürgerkrieg hineingezogen wird. Das besondere am Perutzroman ist, das der Heimkehrer wieder zurückkehrt, und der Roman sich zu einem abenteuerlichen Spannungsroman entwickelt.

Herta Müller: Reisende auf einem Bein

2009-11-13T16:21:00.006Z

„Reisende auf einem Bein“ ist Herta Müllers erster Roman, den sie nach ihrer Ausreise in Deutschland veröffentlicht hat. Irene, die Protagonistin, reist aus „dem anderen Land“ (Rumänien) aus und kommt in Deutschland aber nie so richtig an. Physisch schon, aber sonst? „Reisende kommen zu spät“ lesen wir, „Reisende auf einem Bein und auf dem anderen Verlorene“. Was das zu bedeuten hat, muss der/die Leser/in selber zusammeninterpretieren, macht er/sie es nicht, hat er/sie ein Bein verloren und das Buch auch. Herta Müller überlässt vieles dem Leser. Also versuche ich es:

Irene, die Reisende, hat ihre Kindheit und Jugend in Rumänien verbracht. Sie hat Sehnsucht aus dem Land herauszukommen. Im ersten Kapitel spiegelt sich diese Sehnsucht in ihren nächtlichen Spaziergängen, auf denen sie einen Mann wiederholt begegnet, der bei ihrem Anblick onaniert. In diesem Land, unter dieser Diktatur, kann sie mit niemandem mehr etwas anfangen, auch nicht mit Franz, den sie zwar in Rumänien noch kennenlernt, der sich aber schon im Absprung in Richtung Deutschland befindet. Irene reist ihm nach. Sie telefonieren und Franz sagt: „Wir haben bewiesen, daß wir, wenn es uns gäbe, nicht wären.“ Was für ein verrückter Satz, aber, und jetzt kommt es. „Der Satz ist ein Zitat“, heißt es, und zwar aus „Die unsichtbaren Städte.“ Es ist klar, dass das Poem von Italo Calvino gemeint ist. „Die unsichtbaren Städte“ sind Imaginationen, können im übertragenden Sinne unerreichbare Winkel menschlicher Identität sein. Müller zitiert Calvino:

"Irene ist der Name für eine Stadt aus der Ferne, und nähert man sich ihr, so wird sie eine andere."

Das ist auf Irene übertragbar, die nur auf einem Bein steht, ihre Identität nicht zum Greifen nahe ist. Sie verliert sich in ihrer Einsamkeit, treibt sich, als ob sie vor sich selber fliehen wolle, in Bahnhofslandschaften herum. Sie wird sich selber Fremd. Ihr Selbst ist gebrochen. Es ist kein Zufall, dass sich dieser Roman auch noch auf Cesare Paveses Roman „Der Teufel auf den Hügeln" bezieht, der Romantitel wird bei Müller zitiert. Paveses Themen sind ebenso Langeweile, Einsamkeit biss hin zum Selbstmord, wie wir es in den einsamen Frauen lesen können. Um den Identitätsverlust bildhaft vorzuführen, wählt Herta Müller in ihrem Roman ähnlich wie in Paveses Roman „Die einsamen Frauen“ das Beispiel mit dem Spiegel:

"Ich seh nur in den Spiegel und rechne nicht mit meinem Gesicht".

Diese literarischen Bezüge sind interessant, reichen aber nicht aus, um den Roman gut zu finden. Warum es mit Franz und Thomas nicht geklappt hat, weiß ich nicht, so bleibt die Handlung in der Schwebe. Thomas, der homosexuell ist, mit Irene aber geschlafen hat, sagt zu ihr:

"Manchmal mach ich Ausnahmen, Irene, ich mußte dich doch rasch noch lieben, bevor du welkst."

Das kann sich evtl. auf das Motto des Romans beziehen, ein Zitat von Pavese: „Aber ich war nicht mehr jung.“ Schon tragisch. Sie hat ihr Leben verpasst. In „dem anderen Land“ konnte sie wegen der Diktatur ihr Leben nicht ausleben. In Deutschland ist ihr Leben brüchig geworden. Es sei zu spät, sie welkt bald schon. Ich weiß natürlich nicht, ob Herta Müller das auch so sieht wie ich. An sich ist das auch nicht wichtig, denn Interpretationen bleiben dem Leser überlassen. Und warum Franz und Irene nicht zusammenpassen, lässt sich warscheinlich auch erdeuteln.

Um hier irgendwie weiter zu kommen, muss ich mich zum Schluss zu einem subjektiven Urteil verleiten lassen. Die ersten Kapitel finde ich sehr schön. Sie haben Atmosphäre, besonders der Abschnitt im Kapitel 4, der in der Umgebung einer Kaserne, eines Bahndamms und der Berliner Mauer spielt.

"Auf dem Bahnsteig oben, der Wind. Darunter die Mauer. Das Licht war grell. Und der Sog war kalt."

Wie schade, dass solche atmosphärischen Teile im Roman dann nicht mehr vorkommen. Die Tragik des Romans liegt natürlich in Irenes Schicksal, aber noch tragischer in der Umsetzung. Es fesselt nichts und irgendwann denkt man, was lese ich überhaupt, d.h. der Inhalt grumpft irgendwo dahin, und der Faden geht flöten. Cesare Pavese, der die gleiche Grundthematik hat, spricht mich da viel mehr an. Interesssanter als das Buch zu lesen, war für mich das Verfassen dieser Rezension, in der mir doch noch einiger Sinn aufgegangen ist. Besonders dankbar bin ich für den Hinweis auf Calvino.